LUKE WINSLOW-KING - "BLUE MESA" (USA - 2018)

Algunos vagabundos nacen para correr. Luke Winslow-King nació para vagar.
Eso es lo que nos dice en la canción que da título a "Blue Mesa" (2018), su sexto álbum y cuarto desde 2013 con el sello Bloodshot. Los lugares donde grabó el álbum pasaron desde Lari y Lansing a Michigan, Nueva York y Nueva Orleans. Son indicadoresde su pasión por los viajes.

Winslow-King aún no se ha sacudido de los vestigios de la ruptura que dominó las canciones de "I’m Glad Trouble Don’t Last Always" (2016). Canciones como "Thought I Heard You", "Blue Mesa" o "Better For Knowing You"  muestran que un álbum no fue suficiente para cerrar el capítulo sobre este inquietante evento.

El rock-blues basado en una guitarra que sustenta la mayoría de las canciones en este disco de 40 minutos, junto con su voz emocional, son el vehículo apropiado para expresar su descontento romántico. Cambia del vals "Break Down The Walls" a la dramática "You Got Mine" con facilidad y a las eléctricas "Thought I Heard You" y "Leghorn Women, con la autoridad de un tipo que ha estado mezclando blues con folk, rock y música basada en Nueva Orleans durante la mayor parte de su carrera discográfica. En la animada y juguetona "Chicken Dinner", mantiene el humor ligero.

Las melodías memorables de Luke y sus músicos de acompañamiento, mantienen el ritmo enérgico, eléctric e inmediato. Mira hacia adelante con la esperanza de días más brillantes en el ritmo sonriente y retumbante de "After The Rain", donde dice "Después de la lluvia todo estará claro ... todo estará bien después de la lluvia".

En "Blue Mesa", Luke Winslow-King reflexiona sobre sus fortalezas, debilidades y la necesidad de seguir avanzando con la integridad lírica y musical de un hombre con el corazón roto que entiende el camino que quedó atrás.

SAM LEWIS - "LOVERSITY" (USA - 2018)

Sam Lewis aparece en escena con "Loversity" (2018), su tercer álbum después de "Waiting On You" (2015). Él mismo se encargó de la producción del álbum y lo está lanzando con su propio sello, Loversity Records. Lewis grabó la mayor parte del álbum. Un trabajo que fue escrito en un tiempo de año y medio en Southern Ground Studios, en Nashville, con el ingeniero Brandon Bell.

El artista de Nashville ha recorrido el país varias veces con músicos de renombre, como Los Lobos o Chris Stapleton. Es posible que reconozca sus cálidas y dulces dotes vocales gracias a sus colaboraciones con Kacey Musgraves y John Prine o los Wood Brothers.

Congregando múltiples influencias basadas en melodías sinceras, Lewis tiene una perspectiva tan prometedora en el mundo de la cultura americana que incluso Stapleton ha declarado que lo avala como un "Townes Van Zandt moderno".

Que escriba con la misma finura métrica que el legendario compositor está en debate, pero lo que es seguro es que Lewis es una ayuda muy necesaria para alimentar el alma en estos tiempos divisivos. Sus canciones avanzan con la certeza de que los oyentes serán llevados del punto A al B sin demasiada intervención intermedia, pero lo que tiene que decir es tan necesario como inevitable.

WILLIE NELSON - LAST MAN STANDING (USA - 2018)

La leyenda de la música country americana Willie Nelson, mantiene una intensa e interesante actividad discográfica desde hace años con una veintena de álbumes en lo que llevamos de siglo. Raro es el curso en el que no hay disco nuevo de Nelson y más raro es que en esas entregas no haya un altísimo nivel musical.

En "Last Man Standing" (2018), Nelson ha vuelto a cumplir, y con creces. Un álbum que es un guiño al paso del tiempo y que se refleja en canciones que captan esos momentos en los que uno se va quedando solo cuando amigos y enemigos van muriendo.

La nueva entrega de Nelson llega tras el también espléndido "God's Problem Child" (2017) y con los mismos compañeros de batalla, el productor Buddy Cannon, coautor de los once temas del álbum, y coros de Alison Krauss. En este nuevo viaje, Nelson baila con maestría entre el country sucio y agitado y las baladas elegantes marca de la casa.

"Last Man Standing" no es un disco que vaya a sorprender a quienes sigan o hayan seguido la carrera de Nelson. No es un golpe encima de la mesa o una pequeña revolución. No lo es porque Willie no lo necesita. Aunque ha grabado discos de versiones y de duetos en los últimos años, Nelson no ha dejado de entregar álbumes de enorme nivel. En el último lustro ha publicado discos de calado como "Heroes" (2012) o "Band Of Brothers" (2014). Este "Last Man Standing" se mantiene en esa línea y confirma que el octogenario sigue siendo un referente esencial en la música americana, el último tipo en pie, como reza el título del disco, el último superviviente de una estirpe que se ha ido muriendo.

