JAMEY JOHNSON - "LIVIN’ FOR A SONG: A TRIBUTE TO HANK COCHRAN" (USA - 2012)

"Livin' For A Song: A Tribute A Hank Cochran", es el último disco de Jamey Johnson. El álbum de 16 pistas, producido por Buddy Cannon y Dale Dodson, viene acompañado, además de Jamey Johnson como gran anfitrión, de otros grandes del country, como Willie Nelson, Merle Haggard, Alison Krauss, Vince Gill, Leon Russell, Emmylou Harris, Kris Kristofferson, Lee Ann Womack entre otros.

Uno de los compositores más exitosos de la música country, Hank Cochran, fue también un mentor atesorado para artistas como Willie Nelson y Merle Haggard. Sus letras cortadas y las melodías simples pero indelebles, ayudaron sus composiciones y los artistas que grabaron esas canciones se cruzaron con un éxito sin precedentes.

"Hank era un amigo muy servicial, no sólo para mí, sino para Willie y para mucha gente. Si sabía que tú necesitabas ayuda con algo, él te ayudaba. Él estaba allí. Y eso es lo que quiero ser para las personas en mi vida, al igual que Hank. Él influyó en mí, no sólo como artista y compositor, sino también como persona".

Impresionante catálogo de canciones de Hank Cochran en las que se incluyen  "I Fall To Pieces" y "She'll Be Back", (ambos éxitos para Patsy Cline), o "Make The World Go Away", a dúo con Alison Krauss . Otros artistas que grabaron canciones de Hank Cochran fueron George Jones, Elvis Presley, Elvis Costello, Ray Price, Ronnie Milsap, Jim Reeves y muchos otros.

El álbum es un intenso intercambio en arquetipos. Las actuaciones de Johnson y sus colaboraciones ofrecen algunas sorpresas de bienvenida. Johnson nunca ha sido conocido por la calidad de sus interpretaciones vocales o su gama de expresiones, pero nunca sonó mejor que aquí. Su voz de barítono tosca se adapta bien a una canción como "Would These Arms Be In Your Way", y demuestra ser un cantante de armonía hábil en "Do Not Touch Me", a dúo con Emmylou Harris. Tanto el dueto con Ray Benson en "I Don't Do Windows " y su réplica de ida y vuelta con Lee Ann Womack en "This Ain't My First Rodeo", son notables desviaciones en su estilo. Por eso, "Livin' For A Song: A Tribute To Hank Cochran", permite a Johnson desafiarse artísticamente a la vez que rinde homenaje a un querido amigo.

ELIANE ELÍAS - "DREAMER" (BRASIL - 2004)

La pianista y cantante de origen brasileño Eliane Elías ha pasado una mitad de su vida en Brasil y la otra mitad en Estados Unidos. Para este álbum, Elías ha seleccionado cuidadosamente el repertorio, escogiendo canciones significativas que trabajarían,  tanto los compositores estadounidenses como los brasileños, entorno a la nova bossa. La mayor parte de las canciones ya tenían letras en inglés. "Movin' Me On" y "Time Alone", son canciones originales. Además de las letras predominantemente en inglés, otra característica que este álbum presenta es que Eliane está respaldada en todo momento por una orquesta de sonido exuberante y aquí es donde Elías se siente protagonista como cantante y exquisita pianista.

El resultado es un álbum de ensueño, elegante y sensual. 53 minutos de jazz romántico. Elías canta bajo, con voz íntima y entrecortada, pero encaja perfectamente en el estado de ánimo, mientras que Rob Mathes, con sus exuberantes arreglos orquestales, crean un tejido de encaje que es de buen gusto y nada intrusivo. En "Call Me" de Tony Hatch, Elías cuenta con el saxofón de Michael Brecker. Dos cortes rinden homenaje a Antonio Carlos Jobim: "Photograph" y "Vivo Sonhando" con letra de Ray Gilbert y Gene Lees, respectivamente. Otros compositores brasileños se incluyen en el álbum tales como Paulo y Marcos Valle ("So Nice" y "Samba de Verao") y Dorival Caymmi ("Doralice"). Por último, Elías rinde homenaje a la actuación de Stan Getz en el legendario álbum "Getz/Gilberto" (1963), transcribiendo su solo de saxo. "Baubles, Bangles And Bead" y "Doralice" son los cortes más ligeros, que mantienen las cosas en movimiento. El álbum se cierra con un tema instrumental, el único en todo el álbum.

ELIANE ELÍAS - "AROUND THE CITY" (BRASIL - 2006)

Eliane Elías está cómoda en su propia piel. La pianista y compositor aprendió a tocar el piano en su Sao Paulo natal a la edad de siete años y comenzó a transcribir grabaciones de jazz con doce años. Eliane ha mantenido un compromiso inquebrantable como pianista y compositora en una industria que empaqueta mejor y más fácilmente el talento femenino como atractivas mujeres con habilidades-marginales que como músicos de jazz latino. Con más de diecisiete álbumes en su haber, (también ha grabado varios álbumes vocales, incluyendo  muy celebrado "Dreamer" de 2004 ), Eliane ha logrado ampliar su audiencia, simplemente mediante la aplicación de su música a nuevas formas y nuevas sonoridades.

Elias es creativa enfocando los alrededores de la ciudad, donde se utiliza la música para ilustrar cómo el maquillaje de una ciudad puede ser una metáfora de la vida. Estas canciones representan la perseverancia y el perdón, momentos de diversión y celebración y el amor, al igual que las ciudades, incluyen distritos comerciales, los barrios obreros y lugares de fiesta toda la noche. Además de las obras originales, el disco incluye versiones de éxitos populares como "Oye Como Va" de Tito Puente, "Tropicalia" de Beck  y  la renovada "Jammin" de Bob Marley.

La música, (junto con la voz única de Elías), se ejecuta con maestría. Añadir la voz de Elías y la influencia inconsciente de Levin, se convierte en algo así como un gesto consciente de ser. "Jammin" tiene un cambio de imagen de alta energía, pero Elías y Levin muestran el debido respeto por un himno del reggae a través de su impecable musicalidad y su producción.

