LOS LOBOS - "JUST ANOTHER BAND FROM EAST L.A." (USA - 1993)

¿Qué se puede decir de esa enorme banda de rock & roll que son Los Lobos? Completísimos, desde mediados de los '70 vienen destilando un blend único de rock, folk, Tex-Mex, canciones, boleros, country y todo lo que tenga que ver con el Sur fronterizo de Estados Unidos con México.
Formados en el Este de Los Angeles por César Rosas, David Hidalgo, Louie Pérez, Conrad Lozano y Steve Berlin, Los Lobos llevan más de 35 años en la carretera y quince discos en su haber. Hicieron música para películas (la más famosa, "La Bamba", basada en la vida de Richie Valens), ganaron Grammys, experimentaron con diversos ritmos y estilos y nunca perdieron su sello. Más no se les puede pedir.

Su discografía es vasta y con varios puntos altos, pero sin duda la mejor puerta de entrada para conocerlos es "Just Another Band From East L.A.", (no confundir con el primer lp del grupo, editado en 1978). Esta recopilación fue editada por el sello Slash Records con motivo de los primeros 20 años de la banda, en 1993. 41 temas entre álbum tracks, singles, versiones en vivo e inéditos. Resumiendo: un disco obligatorio en cualquier discoteca que se precie como tal.

Los momentos inolvidables son muchos. Para cantar a la luz de la luna tenemos la caliente versión en vivo de "Volver, Volver" y ese Tex-Mex irresistible que es "Anselma". Del gran "How Will The Wolf Survive?" (1984), presenta la balada "A Matter Of Time" y el rock de vúmetros en rojo "Don´t Worry Baby". Imparables.

De otro gran disco, "By The Light Of The Moon" (1988), manejamos la ruta con la paisajística "One Time One Night" y movemos la patita con "Shakin' Shakin' Shakes". Como al pasar, nos tiramos a ver las estrellas con "River Of Fools", una de las páginas mas hermosas de la banda con acordeones y una melodía entrañable. El doblete de homenaje al malogrado Richie Valens incluye los clásicos "Come On Let's Go" y "La Bamba".

"Just Another Band From East L.A.", le saca jugo a otro muy buen disco "The Neighborhood" (1990), con el rock bluseado que da nombre al álbum, la hermosa serenata "Be Still" y el rockazo "I Can't Understand", compuesto por César Rosas junto a Willie Dixon.

Sobre el escenario, Los Lobos tiran su chapa de veteranos con autoridad y versatilidad. Deleitan con  "Bertha" de los Grateful Dead y con esa versión lenta, paladeada en cada compás, de "What´s Going On".

Párrafo aparte para "Wicked Rain", potente, de dientes apretados. La cuota de experimentación -que la hay- llega a la altura del fantástico "Kiko" (1992). Para esta compilación extrajeron esa cumbia misteriosa y genial que es "Kiko And The Lavander Moon", "Saint Behind The Glass" y la atmosférica "Angels With Dirty Faces".
Muchísimos temas buenos. Los Lobos son una de esas bandas grandes, de las que importan. ¡Larga vida para ellos!

LOS LOBOS - "LA PISTOLA Y EL CORAZÓN" (USA - 1988)

"La Pistola Y El Corazón" es un excelente álbum que destaca del resto de la discografía de Los Lobos por una serie de razones. En primer lugar, es un álbum totalmente en español y contiene una variedad de canciones populares mexicanas tradicionales y algunos temas originales compuestos por la banda.

En segundo lugar, que fue lanzado en 1988 en la estela popular de su avance como grupo, (grabaron seis canciones de golpe para la banda sonora de la película biográfica de Ritchie Valens "La Bamba"), alejándose de la escena comercial.

Ellos están por encima de otras consideraciones. La alegría transmitida en este álbum es palpable: deslumbrantes solos de guitarra, conmovedores rotos de violín y la armonía en el canto apasionado. Los Lobos interpretan  estas canciones dominando completamente el estilo.  En definitiva, un trabajo atractivo y una buena muestra de la música tradicional mexicana por una de los mejores bandas embajadoras del estilo de Estados Unidos.

CALAMBUCO - "ROMPIENDO EL CUERO" (COLOMBIA - 2009)

Desde hace ya cuatros años, la salsa colombiana ha cambiado de una forma radical. Todo esto debido a la aparición de nuevas orquesta integradas por jóvenes de barrio que aún no han perdido la esencia que este género encierra.

