31 julio, 2014

TROVEROS DE ASIETA - "BAILANDO CON LECUONA" (CANARIAS - 2004)

Como quien abre una caja de sorpresas. Así el oído desgusta este disco. Lecuona lo sobrevuela todo, pero sabe por igual a Troveros, desde la primera hasta la última nota. Concebido originalmete para su puesta en escena, "Bailando con Lecuona" es también un sentido homenaje, cuatro décadas después de su muerte, a este prólijo compositor y refinado intérprete cubano de ascendencia canaria. No sabemos si su fantasma ha podido participar en la gestación del mismo, supervisando tal vez apoyado a un piano, sugiriendo quzás desde un foso de escenario.
 
Pero de ser así, hubo de lidiar seguro con cuatro arreglistas e intérpretes que han dejado finalmete su huella en él. Porque el cocepto musical de Lecuna es elegante y refinado, modelador de piezas amables, a medio camino entre lo clásico y lo popular. Y porque el abordaje dado a sus composciones en este disco, aunque sin perturbar su esencia primera, trasgrede ese elemento lírico y comedido que les es propio, relanzándolas a nuevos hábitats. Por ello, para facilitar el encuentro, las célebres piezas escogidas por Troveros van del bolero al danzón y el cha-cha-chá, precisamente de los ritmos cubanos que más trabajó Lecuona. Hay también algún vals, testimonio de esa herencia múltiple que tan bien adoptó Lecuona, y que va de la música europea y española a los ritmos afrocubanos.
 
En la producción se hace notar el buen hacer de Manolito Simonet, trenzando un trabajo francamente arriesgado, donde tienen cabida desde digresiones cercanas al latin jazz, en instrumentales exquisitos, a decididas intervenciones de cuerdas, vientos y coros. "Bailando con Lecunoa" es, en suma, una obra colectiva, un homenaje que trasciende el quehacer esencial del séptimo que lo firma: Troveros de Asieta, para contar con las participaciones de otros músicos y sublimar así el resultado final. El tratamiento dado aquí a las composiciones de Ernesto Lecuona no reniega de su fina elegancia, del salón, pero lo acerca mucho más a la calle. Preciosismo, sabia conjunción entre delicadez y contundencia. Nuevos enfoques, en el siglo XXI, pra el más importante compositor cubano del siglo XX.
 
 
 

CAMARÓN - "PARÍS 1987" (ESPAÑA - 1997)

Este disco es un homenaje al artista flamenco más popular de este siglo y es la grabación de los conciertos que contribuyeron a situarlo como una gran estrella internacional. La prensa y la televisión francesas le dedicaron sus portadas y titulares, presentándolo como el mito vivo del flamenco, ídolo de gitanos y payos.

El local, un antiguo circo con una capacidad aproximada para 2000 personas, se llenó a rebosar con un público a medio camino entre el curioso francés y el emigrante español. Los parisienses pagaron 200 francos para escuchar en directo al rey del "cante jondo", acompañado de José Fernández Torres "Tomatito" a la guitarra.

"Estoy cantando con muchas ganas, porque el público francés tiene un respeto muy bonito y muy grande. El respeto que hace que te sientas más responsable como artista y que te concentres más. El público francés ha estado mejor que yo. Tenían un respeto y una cosa que me hacía responsabilizarme". (José Monge Cruz "Camarón")


29 julio, 2014

SASHA - "POR UN AMOR" (MÉXICO - 2004)

Detrás de esta grabación está el legado de la música popular mexicana como una tradición viva, que se enriquece al ser interpretada de una forma distinta, nueva. Así, se incorporan instrumentos como el cello, el contrabajo, guitarras flamencas, cajón, o se utilizan elementos tradicionales como la jarana, la guitarra, la vihuela o la trompeta del mariachi, pero con otra intención, otro fraseo.

La voz recoge el reto de canciones y autores significativos del repertorio mexicano, dándoles un sentido más contemporáneo, alojándose de lo exclusivamente étnico, haciendo un recorrido por géneros distintos como rancheras, sones, huapangos, eligiendo temas muy populares o rescatando otros injustamente olvidados.


27 julio, 2014

TROVEROS DE ASIETA - "SIEMPRE SONRIENDO" (CANARIAS - 2001)

En mil viajes de ida y vuelta, las músicas han entrado en Cuba como sonero por su casa. Desde todos los puntos de España, del África subsahariana, destino Santiago de Cuba y La Habana. Este trasiego hace cierto que no existe música de Cuba sino guajira y danzón, guaracha y son montuno, descarga y bolero. Crónicas distintas de la vida misma entroncadas en el torrente sonoro cubano, producto sabroso de un misterioso sincretismo cultural de la isla del caimán verde. Mitad mestizaje, mitad azar campesino: voces de un pueblo continente.

De esas fuentes genuinas beben Troveros De Asieta. Después de cantar a Moré, ("Mata Siguaraya") y a Matamoros, ("Elixir De La Vida") salen ahora de excursión junto a Arsenio Rodríguez y Mario Bauzá, dos emperadores de los ritmos afrocubanos durante los años centrales del siglo XX. Y es en esos enjundiosos sonidos afro-antillanos, de negros nombres, como "Zambia" o "Mulence", los que el grupo de La Palma ataca con solvente desparpajo pese a que en su origen fueron piezas musicales concebidas para conjuntos y bandas gigantes.

Con producción equilibrada, lejos del folclorismo estéril pero condimentado con las presencias del timplista José Antonio Ramos, del cantante Luis Morera, (Taburiente) y del grupo Los Sabandeños, "Siempre Sonriendo" actualiza pícaros versos añejos, objeto siempre de segundas lecturas cubanas e indaga, poniendo buenas músicas al temporal, en algunos de los problemas existenciales del fin de siglo: xenofobia, hambre, violencia étnica...

Recolector en el tradicional semillero del son, Troveros De Asieta apuesta también por compositores contemporáneos como Juan De Marcos González, comandante de esa revolución habanera llamada Sierra Maestra; y los cantautores Eva De Goñi y Andrés Molina, capaces ambos de pergeñar una visión actualizada del mundo en el que vivimos.



