DONA ONETE - "FEITIÇO CABOCLO" (BRASIL - 2012)

Dona Onete, cantante, compositora y poetisa brasileña, es conocida como la "diva del carimbó chamegado", un ritmo de su propia creación que combina la música tradicional de Pará, en el norte de Brasil, con un poco de "picante".

Nombre artístico de Ionete da Silveira Gama, durante toda su vida laboral ha ejercido como profesora de Historia y de Cultura y Estudios Amazónicos, Secretaria de Cultura, (de la localidad de Igarapé-Miri) y ha sido fundadora de grupos de danza folclórica y agrupaciones carnavalescas. En la actualidad, Dona concilia los oficios de cantar y enseñar componiendo y cantando en los escenarios, historias, cuentos y leyendas que, durante más de veinticinco años, enseñó en las aulas. Y es que, precisamente, ha tenido que esperar a jubilarse para ser descubierta, casualmente, como expresiva cantante y compositora.

Por su trabajo, conoció diversos pueblos del interior de Pará, lo que le permitió conocer múltiples historias y anécdotas de las tradiciones negras e indígenas, muchas de las cuales están reflejadas en sus más de trescientas composiciones, acompañadas por los ritmos característicos de la tradición musical del norte de Brasil.

Suerte de Cesária Évora y Omara Portuondo, con 73 años ha grabado su primer disco, "Feitiço Caboclo" (2012), que funciona como un caleidoscopio que trae carimbó, forró, choro, samba, bolero, cumbia y lambada, además de ser considerado un álbum que no teme probar con sonidos ajenos a la región que lo vio nacer.

DON HENLEY - "CASS COUNTY" (USA - 2015)

Don Henley, cantante y batería de la mítica banda The Eagles, lanza su quinto álbum en solitario titulado "Cass County".

En palabras de Henley, es un disco en el que vamos a encontrar country a la vieja usanza. El álbum ha sido gestado entre Dallas, el sur de California y Nashville, donde se ha grabado la mayor parte. Además, cuenta con numerosas colaboraciones de lujo como Mick Jagger, Dolly Parton, Miranda Lambert, Merle Haggard o Martina McBride.

Don Henley ha estado trabajando en esta aventura los tres últimos años con el que fuera batería de The Heartbreakers y, según Henley, el álbum es un fiel reflejo de sus raíces tejanas.

ROZALÉN - "QUIÉN ME HA VISTO..." (ESPAÑA - 2015)

"Quién Me Ha Visto…" es el segundo álbum de Rozalén. Una colección de 12 canciones de las que 9 fueron escritas por ella. Incluye, además, una composición de Paco Cifuentes y Alejandro Martínez y una versión de "La Belleza" de Luis Eduardo Aute. 

Como bonus track el tema "Ni Tú Ni Yo", grabado en Argentina en colaboración con el grupo Fetén-Fetén y compuesta por Diego Galaz, Sebastian Schon y Jorge Arribas.

Entre las canciones escritas por la propia Rozalén están "Vuelves", que se lanza como primer single, y "Berlín", en circulación desde marzo de 2015 como primer adelanto y tema central de la película "Perdiendo El Norte", de Nacho G. Velilla.

Se anuncian como principales diferencias respecto a su álbum debut, "Con Derecho A...", una mayor variedad estilística y unas letras que añaden un punto más de crítica e ironía.

Un álbum producido al igual que "Con Derecho A…" (2013) por Ismael Guijarro.

DAYNA KURTZ - "RISE AND FALL" (USA - 2015)

La cantante y compositora estadounidense Dayna Kurtz le pone voz y música a los acontecimientos "más dramáticos" de su vida en "Rise And Fall", su séptimo álbum de estudio y el primero con canciones originales desde hace cuatro años.

"Hay épocas negras en la vida y esta fue uno de esos momentos", explica Dayna Kurtz , en relación a los últimos años vividos con la muerte de su padre y la ruptura de su matrimonio como los sucesos más determinantes. La cantante ha vivido unos años convulsos a los que añade una mudanza a la ciudad de Nueva Orleans desde Brooklin y un nuevo amor, hechos que quedan recogidos en "Rise And Fall", una guía por todos los cambios de su vida.

"Rise And Fall" incluye melodías muy precisas y elaboradas que denotan la profundidad de su espíritu, como el country soul "You Are Not What I Need (But You're All That I Want") o "The Hole", escrita después de velar las cenizas de su padre. "Cuando compones no tienes demasiado control realmente sobre lo que estás haciendo", confiesa Kurtz. Pero también incluye canciones de amor como "You Hold Me" y "Yes, You Win", escritas a raíz de los nuevos acontecimientos de su vida y la aparición de un nuevo amor.