Una de aquellas agrupaciones es Calambuco, que hace dos años atrás nos demostró que la salsa se debía hacer "Como En El Barrio", porque en él se encuentran los mejores seguidores de este género y además ya era tiempo de rescatar la esencia rumbera.

La segunda producción de Calambuco, titulada "Rompiendo El Cuero", es una muestra más de calidad musical, canciones como "No Estás En Ná", "Rompiendo El Cuero" o "Don Marcelino" nos enfrascan desde el comienzo del álbum para llevarnos luego a una descarga instrumental en "Ok, Lo Que Sea", seguido de un bolero que termina con toques de son montuno sin dejar el ritmo cha-cha-cha "Sabroso". Cada tema juega un papel importante en esta producción.
Esta es sin duda una de las mejores producciones de salsa dura colombiana en la ultima década. La filosofía es "calle, barrio, lo cotidiano, las historias comunes". Así resume el cantante Einar Rentería el tipo de salsa de Calambuco.

A la hora de sacar su segundo álbum, también como independiente, el grupo cuenta varios logros que son verdaderas victorias para una banda que se produce y se promociona sola. Son victorias relacionadas con el respeto hacia su música: el haber sido llamados para hacer la banda sonora de una serie de televisión, ("La Sucursal Del Cielo"), el haber ido en representación de Colombia al "Festival Cubadisco" y el estar invitados, de nuevo por Colombia, a hacer el show central en el Festival de Salsa de Varsovia. 

CALAMBUCO - "COMO EN EL BARRIO" (COLOMBIA - 2007)

Calambuco es un grupo salsero que se conforma a mediados de 2005 con el propósito de rescatar el sonido, el carácter y el sentimiento de la salsa de los '70 que hace vibrar a viejas y nuevas generaciones. Así, Calambuco hace sus primeras pariciones públicas, desde finales del año 2005, interpretando los grandes clásicos de la salsa pesada en las principales salas de Bogotá.

En el primer semestre de 2006, la agrupación empieza a interpretar sus propias canciones compuestas por el pianista Andrés Felipe Succar, iniciando así un nuevo proceso que se traduciría en la grabación y exitoso lanzamiento de su primer trabajo discográfico titulado "Como En El Barrio", producido por el cantante y trombonista Mauricio Castillo, con la colaboración de José Aguirre en las trompetas y del pianista Jaime Henao como músico invitado.

El primer trabajo discográfico de Calambuco "Como En El Barrio"  fue seleccionado para hacer parte de la banda sonora de la más reciente producción de Caracol Televisión "La Sucursal del Cielo", una serie cuya historia se desarrolla en la ciudad de Cali en del año '71.

"Como En El Barrio" ha sido un éxito de ventas en Colombia, Europa y Estados Unidos al reportar más de cuatro  mil copias vendidas en los primeros meses desde su aparición en el mercado el 14 de diciembre del 2006. A su vez, la crítica lo ha catalogado como uno de los mejores trabajos de salsa colombiana del momento y como candidato a los mejores trabajos del género en el 2007, pues "cada track es una joya". De igual forma, "Como En El Barrio"  fue reconocido por el público especializado como la mejor producción de salsa bogotana.

Sin duda, lo mejor de Calambuco son sus presentaciones en vivo, llenas de energía y con los mejores músicos; las apariciones de la banda se caracterizan por una gran interpretación musical y un derroche de carisma que se gana el afecto del público que siempre quiere volver a disfrutar de la salsa brava de Calambuco.

 

ONDATRÓPICA - "ONDATRÓPICA" (COLOMBIA - 2012)

Ondatrópica es un proyecto del músico colombiano Mario Galeano, (Frente Cumbiero), y el productor inglés Will "Quantic" Holland en el que se reúnen a músicos de primera línea que representan la vieja y la nueva guardia de la música colombiana. Además de cumbia, Ondatrópica apela a los sabores tradicionales del porro, el merengue, la gaita y la champeta, y los combina con funk, hip-hop y hasta con vuelos electrónicos del dub.

Después de diversos años de trabajar en torno a la música tropical colombiana, Mario Galeano y Will Quantic, (con apoyo del British Council), lograron hacer real su proyecto: reinterpretar la herencia musical tropical de Colombia con nuevos enfoques en composición, arreglos y producción. Para ello, a principios de 2012, en el legendario estudio de Discos Fuentes de Medellín, (con más de 75 años de historia), llamaron a los integrantes de sus respectivos conjuntos, (el Frente Cumbiero y el Combo Bárbaro), "Fruko", (alma y vida de Los Tesos) y Jorge Gaviria, Aníbal Velázquez, Pedro Ramayá, Alfredito Linares, Juancho Vargas, Michi Sarmiento, Markitos Mikolta, Wilson Viveros y Armando Hernández, se sumaron a artistas jóvenes como Nidia Góngora, Freddy Colorado, Eblis Álvarez, Anita Tijoux, José Miguel Vega "El Profe", Carlos Puello "Chongo", Esteban Copete, Pedro Ojeda, Marco Fajardo, Wilfredo Peña y Fernando "Ovejo" Silva, en un proyecto sin precedentes en la historia reciente de la música colombiana, un regreso a los estándares de sonido y calidad musical que en décadas fue de los más influyentes del continente.