26 julio, 2014

TEXAS - "WHITE ON BLONDE" (ESCOCIA - 1997)

"White On Blonde" supuso uno de los cambios de sonido más excitantes y sorprendentes que ha presenciado la historia de la música. Texas dejaban atrás la steel guitar bluesera de sus tres primeros discos, inmortalizada en "I Don’t Want A Lover", y se pasaban claramente al soul. Aunque el título del disco está inspirado en el "Blonde On Blonde" de Bob Dylan, es el fantasma de Marvin Gaye el que está presente en su producción. El single de presentación, "Say What You Want", es una recreación de "Sexual Healing" y el grupo, en la época, no se cansa de incluir en su repertorio una versión de "You’re All I Need To Get By".

"Say What You Want" lo tiene todo. El riff de guitarra nos mete en la canción de lleno, el puente tiene una melodía preciosa y el estribillo es perfecto. Definitivamente, es una de las mejores canciones pop de la historia.

Tampoco puede decirse que los singles estuvieran mal escogidos. "Halo", con sus cuerdas apabullantes, cansa sólo a partir de la escucha sistemática, porque este tema, a día de hoy, aún se sigue oyendo. Otro de los clásicos indiscutibles del disco junto a "Say What You Want" o "Black Eyed Boy", es uno de los mejores tributos que pueden hacerse al sonido Motown. 






A algunos todavía se nos ponen los pelos de punta con  "Put Your Arms Around Me", que también resultaba escalofriante en su versión acústica. Sharleen Spiteri deslumbra en este álbum y recorre el mismo siempre en la justa medida, sin artificios y con total naturalidad . Nada excesiva, la verdad...










25 julio, 2014

RUBÉN BLADES - "CANTARES DEL SUBDESARROLLO" (PANAMÁ - 2009)

"Cantares Del Subdesarrollo" es el título tentativo del nuevo disco de Rubén Blades. El mítico salsero lo define como ''un homenaje a Cuba y a su gente". "Cuba es la raíz de la música que yo hago. Cuba es un pueblo heroico porque ha sufrido de adentro con el sistema y de fuera por el embargo, es increíble lo que ha sufrido esa isla. Admiro ese espíritu de lucha" , señaló el panameño de madre cubana.

Entre los temas más interesantes destacan "Las Calles" y "Cualquier Día De Éstos". El primero es una conversación entre dos generaciones: el planteamiento de un joven producto de la sociedad violenta de hoy y la respuesta de un viejo apertrechado en sus recuerdos. El segundo aborda el proceso de reintegración de la sociedad cubana y la urgente solución a sus problemas. Blades asegura que el disco es una mezcla entre "Buscando América" y "Maestra vida", clásicos en la discografía del panameño.




"Es un trabajo convincente, rico en sonoridades que fusionan la fuerza de los trombones de la salsa brava", añade Blades.







 

TEXAS - "RICKS ROAD" (ESCOCIA - 1994)

En la trayectoria de esta magnífica banda escocesa, Texas, hay dos etapas que se distinguen claramente: una primera en la que hacían un pop tradicional y otra en la que se abren a nuevas influencias, ( trip-hop, etc...).
Este álbum, "Ricks Road", fue el encargdado en su día de cerrar la primera etapa del grupo, y la cerró por la puerta grande, aunque no es sólamente pop lo que rezuma el álbum sino que arrastra otras influencias, como un country o un blues americano algo tamizado en la balada "I`m So In Love With You", una de las mejores baladas de la carrera de Texas.

Canciones destacables hay muchas, prácticamente casi todo "Ricks Road" es relevante, sin embargo, sobresalen, además de la ya citada "I'm So In Love With You", el que fuera single de presentación, "So Called Friend ", muestra del pop inglés de siempre, "Fade Away" o "You Owe It All To Me ", que sugieren inequívocamente un paisaje de "road movie".


El hecho de haber sido un álbum con 5 singles, ya es un aviso de la grandeza y la calidad del mismo. Pero además de estos 5 temas, los 7 restantes no tienen desperdicio. Incluso, algunas voces expertas en la materia, opinan que hay varios de esos 7 que superan, ligeramente, a alguno de los singles.








LOS FAKIRES - "MI CASA, SU CASA" (CUBA - 2000)


Escuchar a Los Fakires es viajar a una Cuba de una simplicidad apacible, a una tierra de tranquila dignidad rural y pobreza sin rencores, a un tiempo aún no perturbado por el comercio moderno y las comunicaciones, a una música de una espontánea y profunda integridad.

"Mi Casa, Su Casa", es una evocación a la calidez, la franqueza, la modestia, la generosidad de Los Fakires: músicos del mundo de nuestros abuelos.





24 julio, 2014

SHARLEEN SPITERI - "MELODY" (ESCOCIA - 2008)

 
"Melody" es el primer disco en solitario de Sharleen Spiteri, tras dejar atrás su proyecto con el grupo escocés Texas. "Melody" es un disco 100% suyo. Ha compuesto todos los temas, lo ha producido y ha tomado el control artístico del mismo. Con sabor y sonido "vintage", recordando el rock and roll y doo-wop de los años 50 y 60, pero con un espírito contemporáneo.
Una colección de 11 canciones, para un álbum de pop dinámico, muy femenino y muy personal. "Melody" = Sharleen Spiteri: sexy, tierno, pegadizo, con alma.

  "All The Times I've Cried" es el primer single. Los ecos de "shangri-las" abren esta balada pop suntuosa donde Sharleen se desliza en el tono de la inspiradora Dusty Springfield. "El guiño a Dusty surgió de forma inconsciente", dice Sharleen, "pero cualquiera que me conozca sabe de la gran influencia que ella ha sido para mí. Con esta canción pretendo llevar al oyente de viaje, partiendo desde un punto bajo en el que te sientes solo y herido para después subir con el coro donde canto.  Tenía en mente también muchos discos de doo-wop. Suenan muy "up tempo", aunque sean canciones increíblemente tristes. Estoy firmemente convencida de que cada vez que te sientas a componer una canción deberías intentar escribir un éxito", comenta Sharleen.