Lo cierto es que Willie Nelson podría haberse retirado hace años, pero el texano sigue teniendo canciones que cantar e historias que contar. A sus 84 años, Nelson está en un maravilloso momento de forma. Cincuenta y seis años después de su debut discográfico, Nelson sigue en acción, cantando a la vida ("Something You Get Through"), a la muerte ("Heaven Is Closed"), al amor ("She Made My Day") o a los borrachos con mal aliento ("Bad Breath").

JOSHUA HEDLEY - MR. JUKEBOX (USA - 2018)

"Si no está roto, no lo arregles", es un cliché muy usado que hemos escuchado muchas veces. Pero también podría ser el lema del violinista y crooner de country / honky-tonk Joshua Hedley.

Su álbum debut "Mr. Jukebox" (2018), se regocija con el sonido clásico del país y en los sonidos de los 60 con integridad, respeto y una determinación sin complejos para hacerlo bien. Es un álbum de música country que ya no se reproduce en la radio. Hedley marcha hacia el corazón palpitante de Ray Price, Glen Campbell, George Jones y Eddy Arnold se mezclaron con Dwight Yoakam e incluso el lado rural de Roy Orbison, todo sin parodia, sin pretensiones o con maledicencia. Con una voz tan clara como un arroyo de montaña y canciones originales que podrían haber sido escritos ayer o hace 50 años. Sin duda, este álbum iluminará cualquier habitación. Su sonido es tan auténtico que posee un encanto desmedido.

Con canciones como "These Walls", "Don’t Waste Your Tears" o "Mr. Jukebox" se centra en las emociones eternas del amor perdido, el amor no correspondido e incluso el regocijo en el resplandor del amor encontrado.

Hedley es un violinista talentoso, pero elude brillar demasiado en estas melodías cortas y dulces prefiriendo usar el instrumento junto con otros músicos y siempre al servicio de la canción.

Una hermosa versión del clásico de Disney "When You Wish Upon A Star", es un emocionante tributo a su padre y cierra este impresionante debut que en sólo diez pistas deja con ganas de más.

MARCIA BALL - "SHINE BRIGHT" (USA - 2018)

Marcia Ball es una de las artistas de blues más conocidas y queridas de los Estados Unidos. Desde su primeros pasos en el grupo de rock psicodélico Gum In Baton Rouge en 1968 hasta este "Shine Bright" (2018), grabado en Austin, han pasado la friolera de cincuenta años en los que la de Orange, (Texas), ha desarrollado una carrera estelar y ha recibido multitud de reconocimientos y premios.

Este "Shine Bright" (2018), producido por Steve Berlin de Los Lobos, es según sus propias palabras el mejor álbum que ella podía hacer y, sin duda, es uno de los mejores que nunca ha grabado la cantante y pianista norteamericana. 

Para hacerlo, ha reunido el conjunto de canciones musicalmente más sustancial, esperanzador y edificante de su carrera de cinco décadas.

Incluye doce temas, (nueve de ellos originales de Ball), y brillantes versiones de gente como Ray Charles, Ernie K-Doe y Jesse Winchester.

MANIC STREET PREACHERS - "RESISTANCE IS FUTILE" (GALES - 2018)

Los galeses Manic Street Preachers regresan con un nuevo trabajo que lleva por título "Resistance Is Futile" (2018).

Manic Street Preachers han grabado este nuevo álbum en su propio estudio de Newport, que han estrenado para registrar el disco. 

Según ha comentado la propia banda, los temas principales de "Resistance Is Futile" son la memoria y la pérdida, la historia olvidada, la realidad confusa y el arte como "lugar de escape e inspiración". 

En cuanto al sonido, el grupo comenta que se trata de un álbum "obsesivamente melódico" y muy relacionado con "la cándida energía" de su debut "Generation Terrorists" (1992) y el toque orquestal de "Everything Must Go" (1996). 

La realización del disco ha atravesado algunas dificultades y retrasos, pero finalmente fue tomando forma de manera muy rápida en los últimos meses.

BIG SHOES - STEP ON IT! (USA - 2017)

Estos siete músicos veteranos de Nashville suenan naturales y de manera sencilla. 