La exploración con estos músicos pioneros y visionarios de los años '60, '70 y '80 del siglo XX no busca una aproximación nostálgica a su sonido, la idea es reafirmar la validez y contemporaneidad del mismo. Para ello se aproximaron a los estándares clásicos de producción por medio de equipos y técnicas propias del sonido análogo, usando consolas y micrófonos de época, y aprovechando la experiencia de figuras claves del sonido como el legendario ingeniero y productor Mario Rincón, uno de los responsables de las mejores grabaciones de los años '70 en el país.

El resultado: que lo más contundente y relevante de la música colombiana está aquí para redescubrirse.

CAETANO VELOSO - "FINA ESTAMPA" (BRASIL - 1994)

Según el propio Caetano, un viejo proyecto que empezó siendo grabado como si nada y terminó siendo uno de sus discos más vendidos y tres enormes giras de presentación en toda América, con éxito de público y crítica.

Este disco de Caetano fue realmente la "bisagra" en su carrera, tanto estilísticamente como en su repertorio, que aquí se deriva a las canciones latinoamericanas que su madre escuchaba en la radio cuando Caetano era un niño, y otras que él mismo dice admirar a partir de escucharlas contemporáneamente.

Hay tango, bolero, música de Paraguay, Perú, Venezuela, Cuba, Argentina, Puerto Rico, México… todo armonizado y ensamblado en la maravillosa voz del bahiano. Los arreglos son fabulosos: al punto que, por ejemplo Fito Páez - autor de "Un Vestido Y Un Amor"- jamás volvió a interpretar esta canción en su versión original, sino con el arreglo que tiene en este álbum.

OMARA PORTUONDO - "BUENA VISTA SOCIAL CLUB PRESENTS" (CUBA - 2000)

"Buena Vista Social Club Presents" es un trabajo muy bien realizado por Omara Portuando, la única mujer que aparece en las grabaciones originales del aclamado y famoso "Buena Vista Social Club". Portuondo, que es una de las cantantes más representativas de Cuba y una actriz destacada en el "Tropicana", demostró aquí que, a los 70 años, todavía posee cualidades que le ayudaron a desarrollar el estrellato en su isla natal. 

Este álbum, que abarca una variedad de estilos musicales tradicionales, desde el son a la guajira pasando por el bolero, hace que sea fácil ver por qué los críticos la han llamado la Edith Piaf, la Billie Holiday de Cuba o "La Novia del Feeling". El estilo del álbum, especialmente en la pista, "He Perdido Contigo", evoca un sentimiento nostálgico, retro, pasado de moda.

En el álbum aparecen músicos destacados como Rubén González al piano, Eliades Ochoa y "Compay" Segundo en la guitarra y una sección de cuerdas completa, incluyendo a Ángel y Arelis Zaldívar. Portuondo ofrece un disco que se siente casi perfecto, ameno, acercándolo al público de forma generalizada. El álbum, acogido con grandes elogios de la crítica, condujo a Omara a una gira mundial.

 

 

IBRAHÍM FERRER - "MI SUEÑO" (CUBA - 2007)

Los sueños cumplidos del cubano Ibrahím Ferrer pasan por los boleros. "Pensé que me moriría sin cantar un bolero", comentó Ferrer coincidiendo con el lanzamiento de "Mi Sueño". Este es su tercer disco en solitario y la culminación de una ilusión de toda la vida, la de unir su voz a la cadencia del bolero. Por eso, la selección de temas del disco ha sido cuidada. Recoge canciones del carisma y la historia de "Perfidia", "Quiéreme Mucho" y "Perfume De Gardenias".

El intérprete defiende el bolero como un agitador de sentimientos: "Para cantarlo sólo tienes que tener corazón y amor". No hacen falta estudios musicales ni de escuela. Él los tuvo que abandonar a los 12 años al quedarse huérfano de padre, para ponerse a vender por las calles de Cuba.