"Texas son mi familia y siempre estarán ahí" dice Sharleen. "Pero tras el último disco todos decidimos que queríamos hacer cosas diferentes otros proyectos. Tenía que pensar qué quería hacer con mi vida, además, en ese momento a nivel personal había grandes cambios en mi vida. Así que decidí que esa etapa había terminado. Necesitaba hacer un disco en solitario y hacer frente al desafío.
Siempre quise hacer un disco a lo Nancy Sinatra" explica. "Eso nunca hubiera sido posible con Texas, pero al estar sola, podía tomar pleno control y llevar acabo un proyecto como este con el que siempre había soñado. De eso trata "Melody". Es mi disco soñado de Nancy y de Lee Hazlewood pero con Johnny Cash, Motown, Elvis, The Righteous Brothers, todos estos ingredientes añadidos. Eso es el fuego que le da hervor. Mi mayor fantasía musical hecha disco".

"Es un disco extremadamente femenino", reconoce. "Hay cosas en la vida para las que no te sientes preparada y tienes que aprender a manejarlas. Muchas de las letras tratan de temas personales, mi manera de avanzar y empezar un nuevo capítulo".

Fiel a su carácter distintivo de componer cada tema como si fuera a ser un éxito, "Melody" contiene temas pop como la contagiosa "It Was You", la triste "All The Times I Cried", "Don't Keep Me Waiting" con sabor cincuentero y su momento más Motown hasta la fecha, "Stop I Don't Love You Anymore". También revela el gusto de Sharleen por las bandas sonoras de John Barry y sus dramáticos y cambiantes arreglos de cuerda, además de servir de homenaje a sus ídolos galos del pop como Serge Gainsbourg y Francoise Hardy. "Te puedes volver un poco loco haciendo tu propio disco, pero soy muy puntillosa en lo que a la música se refiere, sé exactamente el sonido que quiero, el sentimiento particular que persigo recrear".

"Sigo apasionándome con la música" concluye. "Quizás el hecho de llevar veinte años haciendo esto signifique que debiera pensar en dejarlo de lado, pero no lo puedo evitar, amo la música pop, siempre me ha gustado el pop, y con "Melody" siento que he sido honesta conmigo misma, acerca de quien soy y con la música que quiero hacer. Al final, esta soy yo de verdad".




MERCEDES SOSA - "INTERPRETA A ATAHUALPA YUPANQUI" (ARGENTINA - 1977)

"No es la primera vez que se unen, en la magia perpetuadora de belleza y sonidos que es el disco, las canciones de Atahualpa Yupanqui y la voz de Mercedes Sosa. Pero esta vez la conjunción se ha dado de modo especialísimo, no sólo como homenaje —pues el reconocimiento es ya largo— al compositor del venero fecundo, sino como tributo y loa al fabricante de los versos y a la singular recreadora de su espíritu, que les dio vida y raíces, ojos para mirarlo y corazón para amarlo. Del río y de la montaña, del bosque y de la pampa, surge la canción. Pasa por la garganta, vibra en un instrumento. 

He tenido la gran suerte de presenciar una parte de la grabación de este disco. Y con Mercedes, cuya voz vence el frío del invierno, con Domingo Cura que hace sonar el bombo en un rito majestuoso y jovial, con Óscar Alem que da al bajo sonoridades y ritmos de agua profunda, con Nicolás Brizuela puesto a pulsar su guitarra criollísima y con Santiago Alberto Bértiz, "Pepete", en las cuerdas de las que no se sabe bien si de pronto van a salir volando mariposas o pájaros, he asistido a una especie de prodigio.

Llegamos al estudio, tras un simple tararear de Mercedes en la línea melódica, tras una breve, certera, indicación técnica de Alem y un repaso ligero de acordes y compases de "Pepete", brotaron las zambas y las chacareras del maestro. En menos de dos horas y media de labor, cinco canciones de Atahualpa Yupanqui quedaron —el punteo, el rasgueo, las cadencias, el gorjeo y el son— para deleite de tantos que somos hoy, y de muchas que mañana serán, plasmadas sin mancha en el acetato bendito.

Muchas veces me he preguntado, desde mi estremecimiento dulce, oyéndola una y otra vez pero nunca bastante, cual es el secreto de Mercedes en su voz que traspasa todos los muros y los años y llena el firmamento. Y no he podido hallar en los pentagramas la respuesta cabal. No es sólo cuestión de afinación, de aire amplio, de ritmo dominado, perfecto. Va más allá, cielo arriba: porque amor es su palabra fundamental y amar es el verbo mayor que ella conjuga. Y ahora lo confirmo. Porque en ella va la poesía inviolable de la tierra".
 
Alberto Domingo.
(Revista "Siempre". México).
 
 


23 julio, 2014

MESTISAY - "CANCIONES DEL SUR" (CANARIAS - 2003)

"Canciones Del Sur", recrea las debilidades personales del dúo canario Mestisay -desde Serrat a Cecilia, Pablo Milanés, Chabuca Granda, Carlos Varela o el maestro Quiroga- con ese aliento íntimo que sólo confieren la voz y el piano.

En los surcos del álbum se esconden algunas de las melodías que más han conmovido a varias generaciones a ambas orillas del Atlántico: "No Hago Otra Cosa Que Pensar En Ti", "Fina Estampa", "Ramito De Violetas", "Ojos Verdes", "Luna De Abril"... "Son piezas con las que siempre sentimos el vínculo del afecto, la memoria y las circunstancias", corrobora Manuel González, compositor, guitarrista e ideólogo de Mestisay.  "Y sí, en nuestro archivo sentimental también tiene cabida la copla".