"Around The City" fue una de las obras más ambiciosas del 2006 y uno de los mejores discos que Eliane Elías ha conseguido entregar. ¿Quién sabía que la vida en la ciudad podría parecer tan buena?

THE LITTLE WILLIES - "FOR THE GOOD TIMES" (USA - 2012)

The Little Willies es una banda formada en el 2003 en la que participa Norah Jones al piano y voz principal. Los demás miembros da la formación son: Richard Julian como vocalista, Jim Campilongo en la guitarra, Lee Alexander en el bajo y Dan Rieser en la batería. El grupo se formó cuando cinco amigos tuvieron un primer concierto en el Living Room de New York City, como una excusa para tocar juntos. Al principio sólo tocaban tributos a otros cantantes country, incluyendo a Willie Nelson, del cual sacaron el nombre del grupo, pero luego empezaron a componer canciones propias. Su primer álbum, "The Little Willies" (2006) fue el paso definitivo a la fama.

Los discos de versiones se han convertido en los últimos años en un recurso frecuente para enmascarar bloqueos creativos, apurar contratos agonizantes o prolongar el impacto comercial de un artista, así que es inevitable que se les dé tratamiento de discos menores en el mejor de los casos.

 

Aún así, el concepto está claro: The Little Willies han venido al mundo para sacarle brillo al country de solera al que tanto cuesta sacudirse la reputación de casposo en los círculos de la modernidad. No se acercan al género con intención redentora y oportunista. Su tratamiento es mucho más purista y referencial, pero está interpretado con tanto swing y producido con tanta elegancia que resulta cautivador incluso para los turistas del género.

 

En "For The Good Times", (el título es ya en sí mismo una declaración de intenciones), todas las canciones tienen enjundia: desde la recreación de "I Worship You", un viejo tesoro del catálogo de la leyenda del bluegrass Ralph Stanley, hasta la bellísima versión serpenteante del clásico de Dolly Parton, "Jolene".

 

En medio, aparte del festín para los oídos que representan todos y cada uno de los solos del excepcional guitarrista Jim Campilongo, brillan el rock arenoso de "Diesel Smoke, Dangerous Curves" (que, eso sí, no puede hacer sombra a la inolvidable versión de Billy Strange), el dueto de Jones y Julian en el standard "Lovesick Blues", que dota al viejo clásico que popularizó Hank Williams de una ternura conmovedora y el irresistible trote honky-tonk de "If You've Got The Money I've Got The Time", uno de los guiños reverenciales a los patriarcas, (en este caso Willie Nelson), que definen el espíritu de un disco tan agradecido como agradable.

 

 

 

DIANA KRALL - "GLAD RAG DOLL" (CANADÁ - 2012)

Diana Krall presenta "Glad Rag Doll" . Conducido por el guitarrista Marc Ribot, es un álbum con un sonido más bailable y con inspiración en las décadas '20 y '30 del siglo XX.

"Glad Rag Doll" es un álbum tonificante y audaz, explora nuevos sonidos, nuevas instrumentaciones y nuevos músicos. Está protagonizado por una cantante y pianista, plagado de travesuras, humor y una sensación renovada de delicadeza e intimidad.

El disco se revela en ese punto de fuga en el tiempo en el que toda la música, (swing, jazz, rock), acaba chocando con canciones de nostalgia, consuelo y dolor. Todas vuelven a renovarse en un vodevil fraguado en la propia imaginación de Krall.

Supone al mismo tiempo un importante cambio de rumbo y una progresión natural para esta música que es un dechado de talento. Diana llama simplemente al álbum "un disco de canción y baile.
Todos entramos como si las canciones se hubieran escrito ayer. No quería hacer un producto de un momento concreto o un disco nostálgico", declara emocionada Krall.

De hecho, estamos ante canciones que Krall ha estado sopesando interpretar durante toda su vida. Tanto el hogar de su infancia como su casa actual están atestadas de discos y libros de canciones llenos de joyas preciosas e impolutas, canciones que no han perdido su brillo a pesar de tanta repetición.

Si hay alguna de estas canciones que pudieran identificarse como "música de los años veinte o de los años treinta", entonces se trata de canciones de los años veinte o treinta en cuanto que imaginadas para el siglo XXI.

Lo mismo podría decirse en relación con una versión del clásico de Pomus, "Lonely Avenue", que sonó por primera vez en los años cincuenta.

La lectura contemplativa y contemporánea de la vieja grabación de Gene Austin de "Let It Rain" encuentra un empático eco en la versión que propone Diana Krall de la más reciente balada de anhelo espiritual de Buddy y Julie Miller, "Wide River To Cross".

Desde el susurro hasta el aullido, el elegante y empático acompañamiento guitarrístico a solo de Marc Ribot en el tema que da título al disco, contrasta hermosamente con una gran variedad de sonidos y colores sorprendentes.

Como sucede siempre con un disco de Diana Krall, el toque característico que imprime a su música y su sentido único del tiempo resultan cruciales. Ha establecido una nueva y apasionante relación rítmica con el percusionista Jay Bellerose y el bajista Dennis Crouch, lo cual ha dado rienda suelta a la ejecución pianística más jubilosa que se le ha oído en disco hasta el día de hoy.

Entre los nuevos elementos que se introducen en el proceso espontáneo de los arreglos se encuentran los comentarios misteriosos y, en ocasiones, cómicos procedentes de los teclados de Keefus Green.

A. J. CROCE - "TWELVE TALES" (USA - 2014)

"Twelve Tales" es el octavo álbum del cantante y compositor americano A. J. Croce. Es un álbum de impacto con canciones de geométrica contrucción y elegante interpretación vocal. Croce recorre sus canciones con una voz pequeña de tamaño pero de tono sugerente, fraseo elegante y dicción clara, con un leve tono castaño claro en el barniz del timbre y emoción en el decir.

Elegancia y estilo en la producción sónica de las mismas, con seis productores diferentes encargados cada uno de dos temas y felizmente elegidos por Croce. Un riesgo asumido que podía dar al traste con la coherencia del conjunto, cosa que no ocurre en absoluto.