Su participación en una canción del proyecto discográfico, "Afro Cuban All Stars" le abrió las puertas de "Buena Vista Social Club" trabajo impulsado por el guitarrista Ry Cooder. En este disco, Ferrer participó en 12 de los 14 temas incluidos. Y cantó mano a mano con artistas que admiraba: Omara Portuondo, "Compay" Segundo y Eliades Ochoa.

"Mi Sueño" es el proyecto con el que el artista soñó toda su vida: un tributo al estilo musical cubano más romántico: el bolero. Está compuesto por 12 canciones, entre ellas "Dos Almas", "Si Te Contara", "Deuda" "Melodía Del Río" y "Cada Noche Un Amor".

Todas las grabaciones, realizadas en el Teatro Nacional de Cuba, en La Habana, son nuevas a partir de canciones tradicionales, recreadas con el estilo personal de Ibrahím Ferrer. La producción del álbum estuvo a cargo de Nick Gold y Roberto Fonseca.

"Mi sueño" forma parte de la colección "Buena Vista Social Club Presents", y en él colaboran Rubén González al piano en el tema "Melodía Del Río", producido por Ry Cooder y Omara Portuondo canta a dúo en “Quizás, Quizás".

Es de anotar que los músicos que acompañan a Ferrer, son: Roberto Fonseca, al piano; Orlando "Cachaíto" López, al bajo; Manuel Galván, a la guitarra; y Ramsés Rodríguez, en la percusión.

Ibrahím Ferrer, fue unos de los artífices en el resurgir del interés por la música tradicional cubana.

IBRAHÍM FERRER - "BUENOS HERMANOS" (CUBA - 2003)

De todas las personalidades arquetípicas que componen "Buena Vista Social Club", Ibrahím Ferrer parecía, a priori, el menos indicado para surgir como una superestrella internacional. Con su temperamento apacible y voz dulce, Ferrer cantó con muchas bandas legendarias, sin llegar a ser nunca un nombre en sí mismo. En sus viajes fuera de Cuba en 1997 con Afro-Cuban All Stars y como protagonista vocal con Rubén González, Ferrer, delgado y con su infaltable gorra Kangol, parecía esencialmente un talento de colaboración, un contraste para los muchos otros protagonistas coloridos en las bandas.

Pero al cabo de los tres años de la primera de estas apariciones, Ferrer había estado abarrotando salas de la talla del Royal Albert Hall de Londres, La Casa de la Ópera de Sidney y el Orchard Hall de Tokio, recibiendo ovaciones entusiastas de las audiencias gracias a las cuales ha llegado a ser la encarnación misma -en corazón y alma- del extraordinario, multimillonario en ventas fenómeno "Buena Vista Social Club".

Este "Quijote" cubano, el Nat King Cole del son, pasó su infancia cantando y seguirá cantando... este es Ibrahím. Disco sensual y profundo del maestro cubano que tiene la virtud de hacernos gozar con su variedad de estilos, arropado por músicos maravillosos de la talla de Juan de Marcos González, Cachaíto, Angá Díaz... Un trabajo lleno de amor y sencillez. "Buenos Hermanos", a decir del maestro: "El son es lo más sublime para el alma divertir".

"Buenos Hermanos", su segundo disco en solitario, es un festín de boleros entregado con arte por Ferrer, que conjura intuitivamente la elegancia y la energía lánguida de este género. El disco obtuvo en 2004 el Grammy al "Mejor Álbum De Música Tradicional Tropical".

IBRAHÍM FERRER - "BUENA VISTA SOCIAL CLUB PRESENTS" (CUBA - 1999)

Ibrahím Ferrer es un producto del popular "Buena Vista Social Club". Para aquellos no familiarizados con el proyecto, "Buena Vista Social Club"es un grupo de músicos maestros cubanos, desde hace mucho tiempo olvidados en el clima político áspero de la Cuba de Castro. La banda fue reunida por el guitarrista Ry Cooder para grabar un documental y un álbum correspondiente. Tanto el álbum y la película alcanzó un éxito comercial y de crítica mucho más allá de cualquier cosa que los músicos participantes podrían haber imaginado. Ferrer, de hecho, uno de los cantantes más populares en Cuba, pasó la mayor parte de los años '70 y '80 limpiando zapatos y ganando una pequeña pensión para subsistir. Todo esto cambió cuando Ry Cooder lo presentó al mundo con "Buena Vista Social Club".