El resultado es un álbum del todo pausado y sentimental. A menudo la voz de Cerpa brota con la sola caricia del piano de Alejandro Monroy, muy alejado aquí de los oropeles como arreglista de la tonadillera Isabel Pantoja. Pero Manuel González avisa de que este "cambio de rumbo" no es circunstancial. "Nos ha conducido hacia una sonoridad muy atractiva, un hallazgo pequeño y modesto con el que nos sentimos cómodos".

Mestisay y Olga Cerpa, con su voz rotunda tan bella como matizada, convierte cualquier melodía en un acontecimiento. Es una de las mejores voces de nuestro panorama.


MESTISAY - "PEQUEÑO FADO Y OTRAS CANCIONES DE AMOR" (CANARIAS - 2008)

El grupo canario Mestisay nos presenta "Pequeño Fado Y Otras Canciones De Amor" y nos lo hace llegar de una forma  romántica, desgarradora y, sobre todo, intimista. Olga Cerpa se cuela en nuestros oídos para cantar de cara, sin aparentes sofisticaciones y con el punteo de una guitarra hasta 12 temas, aunque existe un trabajo muy calibrado de fusión entre Canarias y Portugal para conseguir sencillez y precisión.

"Es un experimento musical de fuerte acento atlántico, lleno de pasiones y memoria, donde acercamos el género del bolero hasta las orillas del fado portugués, que ha juntado a músicos de fado portugueses y músicos canarios procedentes del mundo del bolero", manifiesta el grupo.

Los amantes del bolero, (pero sin los clichés del género), escucharán con el timbreo sentimental, directo y redondo de Olga Cerpa temas clásico como: "Luz De Luna", "He Perdido Contigo", "No Me Quieras Tanto", "Si Me Pudieras Querer", "Dos Rosas", "Cenizas", "Amar Y Vivir", "Si Te Contara", "Llamarada", "Amor De Mis Amores", "Viajera" y "Pequeño Fado", que abre el disco.

Pancho Delgado y el fundador de Mestisay, Manuel González, ejercieron de productores musicales en la grabación. La pasión portuguesa fue aportada por el lisboeta Bernardo Couto, considerado uno de los mejores intérpretes de la guitarra portuguesa, acompañante habitual de los mejore fadistas del género.

A juicio de los expertos, Cerpa consigue imprimir un singular registro dramático en una selección de parte de los temas de su infancia, apuntalado en dicho tratamiento intimista por el sonoridad fadista de la guitarra y el acompañamiento de las guitarras españolas. "Recoge la esencia de sus actuaciones en directo".


22 julio, 2014

5 PA TI - "SON CON SWING" (CUBA - 2000)


El quinteto 5 Pa' Ti presenta su álbum debut "Son Con Swing", fusionando los ritmos caribeños de su Cuba natal con el swing, el blues y el jazz de antaño, aportando frescura e innovación a una generación todavía eclipsada por el boom de "Buena Vista Social Club".

Procedentes de la nueva ola de jóvenes y talentosos músicos cubanos, llamada "el joven son", 5 Pa' Ti viene con un juego de voces bien empastadas, melodías envolventes y alegres dejando como resultado un álbum primerizo pero de muy buen gusto.





 

21 julio, 2014

PEDRO GUERRA - "RAÍZ" (CANARIAS - 1999)

El tercer álbum en solitario de Pedro Guerra, "Raíz", nos vuelve a mostrar a un músico exquisito, un maestro en el teorema de hacer lo mismo pero de forma diferente, o cosas diferentes pero de la misma forma, que no es lo mismo pero es igual, dando sentido a aquello de que repetirse no significa hacer lo mismo.

Pedro Guerra sin olvidarse de "su" Brasil, retoma el folklore de sus tiempos de Taller Canario armando el disco con una base rítmica bastante acusada en la que, aparte del preceptivo bajo y batería, utiliza todo tipo de percusiones, (canaria y no canaria). Esto hace que el disco se resienta en su musicalidad y haga parecer que algunas melodías van un poco arrastradas. Aún así el cantautor canario nos vuelve a ofrecer canciones magistrales, aquellas, las únicas que el personal puede robar sin pedir permiso para integrarla en lo más íntimo de su patrimonio personal ("Oasis", "Bahía", "Daniela"...).

La producción a cargo de Juan Ignacio Cuadrado y el propio Pedro Guerra es correcta incluso en algunos momentos brillante dando un sonido correcto y compacto, sin sobrecargas pero sin fisuras. Todo un lujo para los tiempos que corren.





Pedro Guerra vuelve a acertar demostrando que la Raíz de su vida sigue siendo su música.







   







ORISHAS - "EL KILO" (CUBA - 2005)

Entre tanto premio y conciertos, Orishas también dedicaron el 2003 a componer las canciones y grabar la maqueta de su tercer disco, "El Kilo", que lleva el nombre con el que, de acuerdo al argot de la isla, se conoce el céntimo de la moneda nacional.

Este álbum tiene la parte enérgica que tenía "A Lo Cubano" en cuanto a percusión, metales, ritmo... y al mismo tiempo contiene la parte melódica que tenía "Emigrante". Es un álbum de madurez, la sólida consecuencia de seis años de trabajo.

"El Kilo" fue nominado a los premios Grammy Latinos 2005 en la categoría de "Mejor Álbum de Música Urbana", y a los Grammy Awards 2005 en la categoría de "Best LatinRock/Alternative Album". Finalmente no consiguieron estos dos premios a los que optaban, pero para el grupo la nominación ya era todo un premio y reconocimiento a su trabajo.
 
Este disco alcanzó el estatus "oro" de ventas en Suiza, Portugal y España. El 5 de mayo de 2006, "El Kilo" fue premiado en la X edición de los Premios de la Música de España en la categoría de "Mejor Álbum de Hip-Hop".
 
Con este álbum era la primera vez que el grupo tenía la oportunidad de hacer varios conciertos en distintas ciudades de USA, y la experiencia fue muy buena consiguiendo buenísimas críticas de la prensa y el público.
 