Como no podía ser de otra manera en una cantante que acostumbra a versionar canciones de otros, el álbum incluye una versión de un tema de Bobby Charles y David Allan Coa, "You'll Always Live Inside Of Me", a la que Kurtz le da un toque muy personal. El título del disco se lo debe al estribillo de la canción "If I Go First". "Me gusta la frase porque lo implica todo", explica la cantante. "Puede implicar la caída del Imperio Romano, pero también la vida o el simple acto de respirar", cuenta con una profundidad fácilmente apreciable en sus canciones.

Con un estilo muy personal bajo el que combina jazz, blues y folk con otros estilos tradicionales americanos, la cantante prefiere no etiquetar su música con ningún nombre, y reconoce que si ha tardado tanto en publicar su nuevo disco es porque le cuesta "mucho tiempo" escribir canciones.

GINA SICILIA - "IT WASN'T REAL" (USA - 2013)

Gina Sicilia grabó "It Wasn't Real" en su ciudad natal de Philadelphia. El álbum no sólo muestra el talento vocal de Gina sino que también marca su crecimiento como compositora.

Gina Sicilia tiene una voz de blues añejo y hace honor a ella en todas sus canciones. Gina está llena de emoción y por suerte ha descubierto una manera de demostrárselo al mundo a través de su voz. El álbum tiene composiciones brillantes como la canción principal y emocionalmente desgarradora "Don’t Wanna Be No Mother" y su interpretación del éxito de  Etta James "Do Not Cry Baby".

"Estas canciones significan mucho para mí. Mi objetivo es escribir de manera que las letras resulten atractivas y conmovedoras, para llegar a  todas las complejidades que son parte de la vida cotidiana como el amor, las emociones, la familia... Creo que he hecho mi mejor disco ", explica Sicilia.

La evidencia está en las canciones. El álbum se abre con un repique de conducción de batería, bajo, guitarra y órgano, dando un empuje de fuerza que contrasta con la vulnerabilidad de la voz cálida de Gina.

A pesar de su reconocimiento y su talento estimable e indudable, Sicilia considera su música consecuencia del trabajo incansable. "Me veo como siempre en evolución, buscando un nuevo lugar donde yo quiero que mi música suene de una manera. No sé si voy a encontrar ese lugar, pero nunca voy a dejar de buscar", dice ella.

 

AMY LAVERE - "RUNAWAY'S DIARY" (USA - 2014)

Desde que comenzó a grabar, la cantante, compositora y bajista Amy LaVere ha sido hábil para convertir la materia de su autobiografía en canciones finas. En "Stranger Me" (2011),  ya dejaba constancia y detalle de su propia pérdida, el dolor y la angustia en uno de los mejores discos de ruptura en la historia reciente. Con "Runaway's Diary" (2014), se remonta a la fuente pero con el giro de un narrador.

La música de Amy LaVere está profundamente arraigada en Memphis, esto es, el rockabilly, el folk, el country, el pop y lo retro.

Eso nos lleva a un turbio pantano de canciones populares como la sugestiva "Last Rock 'n Roll Boy To Dance". Unas melodías optimistas como el rockabilly retro "Self Made Orphan", todavía transmiten conceptos más profundos de la dificultad de encontrar el amor en una existencia vivida para la música. En su versión llorona de "Dark Moon" nos encontramos ante una interpretación fiel que brilla sobre la oscuridad de la letra.

"Runaway's Diary" es otra muestra del lento pero creciente y elegante catálogo de LaVere, donde presenta un álbum sincero, reflexivo, desafiante y consistentemente convincente.

 

 

JP HARRIS & THE TOUGH CHOICES - "HOME IS WHERE THE HURT IS" (USA - 2014)

"Home Is Where The Hurt Is", es el título del nuevo álbum grabado por el outlaw JP Harris junto a sus amigos vagabundos The Tough Choices.

Hablar de JP Harris es hablar de la historia de un sinfín de músicos americanos. Ese chico que abandona el hogar cuando aún no es ni un adolescente, cuando los pelos de las mejillas no son más que una simple pelusilla. Cargado con una guitara y una vieja mochila recorre estado tras estado en vagones de tren, haciendo autostop o simplemente con la ayuda de unos viejos zapatos. Durante años va conociendo otros músicos, otras gentes, viviendo mil y una historias, trabajando en cualquier cosa para sobrevivir un invierno más, mientras en su interior sigue soñando con la posibilidad de algún día subirse a un escenario y homenajear de algún modo a su admirado Johnny Cash.