Doce cuentos contados y cantados bajo los influjos pantanosos propios de los sudorosos cortes del mas lírico Dr. John. Así ocurre en la excelente "Shining", con unos coros de elegante empaque y una sección de viento de poderoso ascendente sonoro. En este mismo sendero sónico se encuentra la más ágil y luminosa "Easy Money", cantada con madrugador tono de optimismo.

El piano esta presente en todo el disco, unas veces acercándose a la elegancia estilítica de los lujosos locales de pianista y cóctel. "Right On Time", que es la encargada de dar la apertura al álbum, la estupenda rúbrica que con el piano se hace de la elegante melodía terapéuticamente cantada de "Rollin On", la más cabaretera y canalla "Call Of Love" como de garito menos respetable, para ir a tomar algo fuerte de tapadillo. Piano-rock puro y hermoso, de smoking y zapatos de charol en las fabulosas "Keep The Change" y "The Time Is Up" que cierra el trabajo, en todas ellas destaca un delicado y preciosista uso del piano como es de recibo.

Sonidos más campestres y áridos enredados en bellas melodías de aire más cercano a la esencia de su progenitor, también tienen cabida en este grandioso recopilatorio de cuentos, "What Is Love" y "Make It Work" son ejemplos cristalinos, dos preciosos temas de pradera y brisa a la atardecida.
 "Always And Everyone" y "Stage Fright", podrían encajar perfectamente como banda sonora de una película western.

Dos temas van un poco por libre pero sin perder ni un ápice las virtudes que adornan el resto de canciones que forman parte de esta deliciosa obra: la sugerente y diáfana "Adonis" y la más eléctrica y rockera "Momentary Lapse Of Judgement", con unas roncas y terrenales guitarras acompañando una desenfadada melodía.

LOS HACHEROS - "PILÓN" (CUBA - 2012)

La novel agrupación Los Hacheros, afincada en Nueva York, presenta su ópera prima "Pilón", (2012). El conguero y cantante Héctor "Papote" Jiménez, aparece como la figura artística de mayor referencia de este grupo, debido a su participación en las producciones de Gilberto "Pulpo" Colón, Aurora Flores & Son Del Barrio, entre otras.

Las canciones incluidas del repertorio popular cubano presentan, en las versiones aquí propuestas, abordajes impredecibles, -práctica fundamental de la auténtica interpretación salsera-, con los cuales se beneficia el carácter singular y libertario de las interpretaciones.

"Pilón" ofrece un recorrido panorámico por el bolero ("Desastre" de Luis Marquetti y "Convergencia" de Marcelino Guerra), la guajira ("Choco’s Guajira", rebautizada aquí como "Papote’s Guajira"), el son montuno ("Tintorera" y "Mami Me Gustó" de Arsenio Rodríguez y Lili Martínez, respectivamente), la rumba ("Rumberos De Ayer", de Beny Moré, rebautizada aquí como "Chano") y el cha cha chá (Cha Cha Herzilia, instrumental).

La sonoridad estructurada con base en la combinación inusual de flauta, violín, trombón y tres, es sin duda inteligente y refrescante ante la uniformidad imperante. La utilización del tres amplificado recuerda de manera inevitable al genial Arsenio Rodríguez.

 

 

BRIA SKONBERG - "SO IS THE DAY" (CANADÁ - 2012)

 

La multi-talentosa trompetista, directora, compositora y cantante Bria Skonberg, nacida en el Oeste de Canadá, publicó su álbum de debut en los EEUU. Skonberg ya es ampliamente conocida en ambos países, pero este es el primer disco publicado en EEUU, titulado "So Is The Day". Canadá tiene una tradición de músicos de jazz que se han impuesto en el vecino del sur y en todo el mundo: Oscar Peterson, Maynard Ferguson, Gil Evans, Diana Krall, Nikki Yanofsky y, más recientemente, las hermanas Ingrid y Christine Jensen (trompeta y saxo). Ahora Bria Skonberg ya se ha dado a conocer en Nueva York, donde ha tocado en los principales clubes y salas de conciertos.

Skonberg demuestra solidez y un gran dominio de su instrumento obteniendo flexibilidad artística, acercándose descaradamente a los estilos de Armstrong, Cootie Williams, Warren Vache y otros trompetistas legendarios.

Es también obvio que Skonberg es una estudiosa de la tradición vocal. Bria exhibe matices estilísticos de Peggy Lee, Dinah Washington y Diana Krall. La canadiense posee una hermosa voz sensual y un alma dulce e inocente. Estamos ante una instrumentista que se mueve a la perfección entre la línea melódica y el ritmo. Skonberg es una compositora elegantemente versátil, y en este álbum ofrece canciones atractivas, todas original y estilísticamente únicas.

MAITE HONTELÉ - "DÉJAME ASÍ" (HOLANDA/COLOMBIA - 2013)

La trompeta de Maite Hontelé es un puente brillante y sólido por el que esta holandesa cruzó el Atlántico y se instaló en en la energética Medellín, Colombia.

"La Mujer Sonora", apodo por el que se conoce a Maite, lanza su primer álbum completo como solista, -ya había grabado dos EP’s, "Llego La Mona" (2009) y "Mujer Sonora" (2010)- con Óscar D’León como invitado especial. "Déjame Así" consta de ocho canciones cuidadosamente seleccionadas, compuestas y arregladas en su totalidad por el virtuoso músico y pianista Juancho Valencia, (Puerto Candelaria), a excepción de dos de ellos; "Perdón" (Pedro Flores) y "Juana Bonita" (Pietro Redamo). La grabación es una muestra de los géneros musicales que Maite ha explorado a lo largo de su carrera musical. Nacida en Utrecht, (Holanda), se vio rodeada desde muy temprana edad por el son cubano y la música caribeña. Sus padres poseían una gran colección discográfica de estos ritmos. Posteriormente, cursó estudios en el reconocido Conservatorio de Rotterdam. Presentaciones con luminarias de la talla de Buena Vista Social Club, Conjunto Chapottín en la Feria de Cali del 2009, Rubén Blades, Yuri Buenaventura, Issac Delgado, Diego Galé , Juan Carlos Coronel, Óscar D’León, demuestran con suficiencia las credenciales que "La Mona" Maite tiene para ofrecer. En Holanda también hace parte del colectivo Bongomatik, Cubop City Big Band y de Rumbatá Big Band.