 
 

ORISHAS - "EMIGRANTE" (CUBA - 2002)

 
 
Orishas vuelve a la carga juntando en una todas las músicas de raíz que hay en su isla. Rumba, son y guaguancó se fusionan, (fusión: bonita palabra cuando se usa sin forzar), con la timba más callejero el hip-hop más audaz.
 
En este nuevo álbum, titulado "Emigrante", las letras de los temas son más profundas y consiguen un trato más internacional. Con este trabajo, obtuvieron una nominación para los premios Grammy como "Mejor Álbum Rock/Alternativo Latino". En los Grammy latinos ganaron el premio al "Mejor Ábum De Hip-Hop Y Rap".
 
 



ORISHAS - "A LO CUBANO" (CUBA - 1999)

El grupo cubano Orishas mezcla los ritmos hip-hop con sones tradicionales de la isla caribeña. Los tres integrantes de Orishas se conocieron en París y viven repartidos por Europa (Roldán en Paris, Ruzzo en Milán y Yotuel en Madrid). Roldán González Rivero canta desde que tenía 8 ó 9 años, estudió en el conservatorio guitarra clásica, canto coral y ha trabajado con varias agrupaciones cubanas de música tradicional. En 1997 Roldán llevaba la voz cantante en la agrupación "Rico Son" y Ruzzo, (Hiram Riverí Medina) y Youtel "Guerrero", (Yotuel Omar Romero Manzanares) rapeaban junto con Joel "El Pionero" Pando en "Amenaza", una de las bandas pioneras de la escena hip-hop cubana.
 


Tras ganar con "Amenaza" el Gran Premio en la 3ª Edición del semiclandestino Festival de Rap Cubano, Ruzzo y Youtel querían hacer algo más pero el grupo no se decidía, por lo que a Ruzzo y Yotuel se les unió Liván, con amplia experiencia en el mundillo musical franco-cubano. Para completar la formación, se les unió guitarrista Roldán.
 



Durante un largo año estuvieron trabajando en París, con la colaboración del productor de rap Niko Noki. El resultado fue un álbum titulado "A Lo Cubano", publicado en 1999, con excelentes críticas en prensa en toda Europa desde que salió a la venta. Este álbum se convirtió en Disco De Oro en Francia y Suiza y fue el primer disco de hip-hop que es Disco De Platino en España al superar las 100.000 copias vendidas.
 

Tras unos problemas personales, Liván abandona el grupo en plena gira por Francia. Al poco tiempo, Orishas se fué de gira triunfal por Cuba, donde su éxito fue apoteósico.



20 julio, 2014

SON ESPERANZA - "SON ESPERANZA" (CUBA - 2000)

El gran Septeto Son Esperanza aparece con su homónimo álbum debut incluyendo temas antológicos como "La Ruñidera", "El Guararey De Pastora" o "Yo Sí Como Candela", entre otros, junto al resto de canciones compuestas por jóvenes autores: Sergio Lago, Rafael Bermúdez, José A. Peña, Jorge Díaz y el propio Alejandro Sequeda, (director y voz solista del Septeto), casi todos integrantes del grupo.

En "Son Esperanza", resulta evidente la intención de destacar el son que aparece como "leit motiv" en todo el disco. Está presente como género en la mayoría de los temas, pero sobre él se habla más como símbolo de identidad, se defiende con sentido de pertenencia y se le canta como "lo nuestro"; y es que alguien ha dicho que el son es esperanza que nunca se agota.

Destaca la interpretación vocal de Alejandro Sequeda, siempre preciso, de fuerte timbre, yoluble al cantar el bellísimo bolero "Tú, Mi Afinidad" y el bolero-son "Entrégate Sin Temor".

Un momento significativo es, sin lugar a dudas, el merecido homenaje a Félix Chapotín en "Son Para Un Trompetista", que se extiende en la interpretación del clásico "Yo Sí Como Candela" y resume el trabajo de toda una época del son y, sobre todo, de un estilo. Importante mención al trompetista Leonardo Rodríguez que con su sonido, limpieza y habilidad brindó a este homenaje un toque especial. Cabe destacar la interpretación del tresero Sergio Lago, con entradas siempre oportunas.

Y si de tres se habla, mencionar el regalo que hace el gran tresero "Pancho" Amat a su propia producción, con sus solos en "Como Una Cosquillita" y "Yo Sí Como Candela".

Muchas son las virtudes de este álbum que ha definido lo que son: un septeto excelente, de amplísimas posibilidades interpretativas y con el tesoro de contar dentro del grupo con los autores de la mayoría de su repertorio. Un inicio que marca sus propias pautas y que promete muchísimo.






19 julio, 2014

MADELEINE PEYROUX - "THE BLUE ROOM" (USA - 2013)

Cincuenta años después de la edición de "Modern Sounds In Country And Western Music", (uno de los álbumes clave en la historia de la música norteamericana), Madeleine Peyroux lo vuelve a hacer actualidad al seleccionar parte del repertorio de este disco para ser incluido en su nuevo trabajo titulado "The Blue Room", adaptándolo a su estilo y poniendo de manifiesto que a la hora de mezclar estilos como el folk y el country, con el jazz y el soul, ella lo sabe hacer como pocas.


The Blue Room es un bar de copas situado en Burbank (California), famoso por sus cocktails y un jukebox que hace las delicias de quienes son habituales del lugar y que gustan de un ambiente absolutamente informal. El edificio, que parece más un hangar que otra cosa, constituye el otro motivo en el que Madeleine Payroux basa la argumentación de su nuevo disco. Producido de forma exquisita por Larry Klein, "The Blue Room" posee toda la calidad, intensidad y atmósfera con la que ella interpreta de manera natural, fresca y sin condicionantes técnicos. Cada disco de Madeleine, y este no es una excepción, está grabado como si se hiciese de una sola toma, sin perder en absoluto empaque y solidez.