Big Shoes presenta músicos que han actuado con Bonnie Raitt, Van Morrison, Taj Mahal, Etta James, Bobby "Blue" Bland, Delbert McClinton, Levon Helm y docenas más. Toda esa experiencia de música de raíz, blues, R&B y soul aparece en el segundo álbum de Big Shoes, "Step On It!" (2017).

La maestría musical bien engrasada de los miembros de Big Shoes, no es sorprendente. 

Desde la primera hasta la última canción, los músicos muestran su conjunto instintivo. "Do not Do Me That That", "Blues Duplex", "There You Go" y cualquier otra pista que no sea una canción lenta engancha fácilmente

Mientras que las reseñas de los miembros de Big Shoes dicen mucho acerca de dónde vienen, la banda en total se convierte en un sucesor natural de grupos tan racionales como Allman Brothers Band o Little Feat & The Band. Big Shoes también encajaría cómodamente en el movimiento sonoro de Nueva Orleans.

El álbum contiene once canciones originales en el que se incluye la balada country-soul "The Last One To Leave", en el que se puede apreciar un solo de órgano magnífico y un alarde de autenticidad en otra canción lenta como "Too Early For The Blues".

Cada canción es original, compuestas y arregladas por los miembros de la banda. 

Big Shoes ofrece el paquete completo: canciones alegres, hechas con destreza y realizadas por expertos músicos de raíz.

SUE FOLEY - "THE ICE QUEEN" (USA - 2018)

Oriunda de Canadá y texana honoraria, el reciente lanzamiento de Sue Foley "The Ice Queen" (2018), es su primer álbum con su nuevo sello, Stony Plain Records, y el undécimo de su impresionante carrera. La cantante-guitarrista, ganadora del Premio Juno, es una fuerza del blues con la que se puede contar durante décadas y esta nuevo álbum, producido por Mike Flanigin (que también toca el órgano en el disco), sólo puede aumentar su feroz legado. "The Ice Queen" también presenta un trío especial de legendarios guitarristas de Texas como Jimmie Vaughan, Billy Gibbons y Charlie Sexton.

Cobrando su merecido respeto, Foley recurre a otros músicos para complementar el trabajo de ritmo sólido y capaz. Los bajistas Johnny Bradley y Chris Maresh, o los bateristas Chris Layton, JJ Johnson y George Rains también tienen su espacio aquí. Estos músicos le dan a "The Ice Queen" toda la pista que necesita para despegar.

El tono del álbum se establece con la canción de apertura. "Come To Me", es un blues lento y contundente que viene acompañado de las voces de Charlie Sexton. El propio Charlie Sexton se queda en la siguiente canción "81", también una oda al mal camino y la forma en que a veces nos lleva a nuestra propia ruina. El intercambio de guitarras es sincero y premonitorio.

"Run" es una canción imprudente y retumbante, la canción comienza en 4ª marcha y se queda allí. Síguela si puedes. Las cosas se vuelven cada vez más lentas a partir de la canción principal "The Ice Queen. Las verdades que Foley canta aquí sólo pueden ganarse con el tiempo y la angustia. Creerás cada palabra y cada nota.

"The Lucky Ones", sorprende cuando se escucha la voz y la guitarra de Jimmie Vaughan mientras que el órgano B3 de Flanigin llena el ritmo de la canción. "Gaslight" se mantiene el ambiente con la deliciosa trompeta de Ephraim Owens y el sobresaliente saxo tenor de Elias Haslager.

Billy F. Gibbons se une a la fiesta agregando la voz y la armónica a "Fool's Gold", creando una alquimia extraña y maravillosa. Una melodía que no estaría fuera de lugar en una cinta vintage pero que logra sonar fresca y nueva. Después de que el álbum te haya recordado con firmeza la destreza de la guitarra de Foley, "If I Have Forsaken You" llega para mostrar su voz áspera en medio del sonido de los gruesos tonos B3.

Uno de los beneficios de tener un poco de edad y experiencia es una cierta dosis de valentía, y se puede escuchar en su interpretación de "Send Me To The 'Lectric Chair" de Bessie Smith, tanto vocalmente como en su intercambio de guitarras con Derek O'Brien. El estilo desafiante de esa canción es reemplazado por los melancólicas armonías de "Death Of A Dream", donde Foley te deja colgado de cada larga y lenta sílaba y de su acorde jazzístico.

Las dos canciones que cierran el álbum son un manual de técnica y sentimiento. Simplemente con su guitarra acústica y voz, Foley demuestra la palabra que define a "The Ice Queen": autenticidad.

BRANDI CARLILE – BY THE WAY, I FORGIVE YOU ( USA - 2018)

Brandi Carlile es una compositora autodidacta y cantante norteamericana que ha sido encasillada en diferentes estilos que, por cierto, están bien recogidos en este álbum. Pinceladas de country, folk rock, indie-rock… un poquito de sal, aceite y vinagre para hacer una gran ensalada.