Este álbum es un retoño natural del éxito de "Buena Vista Social Club". Con más de 70 años de edad, la voz de Ibrahím Ferrer todavía aguanta el tipo. El álbum es una colección de canciones tradicionales, principalmente cubanas, dotadas según la interpretación y el estilo de Ferrer. Junto con la voz de Ferrer, Rubén González hace el trabajo más destacado de este disco al piano. Rubén nunca se interpone en el camino, pero rocía musicalmente casi todas las canciones llevándolas con solvencia hacia adelante.

En suma, estamos ante una gran grabación, centrándose en el sonido tradicional cubano. La voz de Ferrer es suave como la seda a pesar de años y años de puros y ron. Para aquellos no acostumbrados a la música cubana, es un buen punto de partida. Una obra tranquila y agradable.

VANESA MARTÍN - "TRAMPAS" (ESPAÑA - 2009)

Vanesa Martín es una de las artistas más especiales de nuestro país. No sólo es una compositora con una incontinencia creativa sin fin, sino que es una de las voces más privilegiadas del panorama actual. Y, sobre todo, es una artista de verdad, de las que están años aprendiendo, evolucionando, creciendo y haciéndonos crecer con ella.

Abre el álbum la canción que le da título, "Trampas", y sus arreglos de cuerda ya nos vaticinan que no va a ser el típico trabajo de cantautor repetitivo y monótono. Podemos encontrar rock, pop, sonidos näif... Todo un mundo de música con mayúsculas destinado a prevalecer. 

No es un disco efímero y de una sola escucha. Cuanto más se oye más secretos vamos descubriendo, más cajoncitos abrimos en cada una de las canciones y más prisionero estamos en el universo único de Vanesa Martín.

"En las letras canto a verdades. Verdades comunes, cosas que vivimos en primera persona o que nos tocan de cerca, sentimientos que cualquier ser humano ha experimentado. Canto al amor pero no sólo de pareja, al desamor, a las cosas que me inquietan, abriendo la temática y avanzando quizá un poco más en el camino de la crítica, a la superficialidad e indiferencia ante ciertas hechos que ocurren en nuestras narices. Canto con rabia pero también con ternura, con nostalgia y con pasión, canto susurrando y a veces haciendo locuras ... En definitiva, canto a la vida y al aire que nos mantiene, porque eso es sentir y lo hago queriendo acercarme al vértigo de las sensaciones", añade la malagueña.

"Trampas" es el fruto de tres años de trabajo y en él se reflejan muchas ilusiones, sueños y superaciones pero, sobre todo, del talento de una artista que está llamada a ser de las más grandes de nuestro país. Y si no, al tiempo.

Es respetada por los artistas, que le piden canciones sin parar, por un público que, a pesar de lo intermitente de su presencia en los medios, la sigue fielmente.

"Resumiendo, un disco para meterse de lleno en él y hacerlo tuyo.
Un disco descarado, intenso y caprichoso. Ahí quedan mis trampas". (Vanesa Martín).

 

VANESA MARTÍN - "AGUA" (ESPAÑA - 2006)

La malagueña Vanesa Martín consiguió su primera guitarra a los seis años y desde entonces ha tenido muy claro que su vocación era la música. Reconoce que estuvo a punto de estudiar Biología Marina, pero cambió de idea por Magisterio de Música. A sus 26 años ha editado su primer trabajo discográfico "Agua" (2006), producido por Carlos Jean y en el que ella misma compone las 12 canciones.

Vanesa Martín es una de las más importantes cantautoras que existen en la geografía española, y desde que comenzó en el panorama musical no ha dejado de enamorar con su música.

La malagueña escoge el nombre de "Agua" para el álbum porque considera que la música "es como el agua, que se va colando por todos los rincones y no tiene barreras que la detengan". El álbum habla de diferentes experiencias, a Vanesa le gusta transmitir sentimientos. Además, critica algunos valores de la sociedad: "estamos viviendo un poco deprisa, hay que saborear un poco las cosas. No tenemos que ir por la vida a semejante velocidad", comenta la joven andaluza.

El estilo de Vanesa Martín fusiona una producción simple, en la que habitualmente su voz y la guitarra clásica son las protagonistas, con letras que tratan desde los problemas personales del día a día hasta el desamor.

"Agua" fue un trabajo que, sin contar con un gran respaldo publicitario, fue muy bien recibido por la crítica.

SIERRA MAESTRA - "RUMBERO SOY" (CUBA - 2002)

"Rumbero Soy" es el nuevo álbum eléctrico de Sierra Maestra que amplía los horizontes del son tradicional,  un álbum desenfrenado con el que celebran sus veinte y cinco años de éxitos.