Cinco canciones pertenecen a aquel extraordinario disco de Ray Charles: "Take These Chains From My Hearts", continuando por "Bye Bye Love", "I Can't Stop Loving You", "Born To Lose" y terminando con "You Don't Know Me". Posteriormente, "The Blue Room" completa su repertorio con una versión sublime de "Bird On A Wire" (Leonard Cohen) y otras canciones de autores que han escrito páginas de oro dentro de la música americana. "Guilty" (Randy Newman), "Changing All Those Changes" (Buddy Holly), "Gentle On My Mind" (John Hartford) y "Desperadoes Under The Eaves" (Warren Zevon). Canciones clave todas ellas en su formación como cantante, en palabras de la propia Madeleine.



El resultado es un disco que, pese a su origen relativamente ecléctico, consigue una consistente homogeneidad gracias al tratamiento que la cantante estadounidense hace de las diferentes canciones, llevándolas a su terreno y haciéndolas suyas. De esta forma, el jazz se da la mano con el blues, el country, el soul, el pop-rock y la música de raíz norteamericana, con suntuosos arreglos de cuerda. Una preciosidad.





18 julio, 2014

ABEL PINTOS - "REEVOLUCIÓN" (ARGENTINA - 2010)

Primero fue joven promesa, luego -a sus escasos 13 años- artista revelación y ahijado artístico de León Gieco. Fue sumando escalones mientras sus alas crecían y su voz cambiaba. Y hoy podemos hablar de Abel Pintos como uno de los músicos y compositores más innovadores de la música de raíz.

"Reevolución", es otro paso adelante en la carrera de Pintos, que no teme tomar riesgos al abordar nuevos géneros o apostar a innovadores arreglos en temas de alto vuelo musical y poético. "El disco refleja una actitud muy sanguínea. Quería un audio que fuera para adelante. "Reevolución" tiene más carácter porque el mensaje es el de ir hacia adelante, aún a pesar de las adversidades, de las despedidas, de lo que venga", describe el argentino. 

Las 12 nuevas composiciones de Pintos apuntan directamente al corazón. "Este disco tiende a agradecer lo que he vivido hasta hoy y muestra una sed tremenda de seguir descubriendo cosas, en la vida y en la música. Desde ese lugar ofreceré más y mejores cosas", apunta Abel Pintos que a los 26 se muestra maduro y ha sabido rodearse de excelentes músicos, empezando por confiarle la producción de "Reevolución" al notable guitarrista Marcelo Predacino, uno de los imprescindibles de la música folklórica argentina.


 
 
 

LILA DOWNS - "LA CANTINA... ENTRE COPA Y COPA" (MÉXICO - 2006)


Lila Downs, mestiza y desgarradora, anuncia desde su título, "La Cantina... Entre Copa Y Copa", lo que puede ser para quien lo escucha: un verdadero bálsamo para los pesares y el desamor. Downs anota que la cantina es una espacio por donde hombres y mujeres transitan para "ahogar sus penas de amor". Las canciones elegidas evocan con toda intensidad el sentimiento devastador que produce un desamor. Sin embargo, el disco sirve para exorcizar los pesares, esos que invariablemente recalan en el alma. Más todavía si se escucha "tequiliando".



La selección de los temas es impecable. Algunos son clásicos de la música ranchera como "Penas En El Alma", "Pa’ Todo El Año", "Tu Recuerdo Y Yo", –en donde mezcla instrumentos electrónicos y hip-hop–, y "Entre Copa Y Copa". Otros son compuestos por la misma Downs como "La Cumbia Del Mole" o "El Corrido De Tacha La Teibolera". Interpretaciones muy modernas con arreglos tecno, electrónicos y algo de rock caracterizan las versiones de estas rancheras, que le dan una variación a un género cantado usualmente de manera acústica y con mariachi.





Downs es dueña de una voz privilegiada, que le permite cantar con la misma intensidad rancheras, corridos, boleros y cantos tradicionales mexicanos. Si los tres últimos los había explorado en sus producciones anteriores, en "La Cantina..." la ranchera se muestra en todo su esplendor. Es claro que la intención de la cantante es reivindicar y reinventar un género que para muchos es solo "música de borrachos", pero que, en la recuperación de lo mexicano que Downs había venido haciendo a lo largo de su carrera, se convierte en poesía. Downs canta este género con sentimiento, porque la ranchera es "la poesía mexicana".



Ese disco también forma parte del proceso de reafirmación de la identidad de la cantante y de la aceptación de su condición mestiza. Lila Downs, nacida en Oaxaca, ha buscado su camino y su verdadera esencia en esa mezcla particular que le era difícil de asumir y que la ha llevado a reinventar la música tradicional mexicana.


Lila Downs embriaga con su voz. Una voz que en esta producción se expande en toda su dimensión, y que muestra, con toda claridad, que su dueña ya sabe quién es. Por eso, "La Cantina..." es un disco impresionante, único e  imprescindible.



17 julio, 2014

BLOQUE 53 - "TUMBA PUCHUNGA" (ESPAÑA - 2012)

Regresa una de las mejores agrupaciones Europeas directamente desde Barcelona. Una banda que desde sus inicios a estado en la vida rumbera de Cali y ha tenido muy buenos comentarios de la critica mundial. Esta agrupación cada día reafirma su excelencia y profesionalismo tanto en estudio como en tarima.

Después de "La Ruta de La Salsa" (2010) y "Te Hace Mover Los Pies" (2011), sus dos primeras producciones, Bloque 53 nos presenta su nuevo álbum titulado "Tumba Puchunga" bajo la dirección del Venezolano Joaquín Arteaga y con los trombones de Tromboranga, la nueva agrupación española que esta dando mucho que hablar y bailar.

Son quince temas los que componen este álbum que, sin duda alguna, es igual o mucho mejor que los dos anteriores. La sonoridad característica de Bloque 53 se mantiene y la integración de los trombones le da un matíz mágico a esta nueva entrega.

"Tumba Puchunga" es también un homenaje al Trabuco Venezolano y al Grupo Mango de Venezuela, encontramos dentro de esta selección canciones originales de estas instituciones de la salsa venezolana, como es el caso de "El Hijo Del Sonero", "El Muñeco De La Ciudad", "Bravo Rumbero", "Nina" y "El Cumaco De San Juan". En esta ocasión, podemos escuchar y bailar estos temas con el swing y la sonoridad de Bloque 53 respetando las armonias originales. Pareciera que estuviéramos ecuchando la nueva generación de estas dos grandes orquestas venezolanas y más hacia el lado del Grupo Mango.