Nacida en el estado de Washington en 1981, es una virtuosa de la guitarra y el piano y, aunque aquí pueda no sonarnos su nombre, en Estados Unidos tuvo una década de los 2000 bastante intensa. Y sigue en la cresta de la ola.

Brandi Carlile firma con Columbia en 2004 y publica su primer trabajo en 2005.

Con su segundo trabajo logra acceder a una plataforma musical relevante por aquel entonces: Anatomía De Grey. Tras lanzar "The Story" (2007) logra colar hasta tres temas (de su primer álbum, homónimo, publicado en 2005), "Tragedy", Throw It All Away" y "What Can I Say".

Carlile ha girado con artistas como Chris Isaak, The Fray, Maroon 5 o One Republic y desde los primeros momentos ha tenido a la crítica de su parte.

Ha colado temas entre los 10 primeros del Billboard y ha estado nominada a los Grammys… Carlile no es una principiante.

Lo cierto es que trabajos limpios como éste entran a la primera por los oídos, con una producción intachable y un trabajo de fondo que se ve a la legua. Folk-rock para todos los públicos.

Se trata del sexto trabajo de estudio de la americana. Junto a estos, hay que destacar su directo en Benaroya Hall de 2011 o el álbum de versiones sobre sus temas que se publicó a beneficio de War Child en 2017, con colaboraciones como las de Adele y Pearl Jam.

Música de altura, capturada con sencillas melodías y unos trazos cuasi intangibles que hacen de este disco un gran descubrimiento para el tramo medio del invierno. Pero será un disco para todo el año.

JANIVA MAGNESS - "LOVE IS AN ARMY" (USA - 2018)

Janiva Magness lanzó su primer álbum en 1997, pero le llevó casi dos décadas hasta que obtuvo una nominación al Grammy como "Mejor Álbum de Blues Contemporáneo" en 2016. El reconocimiento fue para "Love Wins Again" (2016), su primer disco para Blue Élan y su quinta colaboración con el productor Dave Darling, con quien tiene una química fácil y natural.

"Love Is An Army" (2018), la continuación de "Love Wins Again", ilustra que, por muy fácil que sea su relación con Darling, no es una vagancia. Al igual que su predecesora, "Love Is An Army" está enraizada en soul-blues del sur, la apertura "Back To Blue" es un fiel regreso al clásico sonido de Stax Records, pero Magness agrega nuevas dimensiones a esta idea.

Hay una notable corriente oculta de la country-music que corre a través del álbum, primero emergiendo en "On And On", un tema con Rusty Young donde destaca el pedal steel, pera reaparecer luego en la canción principal, la frágil "Down Below". 

Cuando se combina el blues con otros géneros, quedan canciones como "Home", un tema que transporta al blues añejo, o "Hammer" que es densamente funky pero encuentra un lugar para Charlie Musselwhite. 

Janiva Magness convierte a "Love Is An Army" en una rica y gratificante aventura que supera a su fino predecesor.

SHAWN COLVIN - "UNCOVERED" (USA - 2015)

Shawn Colvin tiene un pasado histórico. Su carrera comenzó con su traslado inicial a Austin, donde comenzó su carrera como parte de una banda de swing. Luego realizó una incursión en la música folk, se mudó a Nueva York y tocó con Buddy Miller, con quien más tarde desarrollaría una relación musical en curso. Su primera gran oportunidad llegó cuando fue contratada para hacer coros en la canción "Luka" de Suzanne Vega, que la llevó a grabar su álbum debut "Steady On" (1989), un disco que le trajo un Grammy al mejor álbum folk contemporáneo. Su segundo trabajo, "Fat City" (1992), también recibió una nominación al Grammy, mientras que la canción destacada de ese álbum, "I Do Not Know Why", obtuvo una nominación al Grammy a la categoría Mejor Vocal Pop Femenina.

El regreso de Colvin a Austin a mediados de los 90 marcó otro movimiento clave en su trayectoria, generando varias grabaciones significativas, incluyendo un álbum superventas, "A Few Small Reparations" (1996), que también trajo sus Grammys en la categoría de Canción y Grabación Del Año. Sin embargo, a pesar de sus logros, Colvin siempre tuvo tendencia a interpretar las canciones de otros cantantes. "Cover Girl", lanzada en 1994, fue su primer paso significativo en esa dirección.