Su último trabajo fue grabado en Nashville, concretamente en los estudios de Ronnie Milsap. Nashville, sin duda al pronunciar ese nombre uno ya piensa en la gran industria de la música country, en esas chicas rubias a lo Dolly Parton y miles de cowboys de pega con sombreros texanos.

Es cierto que JP Harris hace country, pero está apartado del estereotipo del cowboy típico, ese de cara malhumorada y escupiendo tabaco de mascar por doquier. Él se dedica a hacer esa música con la que ha criado en sus años perdidos por los caminos polvorientos del sur de USA, escribiendo canciones melancólicas e historias vividas en primera persona, pero para ello no ha tenido que modificar su imagen, sigue llevando camisetas desgastadas o de bandas como Motorhead, dejando su barba crecer y reviviendo noche tras noche el sonido honky tonk sin tener que ocultar su mirada bajo un viejo sombrero…

Está claro, para hacer country de alto nivel uno no tiene porque criarse entre toros y caballos en un rodeo, sino que lo más importante es que sienta como propio cada acorde que toca y sobre todo que cada historia cantada sea una experiencia vivida.

BETH HART - "BETTER THAN HOME" (USA - 2015)

La cantante y compositora nominada al Grammy Beth Hart, nunca había sonado mejor (musical y espiritualmente) como lo hace en su nuevo álbum, "Better Than Home". Cuando Beth canta los relojes se detienen, los corazones bailan y el cabello se eriza. La reputada plataforma American Songwriter proclamó: "Beth tiene una voz dura, gutural y la utiliza como el mejor instrumento posible para imprimir un dramatismo extraordinario en esas baladas suyas que llenan recintos".


Beth Hart  es la figura de una artista y una mujer que lleva su alma a lo más profundo de sus canciones y ha aprendido a hacer de ello una garantía de calidad absoluta.

Michael Stevens y Rob Mathes se han encargado de la producción del nuevo álbum "Better Than Home", quizá porque es el trabajo más introspectivo de Beth hasta la fecha. Canciones muy profundas que revelan un terrible dolor de su pasado, evocando problemas familiares y demonios personales que la han servido de enseñanza para conseguir encontrar la verdadera belleza en su vida.

Estamos ante un lanzamiento increíblemente conmovedor, un disco escrito y compuesto en primera persona que va a llegar al público a un nivel muy personal. Está claro que Beth se ha convertido en una artista única que ha sabido encontrar la fórmula perfecta para la exposición de su voz interior en su vertiente más privada y el poderío de su ya legendaria voz, con ese vibrato natural tan personal y exclusivo del que hace gala.


Con un timbre que hace recordar a la añorada Etta James, este nuevo disco acaba convirtiéndose en un álbum de voz. Un disco vocal con el que Beth Hart decide transitar por diversas sendas musicales para acabar convirtiéndolo en una autentica maravilla, donde demuestra que, fuera de cualquier estereotipo o cliché, nunca nadie será capaz de clasificarla dentro de un estilo determinado, y es que su tono hace que haga suyas cualquiera de las facetas en las que quiera profundizar.

"Better Than Home" es un disco que atrapa desde el primer momento y en el que Beth se nos presenta pletórica, en un espectacular estado de forma, acompañada por una banda que consigue situarse al nivel. Diez son las canciones que componen el disco de las que destacan las grandiosas "Might As Well Smile",  "Trouble", "St.Teresa", "Were Still Living In The City" o "Mechanical Heart", y que acaban siendo una buena muestra de la pasión y la voz de una de las grandes damas, por no decir la mejor, del blues actual.

CUMBIA YA! - "LA MECÁNICA DEL PORRO" (FRANCIA - 2014)

La agrupación parisina Cumbia Ya! ejecuta la cumbia y el porro como la tradición manda. Con una big band conformada por músicos europeos y latinos, acaban de publicar "La Mecanica Del Porro", su tercer álbum. Gaitas, cumbias, porros y merecumbés, el nuevo álbum rinde un tributo a la música compuesta por grandes leyendas del genero como Lucho Bermúdez, Pacho Galán o Lisandro Meza.