Cada vez que se escucha algo de este grupo, sin duda alguna, sabe llegar al gusto salsero y musical. Esta no es la excepción. Este álbum cuenta con arreglos musicales excelentes gracias a Simón Delgado, Andreu Cañadell, Vladimir Peña, Freddy Ramos y Marcel Pascual.

Joaquín Arteaga y Bloque 53 esta vez lo pusieron difícil. Cada pista, cada letra, cada arreglo, cada instrumento, cada soneo es excepcional, y para nombrar los mejor de esta producción se hace necesario nombrar a todos y cada una de las canciones de la componen.

El tema "Tumba Puchunga" conserva la sonoridad de "Chencha Chula", uno de los temas incluidos en su anterior producción. Es como la continuación de esa canción que tanto gustó en Cali y en las rumbas "underground".

A los muchachos de Bloque 53 agradecimientos eternos por hacer de este tipo de música casi un estilo de vida.







TROMBORANGA - "AL MAL TIEMPO BUENA SALSA" (ESPAÑA - 2013)

Etiquetas como "salsa brava", "salsa pesada" o "salsa de la vieja escuela", han sido utilizadas por una infinidad de agrupaciones  a lo largo de estos últimos 10 años. Tromboranga tiene todo el derecho y autoridad para llevar cualquiera de estas tres descripciones. Salsa brava sin temor a equivocarnos. Y no sólo porque en su formación incluyan tres trombones. Muchas usan los mismos pero los desperdician por falta de buenos arreglistas. Agrupaciones del "boom salsero" de los años 60 y 70 como "La Conquistadora", "La Narváez" o "La Brooklyn Sounds", estarían contentas de sentir su legado preservado por Tromboranga.

Después de su primer y mundialmente aclamado álbum "Salsa Dura", regresan estos inquietos y virtuosos instrumentistas para deleitar al mundo con su más reciente entrega "Al Mal Tiempo Buena Salsa".

El álbum consta de 12 cortes, todos composiciones de sus mismos miembros, a excepción del clásico "Alabanciosa", "Qué Quiere La Niña" y "Repica Bien El Tambor". La elección de tracks fue madurada cuidadosamente desde el inicio, cortes respetando al buen bailador y buen oyente. Las canciones, en su mayoría tempo lento, son una invitación para que el bailador se deleite en la pista de baile.

El timbalero venezolano Joaquín Arteaga conoce bien la fórmula. Este inteligente, virtuoso arreglista y compositor, no para de sorprendernos cada vez que graba un disco, sea con Bloque 53 o con Tromboranga. Sus trabajos son de una fineza y solidez únicos. Los trombones explotan prácticamente en cada canción. El venezolano Vladimir, el español Albert y el inglés Tom, nos regalan una dosis de potencia. En una grabación así es difícil escoger temas, o más bien injusto con todas las joyas que presentan.

Los vocalistas Freddy Ramos y Diego Coppinger conocen perfectamente la clave y, así como en su primer álbum, son los grandes baluartes de la orquesta. No se lo piense y "Al Mal Tiempo Buena Salsa".


LOS DE ABAJO - "CYBERTROPIC CHILANGO POWER" (MÉXICO - 2002)

Desde su debut en los Estados Unidos en 1998, Los de Abajo se han establecido como la parte de la escena alternativa latina que retoña musicalmente bajo la influencia del frenético latido de ská. Durante todo este tiempo han viajado mucho por diversos países y, obviamente, su crecimiento ha tenido una gran relevancia.

"Cybertropic Chilango Power" encuentra las raíces intactas, pero los horizontes e ideas inmensamente ampliados. En vez de nadar y guardar la ropa dentro de la escena latina independiente, son capaces de mirar otras áreas de la música mexicana, incluso la ranchera más tradicional, el bolero y el corrido en un claro ejemplo de querer dar un paso adelante en lo que al sonido se refiere.

Así pues, las canciones que conforman este disco, se forjan más en direcciones acústicas y muestran claramente una apertura a la música mexicana. A esto hay que añadir los sonidos encontrados de la gran urbe mexicana y sus letras reflejan realmente la visión de la Ciudad de México. Y todo lo que ven, es una mezcla interesante donde el pasado y futuro viene juntos y las cosas pueden ser completamente extrañas.

"Cybertropic Chilango Power"  es un  álbum, además de impresionante, maduro. Han retenido su energía juvenil pero han añadido una capa de pensamiento que los eleva a un nivel completamente nuevo.


16 julio, 2014

ANA MOURA - "DESFADO" (PORTUGAL - 2012)

No hay otra voz en el fado, señala la crítica especializada, como la de Ana Moura. Destacan de ella que pasea libremente por la tradición del género, pero flirteando elegantemente con la música pop, ampliando el espectro del fado, tan típico de Lisboa, de una manera muy personal.
"Desfado", su quinto álbum, se trata de un disco que toma su nombre de uno de los dos temas compuestos para la artista por Pedro da Silva Martins, de la banda Deolinda. "Desfado" es un punto de inflexión en la carrera de Ana Moura, denotando su influencia pop y dirigido a un mercado internacional y a una nueva audiencia portuguesa.

Pero lo que la sitúa aparte de la tradición del fado portugués es no sólo el timbre grave y sensual, tan único, sino que Ana Moura es capaz de transformar instantáneamente cualquier melodía a la que presta su voz y la convierte en fado. Es una chispa inmediata, una explosión emocional dirigida de forma implacable al corazón del oyente.

Ana Moura, una de las voces femeninas más destacadas del fado, ha logrado triunfar en escenarios tan emblemáticos como el Carnegie Hall de Nueva York y el Barbican Centre en Londres. Ha cantando, entre otros, con los Rolling Stones, Prince o Caetano Veloso y durante su exitosa carrera musical ha logrado varios discos de platino, el "Globo de Oro" a la mejor intérprete y sus álbumes han entrado en las listas de venta de medio mundo.