La salsa en sus diferentes vertientes y colores es interpretada por Maite en el disco. La salsa colombiana es una de sus preferidas y esto se hace evidente en la canción "Yo No Sé" interpretada en formato de sonora, siendo una de las elegidas de Maite. Un tributo al sonido que ha marcado a varias generaciones de salseros colombianos, trompeta cortantes y tempo rápido para el bailador son la característica. El son montuno "Qué Bonito", con el gran músico cubano Alain Pérez, (ex Isaac Delgado), vocalizando y también tocando el bajo, es uno de los cortes estrella.

A los largo del álbum también podemos intuir los sonidos y agrupaciones que han influido en la sonoridad de Maite: Grupo Gale ("Yo No Sé"), Los Van Van ("Mañana"), Truco Y Zaperoco ("Tu Rumberito Llegó"), La Sonora Ponceña ("Dejame Así"). Del mismo modo, los porros de Lucho Bermúdez y Pacho Galán ("María Bonita") son tratados por su agrupación con mucho respeto y fidelidad. Mención especial merece el clásico de Pedro Flores "Perdón", en la voz del gran Óscar D”Leon en tiempo de bolero-son con una fabulosa instrumentación apoyada en violines, viola, cello y acordeón, este último interpretado por Juancho Valencia. La canción desemboca en un "solo" de trompeta muy personal de Maite.

RAÚL PAZ - "VEN VEN" (CUBA - 2014)

"Nadie sabe de amor", dice en una de sus canciones un Raúl Paz romántico, enamorado y cercano que seduce con su décimo disco titulado "Ven Ven".

Aunque la prensa europea insiste en que su nuevo fonograma trae un sonido mestizo e intentan situarlo en una intercepción media de la recta que es la música cubana, conviene insertar a "Ven Ven" en esa arista contemporánea y diversa que se edifica en el pentagrama nacional.

Paz es parte de un movimiento pujante en la escena musical actual y que muchas veces se engloba dentro de lo alternativo, aunque esto no es del todo cierto porque dicha corriente está marcada por las claras influencias de una estética artística que ya va en los genes de los nacidos en Cuba, y que tiene como paradigmas a Benny Moré, Miguel Matamoros y el recientemente fallecido Juan Formell.

De ahí que en el nuevo álbum de Raúl Paz se revisitan discursos cotidianos ya abordadas por otros compositores de antaño, pero que se enriquecen con una visión armónica que, sin duda, se nutre de géneros foráneos como el pop, el reggae, el funk y el soul e inevitablemente también lleva esa marca del son y las tradiciones caribeñas.

Una inmensidad de sonidos se disfrutan en "Ven Ven", un álbum donde Paz asume la rapidez del swing y el jazz en general, con solos de trompetas de una riqueza impresionante. Para lograr una coherencia armónica disfrutable, Paz sumó a sus orquestaciones las de los pianistas Andy Rubal y Jorge Aragón, así como las del maestro Joaquín Betancourt. A su vez, el cantante contó para la mezcla del disco con el francés Florent Livet.
Pasiones, sueños y verdades sellan esa poesía moderna con que Raúl trata el más sublime de los sentimientos. Su discurso, directo y con metáforas sencillas e inteligentes, está hecho para enamorar al instante.

Raúl Paz termina con una certeza cuando asegura que "cada cual debe hacer la música de su momento histórico". Este álbum está marcado definitivamente por su tiempo.

ZAZ - "PARIS" (FRANCIA - 2014)

"Paris" es el tercer álbum de la cantante francesa Zaz, grabado junto al reconocido productor estadounidense Quincy Jones. "Paris Sera Toujours Paris", ("París Siempre Será París"), es el primer adelanto de este álbum, una canción compuesta en 1939 por Maurice Chevalier.

El disco también incluye otros temas que se hicieron populares en las voces de artistas como Ella Fitzgerald, Edith Piaf y Frank Sinatra.

Acerca del álbum, Zaz comentó a mediados de este año que el proyecto fue concebido de manera inesperada y que contó con la colaboración de Quincy Jones, quien trabajó en la producción de varios temas, incluyendo "I Love Paris", un dúo con la cantante canadiense Nikki Yanofski.

Otro colaborador en este disco fue Charles Aznavour. El músico de 90 años grabó junto a Zaz "J’Aime Paris Au Mois De Mai", ("Me Encanta París En Mayo"), describiendo esta participación como algo "zaznaovouresque".

En esta entrega, la artista gala canta sobre su amor por la ciudad de la luz, la misma que la vio nacer como artista. Fiel al estilo que ha cultivado desde el inicio de su carrera, se atrevió a experimentar con la fusión de sonidos, esta vez combinando la chanson francesa con géneros como el jazz, el swing y el tango.

THE LOST FINGERS - "WONDERS OF THE WORLD" (CANADÁ - 2014)

El trío acústico The Lost Fingers nace en la ciudad de Quebec, Canadá, y son conocidos por su fascinación por el gypsy-jazz, (en francés "jazz manouche"), y los éxitos del pop de la década de los '80. Sus espectáculos son una mezcla de ambos estilos, aparentemente tan dispares. Su reputación y su habilidad a la hora de conjugar ambos géneros creció y consiguieron ganarse un gran número de seguidores muy rápidamente. El grupo se encuentra, no demasiado tiempo después de su formación, tocando en algunos de los festivales más conocidos del mundo, incluyendo el Festival de Jazz de Montreal.

The Lost Fingers lo componen Christian Roberge (voz, guitarra), Byron Mikaloff (coros, guitarra), Alex Morissette (coros, contrabajo).

"Lost In The 80's", su álbum debut del año 2008, consiguió un disco de platino por sus 100.000 ventas en Quebec sólo después de las 12 semanas de su lanzamiento. "Lost In The 80's" ha sido lanzado en más de ocho países incluyendo EEUU, Bélgica, Francia, México, Suiza o España y fue nominado a "Álbum del Año".