Creada en París por la clarinetista argentina Soledad Romero y el trombonista Augusto Ramos, Cumbia Ya! debutó con la grabación "La Amenaza Tropical" (2004). Posteriormente, apareció "No Me Busques" (2009) y "La Mecánica Del Porro" (2014).

Trece cortes hacen parte del álbum, el cual contó con la dirección de Izidor Leitinger en los estudios. Todos son cortes clásicos del cancioneero de cumbias y porros colombiano, a excepción de "Despierta Eli", tema inédito compuesto entre Soledad Romero, Augusto Ramos y Julien Matrot.

Asimismo está incluido una bella versión de "Danza Negra", pieza escrita por el gran Lucho Bermúdez durante su estancia en Buenos Aires en honor a su tierra natal Colombia, y aquí vocalizada magistralmente por Soledad Romero. Otro de los cortes destacados es "La Buchaca", autoría de Pedro Salcedo -compositor de "La Pollera Colorá"- , y con la destacada actuación de Augusto Ramos en las voces.

RHIANNON GIDDENS - "TOMORROW IS MY TURN" (USA - 2015)

Aún desconocida para muchos (pese a ganar un Grammy Award en 2010 con su anterior banda, The Carolina Chocolate Drops), con "Tomorrow Is My Turn" debuta Rhiannon Giddens, una de las mejores voces femeninas de la actualidad.

Ocurrió cuando el productor T-Bone Burnett la vio actuar. Burnett le ofreció producir su primer álbum de estudio. Grabado entre Los Ángeles y Nashville, y contando con una impecable nómina de estudio para la ocasión (Jack Ashford, Colin Linden, Jay Bellerose, Tata Vega o miembros de los Punch Brothers, entre otros), en él, Giddens, hace suyas una serie de piezas que van desde el góspel, el blues y el country hasta el jazz.

Entre otras, "She’s Got You" de Hank Cochran (popularizada por Patsy Cline), "Don't Let It Trouble Your Mind" de Dolly Parton, "Shake Sugaree" de Elizabeth Cotton o la propia "Tomorrow Is My Turn" (eterna Nina Simone), a las que añade míticos tradicionales como "Black Is The Colour’ o "O Love Is Teasin".

 Es difícil de discernir la visión de Giddens sobre lo que es un nuevo capítulo de su carrera. Giddens, compositora y multiintrumentista, sólo realiza una composición propia, la agraciada "Angel City."

Obviamente, su conexión con el material es muy fuerte. Su voz y la forma en que trabaja la sutileza en diferentes contextos, es la pieza central y la mayor sorpresa del álbum.

TAMI NEILSON - "DYNAMITE!" (USA - 2014)

Lo primero que llama la atención de esta artista son sus enormes y exóticos ojos color avellana sobre un rostro duro y anguloso y un cierto parecido con aquella Linda Ronstadt de los años setenta. Posteriormente, se descubre que dicho envase también contiene un enorme talento. Con un estilo retro, Tami Neilson nos transporta al mejor country de los cincuenta y sesenta, con un trasfondo muy tradicional y extremadamente cuidado, (incluso en lo físico), y con una voz endiabladamente bella, se apodera de nuestra alma desde la primera escucha. Es cierto que su estilo no es demasiado comercial pero siempre hay oídos para todo tipo de propuestas. Un diamante siempre es un diamante.

Tami Neilson y Delaney Davidson no son unos extraños en la escena country, los dos han unido fuerzas para sacar al mercado el último trabajo de Tami "Dynamite!". Tami comenzó en la música desde muy pequeña, ya que formaba parte de la banda familiar Neilson Family, habiendo rodado por carreteras interminables y cubriendo muchas etapas de conciertos de segunda hasta ganarse el derecho de despuntar como una estrella con luz propia y convertirse en la sólida artista que es hoy día. Ha ganado premio tras premio por su forma de cantar, ha impresionado a críticos y a músicos por igual, por su buen hacer y su atención al detalle. La pureza de sus tonos nos devuelve a una época pasada, donde la vocalista es la maestra de ceremonias que nos enseña lugares a los que nunca podremos ir, y que nos muestra mundos que sólo podemos imaginar. Moviéndose con facilidad entre el blues mas negroide de "Walk (Back To Your Arms)" y "Dynamite", hacia el lado mas rockero de "Woo Hoo" y "Come Over", pasando por esa joya melódica de estructura retro "Cry Over You" , sin obviar en absoluto ese lamento country titulado "You Lie", o el campanazo tejano "Texas", cual sonido salido directamente de la Misión de San Antonio y que mantiene un pie directamente en el más puro sonido country tradicional. Especial reseña merecen los duetos que aparecen en el disco, Ben Wooley canta con el corazón roto de un pretendiente rechazado en la romántica "Whiskey & Kisses", y Delaney Davidson sufre en sus carnes la añoranza de un amor separado por la distancia en la sensacional y contundente "Running to You", un tema delicioso, donde la voz de Tami  toca verdaderamente el alma dejando un sabor agridulce que presagia una tormenta de sentimientos.