"Uncovered" (2015) podría considerarse como una mezcla de géneros. Una vez más, Colvin reinterpreta canciones ajenas pero ahora es más aventurera que antes debido, no sólo a la diversidad de sus fuentes, (Bruce Springsteen, Paul Simon, Tom Waits, Stevie Wonder, etc...), sino también a un enfoque musical más simple que la hace compartir protagonismo con la guitarra acústica del productor Steuart Smith.

David Crosby y Marc Cohn hacen colaboraciones, pero es la voz de Colvin la que brinda una calidad melancólica a canciones como "Baker Street", "Tougher Than The Rest" de Springsteen, "I Used To Be A King" de Graham Nash, "Lodi" de Creedence Clearwater Revival's o "Acadian Driftwood" de Robbie Robertson.

Colvin y Smith llevan estas canciones a su esencia. Hay una pureza que podría haber sido insinuada en las canciones originales, pero que aquí se resuelven con una brillante determinación.

MON LAFERTE - "LA TRENZA" (CHILE - 2017)

Después de comenzar como una artista de pop latino bastante anodino, Mon Laferte encontró el éxito de la crítica y comercial cuando decidió incorporar a su composición la música tradicional mexicana. Para "La Trenza" (2017), desvía la atención de su patria adoptiva a los sonidos que escuchó mientras crecía en Chile. La canción que abre el álbum "Pa' Dónde Se Fue" funciona como una declaración de intenciones a modo de charango, y el ritmo de la quena se complementa pronto con guitarras eléctricas y una sección de metales que termina dando la bienvenida a un mariachi . Una actuación vocal poderosa, característica de Laferte, y letras reflexivas sobre un padre ausente completan uno de los muchos puntos álgidos del disco.

Sin embargo, enseguida se hace evidente que Laferte está más interesada en ofrecer algo para todos que en ir en una dirección completamente nueva, ya que el álbum combina inteligentemente los ritmos peruanos o la cumbia con el bolero, el ská, la ranchera, el pop y las baladas. Los tres dúos estelares incluidos son todos temas clave que ilustran perfectamente el gran diseño de Laferte: "Cielito De Abril", un tema acústico con su compatriota Manuel García, "Mi Buen Amor", una arrolladora ranchera con Enrique Bunbury y "Amárrame", una cumbia rizada con Juanes para catapultarla al estrellato internacional. 

Se debe mencionar que la gran producción y los arreglos musicales enmascaran las deficiencias líricas ocasionales. Además de los temas que abren y cierran el disco, cada canción aborda el amor en sus diversos estados, (emoción, satisfacción, resignación, anhelo), y éstos varían de conmovedores y cautivadores a manoseados y trillados.

También ayuda que Laferte sea un cantante melodramática poderosa, capaz de emocionar sin sonar estridente. Además, es notable como un álbum con una inversión tan vigorosa no hace concesiones a los ritmos urbanos de moda y, sin embargo, suena completamente acorde con los sonidos contemporáneos, incluso cuando se hace presencia de los géneros tradicionales.

Laferte y "La Trenza" ha conseguido consagrarse como uno de los álbumes favoritos de América Latina.

THE MAVERICKS - "BRAND NEW DAY" (USA - 2017)

Más de dos décadas de carrera en la que siempre ha evitado el camino predecible, The Mavericks, cuya combinación de tex-mex, rock retro y armonías de influencia cubana los convirtieron en estrellas a mediados de los años noventa, regresan con el nuevo álbum "Brand New Day" (2017).

"Nos van a encantar todos nuestros problemas", canta Raúl Malo en la canción que da título al álbum, cuya sonoridad recuerda a los arreglos de la década de 1960. Acompañan a Raúl Malo tres viejos Mavericks: el baterista Paul Deakin, el guitarrista Eddie Pérez y el teclista Jerry Dale McFadden, además del coproductor Niko Bolas, que ayudó a interpretar canciones como "Rockin' In The Free World" de Neil Young y "The Boys" de Don Henley. 

"Brand New Day" no es sólo una canción de amor. También es un álbum que contiene un mensaje político y que expresa cómo nos sentimos", explica, "como banda, como familia, como nación, como mundo. Ahora más que nunca, vamos a necesitar ser más compasivos y más comprensivos que nunca", concluye Raúl Malo.

Con una colección de 10 pistas, el álbum permitió a The Mavericks la libertad de trabajar sin las restricciones de una gran discográfica y grabaron con sello propio por primera vez.

The Mavericks también han conocido su lado oscuro. A fines de 2014, el co-fundador Robert Reynolds fue despedido del grupo por adicción a las drogas, poniendo fin a su carrera de 17 años. 

Sin embargo, con "Brand New Day", miran hacia adelante a horizontes más brillantes.