Grabado en La Habana y Burdeos con miembros más jóvenes y nuevos talentos de la fábrica de músicos de Cuba, las canciones presentes en el álbum ofrecen un sonido innovador a los temas de soneros legendarios.

La alegría que transmite este álbum se siente a través de cada nota, donde la pasión es palpable.

Para una banda como Sierra Maestra, con una larga historia y reputación, (no en vano eran fuente de inspiración para muchos músicos cubanos, incluyendo el grupo Cubanía de Jesús Alemañy, ex miembro de Sierra Maestra), "Rumbero Soy" suena fresco, positivo, joven y lleno de energía.

 "Rumbero Soy" cuenta con la participación de invitados muy especiales como Ibrahím Ferrer, Omara Portuondo y Marc Ribot.

SIERRA MAESTRA - "SONANDO YA" (CUBA - 2010)

Sierra Maestra se funda en la segunda mitad de los años '70 para imprimir un nuevo sello a la enorme tradición musical cubana de los años '20 y '30 del pasado siglo, cuando el son -nacido también en la región oriental de Cuba- llegaba a su pleno apogeo. El grupo se integra por talentosos músicos, partiendo de un formato que incluye tres, guitarra, trompeta, bongó, güiro, maracas, clave y voz.

A partir de 1978 sus éxitos acaecieron constantemente representando a la música tradicional cubana. En 1981 realizan su primera grabación discográfica titulada "Sierra Maestra" y llegó con "El Guanajo Relleno", convirtiendo el álbum en "Disco De Plata" por el alto nivel de ventas alcanzado y la gran popularidad de que se había hecho acreedora la agrupación.
Al año siguiente graban su segundo álbum "Y Son Así" y se presentan en escenarios diversos para promover la música tradicional cubana con un sonido muy contemporáneojóvenes cubanos. En 1983 ganan en su país el "Premio Benny Moré" de música popular bailable y participan en el IV Festival De La Canción" en Helsinki, Finlandia.

También Suecia, Francia y España fueron plazas artísticas conquistadas por Sierra Maestra. Ese mismo año, el tema "A Los Rumberos De Belén" se convierte en la banda sonora de la película "The Milagro Beanfield War", de Robert Redford.

El son, la guaracha y la rumba de Sierra Maestra, por su calidad incuestionable, lograron imponerse en Europa, África, Asia y los Estados Unidos. La agrupación ha grabado más de diez discos y su trabajo aparece en varias compilaciones de los temas más significativos de la música tradicional cubana. Fueron protagonistas del documental "Salsa", con guión de Jean-Claude Carriére y dirección de Joyce Buñuel, que fue un gran éxito en Francia cuando se presentó en el año 2000.

Sierra Maestra, integrada por nueve músicos de maestría insuperable, ha tenido la buena ventura de contar con la voz de falsete de José Antonio "Maceo" Rodríguez, y durante muchos años fue Juan de Marcos González su director musical. Sierra Maestra es considerado como uno de los mejores grupos de son cubano de todos los tiempos.

En "Sonando Ya" destaca, por encima de todo, el son cubano tradicional, con las trompetas, las guitarras y el tres como elementos instrumentales principales.

SIERRA MAESTRA - ¡DUNDUNBANZA!" (CUBA - 1994)

Sierra Maestra es una de las bandas líderes del son cubano, y fue fundamental en el renovado interés por el género a finales de los '70 y '80. Sierra Maestra también es bastante conocida por ser la banda que lanzó las carreras de Juan de Marcos González y Jesús Alemañy, dos de las figuras más importantes en el desarrollo de la música cubana en los años postreros del siglo veinte.

Sierra Maestra destacó desde sus incios, (finales de 1970), por las voces soneras, las descargas en la trompeta y el tres, su candente sección ritmica y por sus arreglos muy creativos, basados en un profundo conocimiento del son tradicional.

Sierra Maestra revitalizó la tradición cubana al crear un estilo bailable, dinámico y moderno para la juventud sonera, empleando la instrumentación legendaria del son de las décadas de los años '20 y '30: el tres, la trompeta, los bongoes, la guitarra, el bajo, las maracas y la clave.

"¡Dundunbanza!", dedicado al legendario compositor y músico Arsenio Rodríguez, fue grabado en 1994 con los músicos originales de Sierra Maestra quienes, durante dos décadas, llevaron el son cubano por el mundo. Varios de los músicos que participan en este disco abandonaron la agrupación para lanzar sus propias carreras. Tanto el trompetista Jesús Alemañy, fundador de Cubanismo, y Juan de Marcos González, quien fundó los Afro Cuban All Stars y participó notablemente en el Buena Vista Social Club, ya son figuras consagradas en la música caribeña.