Con un conjunto de excelentes músicos, Red McKelvie a la Steel guitar, y Joe McCallum y Ben Wooley a la sección rítmica, puede que nos encontremos ante todo un clásico. Imprescindible.

GAL HOLIDAY AND THE HONKY TONK REVUE - "SET TWO" (USA - 2010)

Country a la antigua usanza, con influencias de honky tonk, rockabilly, western swing y un poquito de blues, o lo que es lo mismo: pura música de raíz americana. Pero lo verdaderamente destacable es que trasciende totalmente la cuestión de los géneros, estamos hablando de música con mayúsculas. La preciosa voz de Gal es arropada por una banda sobresaliente y nos ofrecen una colección de canciones brillantes e intensas, llenas de luz, melancolía y buenas vibraciones.
Gal Holiday And The Honky Tonk Revue se formaron en 2004, curiosamente en la ciudad de Nueva Orleans y este segundo trabajo discográfico es una impecable colección de canciones puramente country con un barniz conteporáneo que las hace sencillamente irresistibles.

Gal Holiday nos ofrece en este magnífico disco "Set Two" una arrebatadora manera de interpretar canciones que, perfectamente, podría haber interpretado Johnny Cash.
Temas como "Brain Cloudy Blues" con ese magnifico acercamiento a sonidos que rememoran al gran Son House,  maravillas como la luminosa "Don´t Think Twice", torrentes musicales como "Send Me Away" o el gran blus "That´s Why I Ride" recalcan la validez y el talento de la muchacha de Nueva Orleans y su banda el genial guitarrista Steve Spitz, el bajista Dave Brouillette y el batería James Clark.
Lo que hace esta chiquita está envuelto en un algo etéreo y mágico que impregna a cada tema y cada interpretación de este genial "Set Two".

BAP KENNEDY - "LET'S START AGAIN" (IRLANDA - 2014)

Bap Kennedy ha dado nuevas muestras de su talento con un disco titulado "Let's Start Again", un trabajo sin aspiraciones, sencillo a simple vista pero intenso y con una importante carga emocional en el que imperan canciones desnudas y melodías de tendencias acústicas, dentro de una especie de folk de raíces con matices tradicionales irlandeses o incluso latinos.

"Let's Start Again" es un álbum del que nadie habla, como si fuera de segunda división, aunque lleve consigo un trabajo de cuidadosa orfebrería que, si bien no acaba de enganchar a las primeras de cambio pues requiere una paulatina concesión de oportunidades, acaba abriéndose paso en el reconocimiento particular a base de insistencia.

Se podría destacar de él que resultan peculiares y muy llamativas esas sensaciones que cabalgan en la lengua del amor y de la emoción, a mitad camino entre el Dylan más setentero y Willy DeVille ("Let’s Start Again" o "Song Of Her Desire"). Después, las raíces americanas están latentes en temas como "Revelation Blues".

Por otra parte si a ritmo de swing sorprende "Heart Trouble", el toque country más exquisito llega de la mano de "If Things Don’t Change", de "Strange Kid" o de "Let It Go", mientras que los detalles latinos de "King Of Mexico", "Under My Wig", "Fool’s Paradise" o esa intensidad de rhytm&blues clásico negroide de "Radio Waves" se aproximan mucho más al inolvidable dandy Monsieur DeVille.

Finalmente, este cantautor irlandés del que muchos desconocen la calidad que atesora, deja constancia y firma un disco amable y exquisito, con el que hay que rendirse ante la evidencia y decir amén.

NINA ZILLI - "FRASI&FUMO" (ITALIA - 2015)

Después de "Sempre Lontano" (2010) y "L’Amore È Femmina" (2012), Nina Zilli se confirma como uno de los nombres más originales del panorama musical pop italiano, gracias a un estilo reconocible que refleja el gusto por la nostalgia musical italiana de los años '60, uniendo las atmósferas que sólo el soul y el blues pueden dar.