Para su quinto álbum de estudio titulado "Wonders Of The World", The Lost Fingers reclutaron a la brillante concursante de "La Voix" Valérie Amyot como voz principal, así como el productor de la banda de Elton John, John Jorgenson, que estuvo detrás de los controles. El resultado de la colaboración es un disco con un sonido diferente de lo que estamos acostumbrados en el trío canadiense. Arreglos exuberantes y un jazz-pop para combinar con la impresionante voz de Valérie que gustará a los fans y a los nuevos oyentes por igual.

NATALIA CLAVIER - "NÉCTAR" (ARGENTINA - 2008)

Nacida en Buenos Aires, Argentina, Natalia fue expuesta a la música a una temprana edad gracias a su madre con una constante corriente de música desde clásica, folk argentino, Bob Dylan, Joan Báez, cantautores españoles, soul norteamericano.

Empezó a cantar en el coro de su escuela y a los 11 años ya era solista en un show de música y teatro para niños patrocinado por el estado ante una audiencia de cientos de personas en una de las más grandes salas de conciertos de la ciudad.

Durante su adolescencia estudió para ser actriz, después descubrió el jazz y a Sarah Vaughn, dándole una nueva heroína a la cual admirar y una nueva dirección a seguir. Después de un breve periodo actuando con grupos locales, Natalia conoció a diversos músicos y se unió a "Cosmic Ja-Ja", después de algún tiempo sobre los escenarios se mudó a Barcelona, España.

En Barcelona, Natalia inmediatamente entró al circuito local de jazz y se lanzó dentró de la escena de la música electrónica contribuyendo para sencillos de "house" y "techno" e incluso cantó en algunos eventos frente a miles de personas. En este periodo conoce al joven guitarrista y compatriota Federico Aubele.

En la música de Natalia Clavier se reconocen paisajes del folklore argentino, cruzados por una música electrónica sutil que acompaña, secunda. Bases "dub" y "hip-hop" en las que la voz de esta porteña vecina de Brooklyn se luce: se acerca a Bebel Gilberto para, un rato más tarde, huir despavorida hacia el extremo opuesto y convertirse en una Beth Gibbons, (Portishead), optimista. Letras que hablan de amor, de verdades personales. Algunas iluminan, otras duelen.

"Néctar" es un álbum muy sólido y su voz es, de lejos, la principal atracción así como la instrumentación acústica tradicional como el violín, cello, piano y guitarra.

ROXANNE POTVIN - "CARELESS LOVING" (CANADÁ - 2003)

La guitarrista, vocalista y compositora Roxanne Potvin se ha hecho un nombre por sí sola en un país amante del blues, Canadá. Potvin realizó varias giras con otras dos guitarristas femeninas, Sue Foley y Deborah Coleman. Más tarde, las tres juntas, grabarían un álbum para un sello con sede en Alemania con oficinas en Estados Unidos, Ruf Records.

Potvin nació en 1982 en Regina, se trasladó a Ottawa cuando tenía dos años. Su padre trabajaba como reportero de TV para CBC, también tocaba la guitarra en su casa y Roxanne se crió en una familia de músicos. Su madre cantaba y otros familiares tocaban otros instrumentos en sesiones de improvisación en el hogar. El rock y el jazz estaban en el tocadiscos la mayor parte del tiempo: la música de los Rolling Stones, Billie Holiday, Pink Floyd, los Beatles y otros.

La joven Roxanne tuvo un momento de revelación después de ver a un igualmente joven Jonny Lang en la televisión, y se enamoró de blues americano y el blues-rock. Desde el estudio de Lang, descubrió la música de BB King, Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan y otros varios. Potvin bebió de esas fuentes. Roxanne consiguió su primera guitarra a los 15 años de edad y, una vez que consiguió los nociones básicas, comenzó a tocar semanalmente sesiones de blues jam en el Rainbow Club de Ottawa.

En "Careless Loving", Potvin cita los estilos de Freddie King como una influencia de guitarra primordial  y a Dinah Washington por ser una inspiración vocal.

ZAZ - "RECTO VERSO" (FRANCIA - 2013)

La cantante francesa Zaz fue una de las artistas de mayor éxito en Francia durante 2011 y 2012, con más de 1,7 millones de discos vendidos en todo el mundo. Su álbum debut fue certificado como disco de diamante en Francia; doble platino en Alemania, Rusia, Polonia, Bélgica, Suiza y Turquía, y oro en Grecia y Austria. Zaz apareció como la gran revelación de la música francesa en 2010 con su primer álbum "Zaz". Entró directo al nº1 en listas de Francia y Bélgica y fue top 10 en Suiza y Alemania (nº1 en iTunes). Sus vídeos en YouTube han recibido más de 23 millones de visitas.

"Recto Verso" es el segundo disco de Zaz, con la canción "On Ira" como primer single. Compuesta por Kerredine Soltani, es una canción alegre, la invitación a un viaje luminoso, a una historia desenfrenada como una pintura de Gauguin. Junto a "On Ira", en el álbum aparecen canciones como la electrizante "Nous Debout", en la que Zaz pone a la humanidad ante un espejo donde se ve con los pies de barro y la cabeza en las nubes. En "T'attends Quoi" se pregunta y nos anima a pensar en la gente que sufre en Afganistán, Irak, Siria y otros países. En "Déterre" su voz ronca, poderosa y corpórea se mueve en terrenos rock, y Jean-Jacques Goldman inspira "Si" para recordar la fuerza de la unidad.

En la rítmica "Toujours" evoca recuerdos de la infancia, los días en los que, como la hierba salvaje, quería echar raíces en el lugar que dijese el viento, errante en la naturaleza. También mira hacia atrás en "Gamine" y con temática diferente aparece "Si Je Perds", que trata sobre el Alzheimer. Zaz se introduce en la mente de un afectado por esta enfermedad antes de que olvide, de que el futuro pierda su color, para abrazar con la mayor intensidad todo antes de que desaparezca.

Zaz estudió en el Ciam Conservatoire de Burdeos, se sumergió en jazz, el rock, el blues y la cultura latina, alcanzó el éxito con la canción "Je Veux" y vendió más de 1,7 millones de copias con su álbum de debut en estudio y en directo.