LOS SUPER SEVEN - "HEARD IT ON THE X" (USA - 2005)

"Heard It On The X" es algo así como un homenaje, (en espíritu, al menos), a las estaciones de radio de la frontera de México y Texas en la década de los '50 y '60. Las emisiones de estas estaciones  alcanzaban a los Estados Unidos gracias a unos transmisores de 500.000 vatios, y es justamente ahí donde Los Super Seven idearon una mezcla de mariachi, rock y blues.

"Heard It On The X" cuenta con una amalgama de músicos de rock que van desde miembros de Calexico y Charlie Sexton, hasta músicos de Texas tales como Lyle Lovett, Joe Ely, Delbert McClinton, Clarence "Gatemouth" Brown y el cantante de raíces cubanas Raúl Malo.

El álbum juega con diversos estilos y géneros a través del country blues, el mariachi clásico, ("Cupido") y las baladas del rock & roll de los '50, ("Talk To Me") en un claro guiño a la radio fronteriza.

Todos encaja perfectamente hasta convertirse en un fascinante caso de estudio sobre la mezcla musical del suroeste de Estados Unidos.

LOS SUPER SEVEN - "CANTO" (USA - 2001)

En la segunda experiencia discográfica de Los Super Seven, el enfoque cambia las influencias Tex-Mex a los ritmos más africanos, caribeños y de América del Sur. Junto a David Hidalgo y César Rosas (Los Lobos), Rick Trevino, y Rubén Ramos, en "Canto" participa el vocalista Raúl Malo, que hace honor a sus raíces cubanas con una rica versión de la balada de Ernesto Lecuona "Siboney", y de otra versión muy cadenciosa de "Me Voy Pa'l Pueblo" de Beny Moré.

El cantante de música country, Rick Trevino, prueba su temple a través de una versión vigorizante  de "Paloma Guarumera" de Alfredo Gutiérrez, y otra versión igualmente contagiosa de '"El Que Siembra Su Maíz", del Trío Matamoros.

Por otro lado, la diva peruana Susana Baca ofrece con delicadeza la canción de cuna "Drumi Mobila", y la leyenda brasileña Caetano Veloso cambia engranajes y deja su sello con su elegante "Anything", "Os Mutantes" y la igualmente delicada "Baby".

Otros cortes significativos que incluyen este animado álbum de Los Super Seven,"Canto", son "Compay Gato," "Teresa" y "Campesino", en homenaje a los trabajadores agrícolas mexicanos. Mención aparte merece el tema "Calle Dieciséis",  la historia de un hombre que mira su vida en retrospectiva en medio de la bruma y la guitarra de David Hidalgo, y la voz quebrada de Rubén Ramos. "Canto" fue nominado para el Premio Grammy 2002 al "Mejor Álbum Tropical Tradicional".

LOS SUPER SEVEN - "LOS SUPER SEVEN" (USA - 1998)

Los Super Seven ganaron el Grammy 1999 a la "Mejor Interpretación de Música México-Americana" y también fueron nominados a la "Mejor Grabación". Los Super Seven, (que comparten dos talentosos miembros del grupo Texas Tornados), es un caso convincente de lo último en bandas Tex-Mex.

Los Super Seven se unen con Freddy Fender y "Flaco" Jiménez (Texas Tornados), con Joe Ely y Rick Trevino (procedentes del country tejano), David Hidalgo y César Rosas (Los Lobos), -ideólogos del proyecto- y el vocalista Rubén Ramos y es aquí donde arman un tributo a sus raíces musicales colectivas.

Aunque aquí  hay algunas composiciones originales, la atención se centra en las melodías y las tradiciones musicales del Tex-Mex . Los Super Seven traen un disco lleno de canciones populares acústicas, cantadas en español por un grupo de músicos relativamente de culto. Con este álbum, grabado en Cedar Creek, (Austin, Texas), el grupo se aseguró un lugar en el panorama musical.

La banda la conforman: David Hidalgo, (voz, guitarra, batería, bajo, percusión, requinto, hidalguera); Rick Trevino y Joe Ely, (voz, guitarras); "Flaco" Jiménez, (voz, acordeón); César Rosas (voz, bajo de seis cuerdas, guitarra, guitarrón, jarana); Freddy Fender, (voz, bajo acústico); Rubén Ramos, (voz).