"Frasi&Fumo" (2015) es un álbum compuesto por catorce temas, incluyendo el sencillo "Sola", presentado en el Festival de San Remo y que clasificó en el top 10. La cubierta del álbum se realizó durante la actuación en la tercera noche de festival de los "sempreverde".

Nina Zilli no decepciona, el álbum no es cualquier cosa. Nacida en el vivero de jóvenes promesas de San Remo, la cantante de Piacenza gana gracias a un sonido fresco que actúa como hilo conductor para escuchar constantemente sin que llegue el decaimiento.

LILA DOWNS - "BALAS Y CHOCOLATE" (MÉXICO - 2015)

"Balas Y Chocolate" es el noveno álbum de estudio de Lila Downs. El disco cuenta con las colaboraciones de Juanes, quien participa en el primer single "La Patria Madrina", (y en el vídeo correspondiente), y Juan Gabriel quien colabora en una nueva versión de "La Farsante".

"Para mí, Juanes representa una voz importante, de relevancia social en Latinoamérica. "La Patria Madrina" nació de la honestidad de un mensaje que ambos sentimos exponer: la realidad, la esperanza y la unión de los latinoamericanos. A Juan Gabriel lo he admirado siempre, es un autor con una sensibilidad muy grande, una gran musicalidad y un respeto profundo hacia la música tradicional de México, fue un sueño poder cantar con él", dice Lila Downs.

Según anuncian en la nota promocional, "Balas Y Chocolate nos lleva a una mirada profunda hacia el acontecer de la sociedad latinoamericana, a ése que por un lado vive momentos de crisis, carencias, complicaciones sociales y desencanto hacia el poder, pero que se mantiene con vida, esperanza, sueños e ideales que se izan como banderas gracias a las tradiciones que alimentan el alma con su abundancia, color, olor y sabor".

 Lila Downs explica: "Balas Y Chocolate es una alusión a los tiempos agridulces que vivimos: por una parte, la violencia y por otra, los excesos y el placer representados por el cacao, manjar de los Dioses, fruto que permanece y simboliza nuestra fuerza como nación".

También indican que "Este álbum está dedicado a la celebración del Día de Muertos, pues refleja la manera en que los mexicanos, y algunos latinoamericanos, concebimos la partida del mundo terrenal: con gracia, alegría, folclore e incluso, picardía. Libertad, Tradición, Justicia, Igualdad, Amor, Pasión, Verdad, (así, con mayúsculas) son las ramas que conectan a la muerte, tema central de este material y que son retratadas magníficamente por Lila Downs".

Y la artista: "La música de este álbum celebra a los muertos como es la tradición: se baila, se canta, se toma, se brinda con los difuntos. Se canta un bolero, unas norteñas, unas cumbias, hip hop y ska y como resultado tenemos un disco bailable, melancólico y alegre, así como es la costumbre de llorar y celebrar al mismo tiempo, porque los mexicanos tenemos la tradición de escribir versos sobre la muerte riéndonos y disfrutando…".

El concepto gráfico del álbum es de Humberto Valdez, artista plástico originario de Zacatecas y fundador del taller de grabado y dibujo 'La imagen del rinoceronte', para hacer los grabados de la portada y del interior del disco, los cuales también aparecen en el vídeo de "La Patria Madrina".

THE MAVERICKS - "MONO" (USA - 2015)

La vanidad en el segundo álbum de The Mavericks desde su reagrupación en 2012 después de un largo paréntesis, es que han adquirido un sonido nuevo en el estudio, tanto musical como estilísticamente, mezclando todo monoaural y pasando a "mono" muchas de las grabaciones favoritas "vintage"  de los miembros de la banda.
"Mono" se abre con la seductora "All Night Long", una canción que refleja al compositor cubano y vocalista  principal del grupo Raúl Malo. Sus canciones son líricamente simples pero emocional y musicalmente bastante resonantes, incluso si el oyente no conoce el idioma.
The Mavericks profundizan en las múltiples dimensiones del amor, (el deseado, el encontrado, el perdido...), y los expone con un vocabulario musicalmente rico que abarca desde el pegadizo R&B ("What Am I Supposed to Do"), una irresistible oscilación retro ("Stories We Could Tell", "Out the Door"), pop latino ("What You Do To Me"), alma ardiente ("The Only Question Is") y la impresionante balada operística de Roy Orbison ("Fascinate Me").
Hay, incluso, un guiño evidente al antepasado musical del grupo, donde se hace referencia al difunto rey de Tex-Mex, Doug Sahm cuya canción, "Nitty Gritty", cierra el álbum con una exuberante y profunda interpretación  destacando el órgano vox que era parte integral del trabajo de Sahm.