Isabelle Geffroy nació en 1980 en Tours, creció en Burdeos, se trasladó a París, cantó con el grupo de blues Fifty Fingers, formó parte de un quinteto de jazz, fue una de los cuatro cantantes de Izar-Adatz,(banda de 16 músicos que giró en el sur de Francia y Euskadi). Desde París, esta hija de una profesora de español lanza ahora en solitario su música al mundo, con éxito en Francia, Alemania, Turquía, Rusia, Italia, Grecia, Serbia, Canadá, Japón... Su segundo álbum, "Recto Verso", es esperado con expectación tras el éxito de su debut y promete historias nostálgicas, letras mágicas y remedios musicales para un mundo enfermo de su propia imperfección.

LOS NOCHEROS - "GEN" (ARGENTINA - 2007)

Los Nocheros es una agrupación de música tradicional argentina de estilo balada folklórica, integrada por Mario Teruel, Rubén Ehizaguirre, Kike Teruel y Álvaro Teruel, (quien reemplazó a Jorge Rojas después de su separación del grupo para dedicarse a su carrera como solista).

Tras su consagración en el Festival de Cosquín, se editó su álbum "Con El Alma" en 1994. Obtuvieron, una variedad de premios, como el Francisco Cánaro, el Olimpia, el Pampa y el Gardel. También fueron nominados para los Premios Grammy Latinos en el 2000.

En 1986, en Salta, una provincia del norte de la República Argentina, fue testigo de las primeras notas de Los Nocheros. El ámbito musical de sus comienzos estuvo caracterizado por Los Chalchaleros, Los Fronterizos, Los De Salta, Los Cantores Del Alba, Daniel Toro. Fue entonces cuando supieron forjar esa personalidad y ese sonido auténticamente salteño, que los llevó a recorrer todo el país y más. Sus primeras incursiones artísticas  fueron como dúo, conformado por Mario y Rubén. Al poco tiempo fueron integrando nuevas voces hasta conformar el cuarteto. Las canciones nacen con el estilo que los caracteriza y con un sonido que crece disco a disco.

Para este álbum titulado "Gen", Los Nocheros eligieron un repertorio bien folklórico compuesto por 14 temas del prolífico cancionero popular argentino. Indispensable.

 

BLUE HARLEM - "TALK TO ME" (REINO UNIDO - 2005)

Con la voz principal de la irlandesa nacida en Dublín, Imelda May, quien recientemente pasó al estrellato después de aparecer en el show televisivo de Jools Holland, es considerada por los fans y críticos por igual como uno de las mejores vocalistas actualmente emergentes de la escena musical del Reino Unido. Imelda es descarada, dura, atrevida, sexy con clase, "una gran voz en un marco pequeño y fino".

Este es el álbum debut de la aclamada banda Blue Harlem. Un disco que lleva por título "Talk To Me" y que cuenta con clásicos del rhythm & blues influenciado por artistas como Billie Holiday, Ruth Brown, Dinah Washington o Ray Charles.

En este disco el sonido recrea fundamentalmente el swing y el jazz vocal de los años '40 y '50, sin olvidar el blues y derivados. La banda suena impresionante, nueve músicos arropando a Imelda con un conjunto de metales descomunal. Muy recomendado para los seguidores de Imelda, (que crecen y crecen sin parar), o para los amantes de los géneros anteriormente citados.

ABBEY LINCOLN - "ABBEY SINGS ABBEY" (USA - 2007)

A los casi 77 años de edad, Abbey Lincoln ha seguido componiendo y escribiendo. La realización de "Abbey Sings Abbey" es una impresionante colección de algunas de las obras más memorables de la cantante.
Lincoln es una compositora de cierta profundidad y los once temas originales de este álbum ofrecen un fuerte testimonio de su talento poético. Las letras de cada una de las canciones imparten un mensaje serio, pero su aceptación deja una sensación casi optimista. Todos tenemos que pasar por cosas terribles pero nos consuela diciendo que, al final, no estamos solos.

En este álbum, Lincoln no utiliza los arreglos de jazz  que uno podría esperar de una cantante de su generación. En su lugar, crea estados de ánimo "blues" empleando con cuidado algunos instrumentos de jazz no tradicionales como la steel guitar, la mandolina, el acordeón y el violonchelo.

Lincol recuerda por momentos a su antecesora artística Billie Holiday, pero la sensación del álbum es definitivamente contemporáneo. La banda de Lincoln coincide con la cantante en ingenio y habilidad: Larry Campbell, (guitarra y mandolina), Scott Colley (bajo), Shawn Pelton (batería), Gil Goldstein (acordeón) y Dave Eggar (violonchelo).

CÉSAR "PUPY" PEDROSO - "TRANQUILO QUE YO CONTROLO" (CUBA - 2008)

No es exagerado definir "Tranquilo Que Yo Controlo" como uno de los mejores discos del afamado compositor y pianista cubano César Pedroso, ("Pupy"), y su banda Los Que Son Son. Pedroso es el hombre que ayudó a inventar el sonido de la banda Los Van Van, de la cual se separó en 2001 para formar su propio grupo.

Es destacable el espectro de sonidos de Pupy y Los Que Son Son, la mezcla de charanga/timba, las armonías complejas, la intensidad y el ritmo contagioso. Pedroso tiene su propio sonido, una banda que es identificable a 1000 kilómetros.

Juan Formell dijo en la presentación para la prensa de "Tranquilo Que Yo Controlo", que no era necesario escucharlo para saber que era "de pegada".
El líder de Los Van Van afirmó que "César Pedroso, "Pupy", es un gran compositor, de los que se dan poco", y que figura entre los mejores autores con que contó su agrupación, con temas antológicos para el grupo como "Seis Semanas", "Tranquilo, Mota" o "Azúcar".

El álbum de Pedroso recoge composiciones propias y de Ángel Bonne, Leonardo Teruel y Gustavo Cabañas. Resulta significativo que junto a títulos inéditos, conforman el disco otros que evidencian la conexión de Los Que Son Son con lo mejor de la música cubana. Así emerge "Vecina, Présteme El cubo", de Arsenio Rodríguez, donde colabora especialmente Omara Portuondo.