 
 

JOAQUÍN SABINA - "FÍSICA Y QUÍMICA" (ESPAÑA - 1992)

Para muchos, estamos ante el mejor disco de Sabina o al menos así fue durante mucho tiempo. Gustos y preferencias aparte, en este disco vemos a un Sabina que juguetea con rancheras y ritmos de "jazzclub" en algunos momentos y que, entre canciones de amor y desamor, nos cuela temas existenciales como la forma de vivir o la imaginación como forma de vida.

Ya, desde el inicio, nos acaricia como un arrullo en "Y Nos Dieron Las Diez", humedeciendo las córneas y la memoria, (real o ficticia), con un ritmo de ranchera suave que nos evoca a las aventuras vividas en un verano cualquiera, esas aventuras furtivas, esos recuerdos escurridizos.
Pero cambia repentinamente el registro Sabina con una audaz "Conductores Suicidas", donde la gente de mala vida tiene un sitio privilegiado. Se dice que está dedicada a Manolo Tena.

Tan simpática como perecedera y casi caduca, "Yo Quiero Ser Una Chica Almodóvar" pasa sin pena ni gloria. Siguen una hermosa "A La Orilla De La Chimenea", intimista y compuesta para acurrucarse con alguien en un sofá, y "Todos Menos Tú", que va de más a menos, empezando por un listado de pintorescos personajes, para acabar con un deje medio "funk", pasando a ser una canción menos excepcional de lo esperado en un principio, pero en cualquier caso bastante bien resuelta.

Con un parecido muestrario de estampas, Sabina nos construye un crisol de vivencias y rutinas extraordinarias que se han fundido en otro de sus clásicos: "La Del Pirata Cojo" nos invita a vivir otras vidas sin movernos de nuestro asiento; para seguir con "La Canción De Las Noches Perdidas" que es un trago de cinismo con regusto a Martini. Siguen dos canciones poco destacadas pero nada desdeñables: "Los Cuentos Que Yo Cuento", que recrea la historia de Adán y Eva con bastante guasa y un ritmo movido, y "Peor Para El Sol", que con bastante más pausa habla sin pelos en la lengua del muchas veces tratado tema de las infidelidades y la vida nocturna.

Con un pincel sombrío y una desolada paleta de colores "Amor Se Llama El Juego" nos cuenta el terrible sentimiento de melancolía y de falta de ilusión en una pareja: "Amor se llama el juego en el que dos juegan a hacerse daño", escribe el jienense sentando cátedra y sabiendo que nadie va a rebatirle.

Cierra el disco con un alegato al vivir despreocupado, "Pastillas Para No Soñar" nos cuenta entre rasgueos de guitarras cómo podemos existir mucho tiempo sin haber vivido. Con este tema cierra uno de los discos más rotundos y bien planificados de Sabina, que durante mucho tiempo estuvo entre los más celebrados, admirados y aplaudidos de su carrera.




PEDRO GUERRA - "GOLOSINAS" (CANARIAS - 1995)

Pedro Guerra comenzó su trayectoria en solitario con "Golosinas" (1995), un álbum fundamental en la música española. Es de esos álbumes que marcan una obra, que incluye canciones emblemáticas de un repertorio que han cantado gente como Ana Belén, Víctor Manuel, Cómplices, Joaquín Sabina, Javier Álvarez, Pablo Milanés, Juan Carlos Baglietto, Mestisay, Marina Rosell, Alejandra Guzmán, Luis Pastor, Mercedes Ferrer, Alba Molina, Maria Bethânia, Cesárea Évora, Malú…

Alguna de estas canciones ha sido merecedora del "Premio Ondas", ("Contamíname" en 1995), y todas han dignificado la música española. Muchas se han grabado en nuestra memoria personal como parte fundamental de la historia de la música popular de nuestro país.

Canciones compuestas por el propio Guerra con una artesanía impecable, comprometidas y terrenales pero volando por encima de tiempos y modas, con esa inspiración que convierte las buenas cosas en permanentes.

Desde que se dio a conocer con este su primer trabajo solista, Pedro Guerra ha engrosado las filas de los cantautores al estilo de Silvio Rodríguez, Luis Eduardo Aute o  Joan Manuel Serrat, aunque también declara tener influencias de Fito Páez y Caetano Veloso. Tomar el mando de semejante tradición lo lleva también a componer una música seria y comprometida con las causas nobles.



15 julio, 2014

MARÍA GADÚ - "MAIS UMA PÁGINA" (BRASIL - 2011)

"Mais Uma Página" es el segundo trabajo de la cantante brasileña María Gadú. La compositora se enfrenta con la prueba real del segundo disco siempre temido.  Esta vez Gadú cuenta con colaboraciones y perfecciona el sonido respecto a su primer álbum.

"Mais Uma Página" se aleja de la fórmula del éxito fácil. María Gadú se ha ganado un lugar en la escena de la música popular brasileña, gracias a letras que abordan preocupaciones existenciales desde un prisma romántico.

Gadú crea un registro con melodías finas y voces etéreas que adornan canciones sumamente bellas. La compositora no ocupará con este segundo disco las listas de ventas como lo hizo con el primero, pero la paulista hace un importante movimiento para consolidar su nombre y su sonido.

Sin embargo, una cosa no puede ser criticada y es la falta de talento. Ella tiene talento y lo ejemplifica de nuevo con este segundo disco. El álbum sigue la misma línea de guitarras que funcionó bien, los diferentes elementos de percusión dispersos entre canciones y tambores mansos.

María Gadú muestra personalidad para ser fiel a su estilo pero ahora hay espacio para el saxo , el trombón , el violín, la flauta y otros instrumentos de viento. Incluso se estableció el disco en formato "banda". Molestándose en salir de su zona de confort, María Gadú hace un buen trabajo innovando en la música brasileña, aunque no sea la intención primigenia.