VINCE GILL & PAUL FRANKLIN - "BAKESFIELD" (USA - 2013)

Vince Gill y el guitarrista Paul Franklin se han unido para grabar un nuevo álbum conceptual llamado "Bakersfield". Su idea es cubrir éxitos de la década de los '60 y '70 por artistas que ayudaron a definir el sonido Bakersfield (California): Merle Haggard, Buck Owens y The Buckaroos. Pero "Bakersfield" no es precisamente un álbum nostálgico, es un testamento vital para la música que conserva la energía y la innovación.

Vince Gill y Paul Franklin traen un cambio de alineación que se especializa en la oscilación. Gill ha sido y es una estrella en su país durante décadas pero, detrás de las escenas, Franklin es un músico importante en su terreno. Su estilo moderno y delicado en el pedal steel, la guitarra lap steel y el dobro, han hecho de él un músico altamente demandado por cantantes de country como Randy Travis, Reba McEntire y George Strait. Además, también ha tocado con artistas de registros tan diferentes como Barbra Streisand y Megadeth.

Cuando Gill y Franklin empezaron a tramar este proyecto, no sólo escucharon los éxitos. También desenterraron canciones menos conocidas por Owens y Haggard. Tomemos, por ejemplo, "He Don't Deserve You Anymore", un tema de 1966 de un álbum de Buck Owens que nunca fue lanzado como sencillo, pero que ejemplariza claramente la composiciones de la época en el país. Gill ofrece la letanía del dolor por una mujer querida con anhelo en un coro hábilmente formado de la canción.

"Bakersfield" podría haber sido sólo un trabajo meticuloso de amor, de apelación ante todo a los cultistas. En cambio, Vince Gill y Paul Franklin se han acercado a esta música en pleno siglo XXI a través del vigor, el humor y la creatividad. La energía sabelotodo de Buck Owens y la elocuencia de tipo duro de Merle Haggard suena ahora, a través de Gill y Franklin, como la música que ofrece sorpresas constantes, pensamiento fresco y emoción real.

DAYNA KURTZ - "SECRET CANON. VOL.2" (USA - 2013)

La música negra es uno de los elementos que conforman el particular y muy atrayente universo musical que traslada a sus oyentes Dayna Kurtz. Por eso, no es nada extraño que asistamos ahora a la publicación del segundo volumen de un disco que precisamente homenajea a ese tipo de composiciones, (jazz, soul, rhythm&blues...), por medio casi exclusivamente de versiones.

"Secret Canon. Vol. 2", esconde, aunque no demasiado dado lo obvio del título, que estamos ante un acercamiento a composiciones de décadas pasadas y que no entran entre las más conocidas ni reinterpretadas, más bien al contrario, se trata de relativas extrañezas, aunque no exentas de calidad. Una decisión que deja en evidencia la profundidad de armario que soportan estos géneros musicales y los tesoros escondidos que se pueden encontrar en ellos.

Con la estructura básica de su banda de acompañamiento habitual y la suma de músicos de jazz, la cantante encuentra el mejor cobijo para mostrarse en momentos como una diva que recopila la elegancia de Sarah Vaughan y el arrojo de Bessie Smith. Así, en un ambiente entre el blues y el jazz, acomete versiones como “One More Kiss”, que lima la crudeza de la original de Johhny "Guitar" Watson, e incluso por medio de una composición propia como la brillante "I Look Good In Bad" que no desentona para nada. Siguiendo con ese tono íntimo y sentido, pero esta vez tendiendo a las sonoridades soul, saca toda su profundidad para interpretar "Same Time, Same Place" o "I’ll Be A Liar", cantada en su momento por Betty Harris y de la que parece heredar su fuerza. Más reflexiva se va a mostrar en "Reconsider Me", con un deje gospel en su ritmo.

La parte más dinámica y de ritmos más acelerados, como si de una Big Band clásica se tratase, llega con canciones como "So Glad", donde incrementa la cadencia a base de esa mixtura de estilos a lo Ray Charles, o "If You Won’t Dance With Me", (segundo tema propio), con sus fraseos sincopados y un aroma todavía más evidente a Nueva Orleans.