 

 

Deshacer cambios

 

COMPAY SEGUNDO - "CALLE SALUD" (CUBA - 1999)

Máximo Francisco Repilado Muñoz. (Siboney, 18 de noviembre de 1907 - La Habana, 14 de julio de 2003). Fue músico y compositor cubano de amplia trayectoria mundial.
Llegó a ser un popular compositor e intérprete, muy conocido entre los amantes de la música tradicional cubana. Comenzó tocando la guitarra, el clarinete, el bongó y también la tumbadora. Fue el inventor del "armónico", instrumento de siete cuerdas, un híbrido entre la guitarra española y el tres cubano.

Comenzó su carrera musical muy joven cuando compuso sus primeras canciones y tocaba en grupos de Santiago con su conocido armónico. Pero su fama internacional le llegó en 1997 con su participación en el disco "Buena Vista Social Club", el cual ganó varios premios "Grammy". Compay Segundo apareció también en la película del mismo nombre realizada, posteriormente, por Wim Wenders.

En los últimos años actuó ante millones de espectadores y grabó nueve discos. No pudo cumplir su sueño de llegar a la edad de 116 años, en la cual murió su abuela. Falleció en La Habana debido a una insuficiencia renal con 95 años.

En "Calle Salud" está una de las canciones más importantes y emblemáticas de Compay Segundo: "Chan Chan".

COMPAY SON - "AREPA, GUARAPO Y FLOW" (VENEZUELA - 2010)

El hip-hop, el son, la salsa y la música latina, se fusionan para darle forma a "Arepa, Guarapo Y Flow", la primera producción discográfica de la agrupación Compay Son, formada por dos de los ex integrantes de la disuelta banda "Underflow", quienes vuelven a la escena musical con un nuevo integrante para así conformar este trío que expone un género el cual ellos denominan "salso-hip-hop". "Papita, Maní Y Tostón" es su primer sencillo, el cual será el abrebocas de un grupo que contiene buen sabor tradicional venezolano.

Compay Son nace a raíz de la unión de "Koma", "BobCat" y "Memo". Con su "flow" natural y versatilidad le dan vida a esta banda que, gracias a la mezcla de sus distintas personalidades y a su experiencia en la música, vienen a ofrecer con sus letras y ritmo tropical, la cotidianidad del venezolano enfocada siempre de una manera positiva y reflexiva.

Después de la desintegración de la agrupación "Underflow", surge un proyecto mucho más ambicioso y profesional, por lo cual, "Koma" y "BobCat", deciden unirse nuevamente pero ahora junto a un nuevo integrante, ("Memo"), para conformar Compay Son, un proyecto de música latina urbana, que viene dispuesto a apoderarse de la escena local venezolana, para así brindarle a su público música de calidad, mucha energía y, por supuesto, puro "flow", perfilándose como antesala de lo que promete ser una de las producciones más contundentes del año en el panorama musical venezolano.

LUKE WINSLOW-KING - "THE COMING TIDE" (USA - 2013)

Escuchar "The Coming Tide" de Luke Winslow-King, es como darse un garbeo por el hogar adoptivo del artista, New Orleans. Es el sonido de la comunidad, dualidad emocional, espiritualidad y conservación histórico-musical vivida en la calle y no preservada en un bote de formol. Es el sonido de la madera rechinando en los porches en las húmedas tardes de verano, de las mugrientas calles de los barrios de Nueva Orleans más allá del French Quarter, de las celebraciones en cientos de iglesias y lugares de reunión, y de la actitud de "todo es posible" de los tugurios de jazz y de los clubs de folk de la ciudad.

"The Coming Tide" une en un disco la educación musical académica de Winslow-King con la adaptabilidad y espontaneidad de la música callejera, las voces invitadas de Esther Rose y un plantel de músicos de la ciudad de clase "cinco estrellas". El resultado es una vibrante amalgama de jazz de principios del siglo veinte, blues, folk americano y gospel sureño.

"The Coming Tide" declara que a pesar de que las cosas de la vida pueden ser funestas, siempre hay razón para encontrar un lado positivo. Cuando Winslow-King y Esther Rose cantan en armonía, como en la canción que da nombre al disco, es fácil sentirse transportados en tiempo y lugar. Sin narrar cada escena de una manera obvia, "The Coming Tide" ofrece al oyente de manera fluida y natural visiones casi cinematográficas de distintas atmósferas, estados de ánimo y de la gente que los rodea.

Esther Rose martillea la tabla de lavar en "Movin' On (Toward Better Days)" mientras una animada conversación entre el trombón y la trompeta da vida a un ruidoso cabaret. "Staying In Town" es una historia de amor entre dos antiguos balas perdidas a ritmo de vals, mientras que "You & Me" es una resquebrajada fotografía en blanco y negro de noches de baile mejilla con mejilla Más tarde Winslow-King sube la temperatura, (como si se fuese a Texas), con la versión de Blind Willie Johnson "Keep Your Lamp Trimmed and Burning" y se regocija con su maestría a la guitarra slide y el bottleneck. El tema que cierra el álbum es una agradablemente inesperada y estilísticamente oscura aproximación al "I’ve Got My Mind Set On You", de Rudy Clark que nos deja queriendo más.

MARCIA BALL - "THE TATTOOED LADY AND THE ALLIGATOR MAN" (USA - 2014)

Marcia Ball es una de las intérpretes de blues más conocidas y queridas de los Estados Unidos, con una carrera de más de cuatro décadas, 15 álbums publicados con gran éxito de crítica, miles de actuaciones en directo y un público fiel conseguido gracias a su enorme profesionalidad y talento.

Su anterior álbum, "Roadside Attractions", consiguió una nominación a los premios "Gammy". Su nuevo álbum para este 2014 es "The Tattooed Lady And The Alligator Man", donde una vez más sube el listón, demostrando su enorme calidad en doce nuevos e intensos temas escritos por la propia cantante, más una versión de Hank Ballard y que incluye, aparte de su fiel banda de músicos, (Don Bennett, Damien Llanes, Michael Schermer y Thad Scott), a colaboradores de lujo como el harmonicista Delbert McClinton y el acordeón y las voces de Terrence Simien.

En "The Tattooed Lady And The Alligator Man" , Marcia Ball entrega un conjunto de canciones tan bien escritas y tan bien realizadas, que va a asombrar y deleitar a sus fans de siempre y a los recién llegados, dando sobradamente razones para unirse a la fiesta.