Dayna Kurtz con este segundo volumen apuntala lo esgrimido por el anterior, primero un conocimiento de las músicas primigenias más allá de lo convencional y segundo una clara adaptación a ellos, que si bien en su música aparecen dentro de una forma más cruda y polvorienta, aquí tira de clasicismo para acabar por lucirse también en ese terreno y seguir postulándose como una de las mejores y más atractivas voces femeninas en la actualidad.

HAILEY TUCK - "HAILEY TUCK" (USA/FRANCIA - 2014)

Nacida en Austin, Texas, criada entre el jazz de los años '30 como hilo musical, vestidos de época y las películas en blanco y negro, el amor de Hailey por la vieja escuela fue razón suficiente para su traslado a Francia con sólo 18 años en busca de "la vie en rose".

Hailey Tuck se ha consolidado firmemente como una de las favoritas en la escena underground parisino, con una autenticidad procedente de una infancia risueña, la cual pasó soñando con los pasos y la banda sonora de Ella FitzGerald y Billie Holiday, y siguiendo las hazañas de Judy Garland y las estrellas de la gran pantalla.

Con su homónimo EP de debut, Hailey invita al oyente a dar un paso hacia un mundo intemporal de shows de media noche y fiestas nocturnas, que evoca su propio "Belle Époque" del siglo XXI.

MESCHIYA LAKE & THE LITTLE BIG HORNS - "FOOLERS' GOLD" (USA - 2013)

Meschiya Lake comenzó su carrera como cantante con nueve años de edad. En el año 2000 comenzó a viajar con "The Know Nothing Family Zirkus Zideshow" y "The End Of The World Circus", donde Meschiya perfeccionó sus habilidades. Fue mientras estaba de gira con estas compañías donde ella se enamoró y se sintió inmediatamente cautivada por la riqueza cultural de la ciudad de Nueva Orleans, su base de operaciones en la última década.

En la primavera de 2007, Meschiya comenzó a cantar con el grupo de jazz tradicional "Loose Marbles" en el French Quarters Royal Street. Acompañada por los bailarines de jazz Chance Bushman y Amy Johnson, un nuevo renacimiento del jazz y de la danza tradicional floreció: llevar la alegría y la vitalidad del espíritu de Nueva Orleans.

Volvió en el otoño de 2007. Con una adquisición de conocimientos musicales insaciable, Meschiya tomó la guitarra y el banjo y, con la cantante Erika Lewis, forma "The Magnolia Beacon", creando composiciones originales, oscuras, melódicas, centrándose en la armonía vocal . Consiguieron relativo éxito y las dos solistas crecieron y se solidificaron bases de fans en Nueva York, Berlín y en las calles y clubes de Francia.

"Foolers' Gold" es un álbum con un gran sentimiento por Nueva Orleans, donde Meschiya es más convincente en sus propias canciones. Rudo y sutil al mismo tiempo. Un disco de música honesta, tan abierto como el medio oeste americano.

RORY BLOCK - "AVALON: A TRIBUTE TO MISSISSIPPI JOHN HURT" (USA - 2013)

Rory Block rinde homenaje al icono del blues de Mississippi John Hurt en la quinta entrega de su serie "Mentor", en el que también incluye las versiones anteriores dedicadas a Robert Johnson, R. Gary Davis, Mississippi Fred McDowell y Son House.

Diez de los once temas del álbum están asociados con Hurt, excepto el tema original de Rory Block, "Everybody Loves John". Block coincidió con Hurt por primera vez en diciembre de 1963 en el backstage de un concierto, al que también asistió el intérprete de banjo Muelle Boggs.

El historiador de blues y guitarrista acústico Stefan Grossman, le presentó a Hurt y Block quedó tan impresionada que comenzó a estudiar sus canciones, su técnica y su interés en diversos estilos de música. Hurt fue un músico de blues que no sólo se adhirió al género; también coqueteó con el folk, el jazz, el country, el flamenco, la música de África y canciones populares de la época.

Para esta sesión, Block eligió diez canciones clásicas en el repertorio de Hurt incluyendo: "Candy Man", "Frankie & Albert", "Got The Blues Can't Be Satisfied", "Richland Woman Blues", "Spike Driver Blues", "Stagolee" y "Make Me A Pallet On Your Floor".

"Avalon: A Tribute To Mississippi John Hurt", no es sólo un álbum agradable en sus propios términos, sino que también puede llegar a un buen número de oyentes curiosos para investigar las grabaciones originales hechas por un músico clásico del blues americano.