"The Tattooed Lady And The Alligator Man" es un álbum alegre, movido, a veces reflexivo, bailable y divertido.

 

JOHN COWAN - "SIXTY" (USA - 2014)

John Cowan es un cantante tan distintivo que ha ayudado a definir la música de raíz norteamericana. Conocido por muchos como "la voz del newgrass", su sonido sólo ha hecho mejorar con el tiempo. En su nuevo álbum "Sixty", Cowan ofrece una carrera retrospectiva y es su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Producido por Doobie Brother y John McFee, junto a la voz emblemática de Cowan aparecen una increíble variedad de invitados especiales como Leon Russell, Alison Krauss, Rodney Crowell, Bernie Leadon, Sam Bush, Chris Hillman, Huey Lewis, Bonnie Bramlett, Ray Benson y muchos más.

Temas que van desde las sentidas "Miss The Mississippi" o "Why Are You Crying?", a la mecedora "Run For Your Life", que podría convertirse fácilmente en un rock-blues clásico. El álbum abre con el tema "Things I Haven’t Done" que alude a las raíces "newgrass" de Cowan. Grabada en una sola toma con el legendario Leon Russell , es una maravilla absoluta.

En su conjunto, el álbum ilustra la amplitud de talentos vocales de Cowan al tiempo que muestra  notables registros a través de una variedad de géneros, demostrando que en 45 años de carrera, Cowan sigue siendo uno de los cantantes más emblemáticos de la música folk americana.

EILEN JEWELL - "SEA OF TEARS" (USA - 2009)

Sosiego y naturalidad con Eilen Jewell y en este "Sea Of Tears". La compositora de Boston hechiza con sus canciones y ya se ha hecho con un público fiel en la escena norteamericana, gracias a su cuidado folk remojado de blues, country y jazz.

Hasta hace algunos años era una promesa pero ahora podemos hablar de una realidad. Eilen Jewell ya se codea con las mejores voces femeninas del pop-rock contemporáneo.
Tras el precioso "Letters from Sinners & Strangers", Jewell trae "Sea of Tears" que vuelve a dibujar el perfil de una autora con identidad y talento suficientes para causar adorables temblores en el oyente. Su música resulta íntima y natural en los 12 cortes de un álbum que cuenta con certeros arrebatos como el tema que da título al álbum o pequeñas maravillas como "Rain Roll In" o "Nowhere In No Time". Incluso suena bien el rockabilly versionado "Shakin’ All Over", que fuera de los lejanos Johnny Kidd & The Pirates.

"Sea of Tears" pasa tranquilo y agradable, ideal para el sosiego tras una dura jornada de trabajo, y pone de manifiesto que la mejor música puede ser simplemente bella, sin giros extraños y elementos mayúsculos.

EILEN JEWELL - "QUEEN OF THE MINOR KEY" (USA - 2011)

No queda más remedio que incluir a Eilen Jewell en la nómina de escasísimos cantantes cuyo nombre en la carátula garantiza que nos encontraremos ante un magnífico disco. No defrauda, ni mucho menos, la cantante de Idaho con "Queen Of The Minor Key", un disco con sabor a madera, a folk, a música campestre que, como hemos visto en sus anteriores trabajos, poco a poco va dejándose caer cada vez más por el lado del rockabilly e, incluso, el surf instrumental, (la canción que abre el álbum, "Radio City", podría haber sido escogida por Tarantino para abrir cualquiera de sus películas). Nos encontramos ante un magnífico viaje por el Oeste americano de los años '50, con la elegancia innata que caracteriza a Jewell, dominando los medios tiempos y los rápidos.

Como un viejo cassette atascado en el reproductor del coche en el que huimos, como la música que Ida Lupino hace sonar en la gramola del bar de carretera mientras cuenta la caja después de cerrar... Así es "Queen Of The Minor Key" de Eilen Jewell, una compositora con un corazón pulido en oro y con suficientes historias que contar como para mantener al público más gamberro completamente hechizado con sus palabras.  Más que un álbum, una joyita.

IMELDA MAY - "TRIBAL" (IRLANDA - 2014)

El cuarto trabajo de estudio de Imelda May en el que, tras su maternidad, muestra más energía que nunca con una atractiva muestra de un rock’n’roll clásico pero fresco. Más de una década ha pasado desde su debut y su trayectoria no deja dudas del arraigo de su estilo y la soltura con la que se trasmite. En "Tribal" se unen el rockabilly y el blues, las baladas y los solos de guitarra de sabor añejo. El arranque del álbum nos lleva al rock de raíz sin más adornos que los que proporciona la voz de May. "Tribal" y "Wild Woman", enérgicos y contundentes, abren paso a una colección atemporal de temas que irrumpen como una apisonadora en el espacio y encumbran a Imelda May como la reina indiscutible del rockabilly en nuestra época.

"It’s Good To Be Alive", el primer single elegido para presentar "Tribal", además de su pegadiza melodía, aporta un delicioso solo de guitarra que no desentonaría entre los viejos seguidores de la escuela de Chuck Berry. La excitante "Hellfire Club", que hace referencia a un singular edificio a las afueras de Dublín, (una antigua casa de caza del siglo XVIII que se dice está encantada), es uno de los temas estrella de "Tribal" que habría hecho las delicias del propio John Ray Cash. Otras muestras del rock’n’roll clásico las encontramos en "I Wanna Dance", la melódica "Round The Bend" o la directa "Zombie Girl". Entre las rarezas encontramos "Wicked Way", oscura y magnética, digna de un burdel al estilo de "Abierto Hasta El Amanecer", o "Amber Eyes", un delicioso chachachá con aroma a años '50.

Como la inolvidable "Falling In Love With You Again", incluida en "Love Tatoo", las baladas siempre han estado presentes en el repertorio de Imelda May. Esta vez, "Gypsy In Me" y "Little Pixie" copan esta categoría, siendo esta última una de las golosinas imprescindibles de este disco. Para finalizar, "Dreaming" de Blondie, a modo de bonus track y tocada únicamente con un ukelele, cierra el álbum con la clase y la cercanía que Imelda May trasmite a través de su música y sus interpretaciones.