Músicos adicionales: Joel Guzmán, (voz, percusión, acordeón, piano, órgano, coros); Doug Sahm, (voz); Campanas De América (violín, trompeta, jarana, guitarrón, coros); Megan Levin, (arpa); Ricardo Ramírez, (bajo acústico); Max Baca, (bajos de cuatro y de seis cuerdas, tambores, coros); Gilbert Isais, (bajo eléctrico); Sarah Fox (coros).

JUAN LUIS GUERRA & 4.40 - "BACHATA ROSA" (REP. DOMINICANA - 1991)

Con este álbum, Juan Luis Guerra & 4.40 levantaron en 1991 el interés internacional del género musical dominicano de la bachata, el cual previamente había sido estigmatizado como la música de los pobres del país, tenía muy poca representación en la radio y en los medios de comunicación comerciales. El álbum "Areito" de 1992, incluyó canciones como "El Costo De La Vida" que explícitamente llamó la atención a los problemas de los pobres y a los abusos del capitalismo.

Aunque Juan Luis Guerra se convirtió en un músico con consciencia social, su música es siempre bailable, mezclando ritmos dominicanos y caribeños con poesía lírica, que va desde el comentario social hasta el amor.

"Bachata Rosa" marcará el punto más álgido de la carrera de Juan Luis Guerra, vendiendo unas 5 millones de copias en todo el mundo. "Bachata Rosa" le hizo llenar estadios y coliseos en diferentes países de Latinoamérica y Europa, elevando al álbum a la categoría de obra maestra.

Con este álbum, Guerra obtiene su primer "Grammy" y da a conocer el ritmo popular de la bachata, hasta entonces limitado al territorio dominicano. La mayoría de las canciones de esta producción, hoy son clásicos de la música latina. "Burbujas De Amor", "Estrellitas Y Duendes", "La Bilirrubina", entre otros, dieron la vuelta al mundo.

JUAN LUIS GUERRA & 4:40 - "OJALÁ QUE LLUEVA CAFÉ" (REP. DOMINICANA - 1990)

Juan Luis Guerra es posiblemente el más importante músico tropical-latino de finales de los siglos XX y XXI. "Ojalá Qué Llueva Café" es a la vez su primera obra maestra y el álbum que le lanzó al estrellato. Guerra y la Orquesta 4:40 ya habían realizado tres grabaciones antes de "Ojalá Qué Llueva Café" de 1989. Por aquel entonces ya se aventuraba algo, pero el salto de calidad con "Ojalá Que Llueva Café"  es realmente sorprendente.

El papel de 4:40 para Juan Luis Guerra se define aquí como un apoyo. De hecho, es en este álbum donde 4:40 no sólo se da a conocer al mundo sino que, indiscutiblemente, catapulta a Guerra como un gran escritor, compositor y cantante.

De la trilogía de álbumes con la que el dominicano ganó reputación, "Bachata Rosa" (1990), y el ambicioso "Areito" (1992), -el menos conocido relativamente- "Ojalá Qué Llueva Café" es posiblemente el mejor de todos ellos al tener más variedad estilística que "Bachata Rosa" o "Areito". "Ojalá Qué Llueva Café" también se puede considerar el responsable de la euforia desenfrenada por el merengue y la bachata en el mundo en general, músicas que se hubieran quedando en el olvido de no haber surgido el fenómeno"Ojalá Qué Llueva Café". 

Curiosamente, al igual que Rubén Blades con la salsa y Bob Marley con el reggae , el enfoque que le da Juan Luis Guerra & 4:40 a la música popular dominicana no es exactamente que el de un purista. Lo que hizo que su música sea tan especial es su capacidad para llegar al público a través de los ritmos de baile tradicionales, con arreglos modernos e imaginativos y letras igualmente hábiles para el romance, la fiesta, la espiritualidad y las preocupaciones sociales o políticas.

Nada de esto importaría o habría sucedido, si no fuera por el extraordinario lote de canciones que componen este álbum. "Ojalá Qué llueva Café" es una explosión de alegría de vivir, ritmos irreprimibles, melodías hermosas, letras en movimiento y entusiastas interpretaciones vocales e instrumentales.

Pocos discos pueden presumir de renovar  la música dominicana de una manera sin precedentes. El álbum presentó al mundo el ritmo del merengue en la voz de Juan Luis Guerra, derribó fronteras y unió las lenguas en su misión de llevar la felicidad a todo el planeta .

CHAVELA VARGAS - "EN CARNEGIE HALL" (MÉXICO - 2003)

Estamos ante un nuevo disco de Chavela Vargas, la grabación en directo del concierto que dio el 15 de septiembre de 2003 en el Carnegie Hall de Nueva York. 

La presentación de este concierto la hace Salma Hayek, protagonista de la película "Frida" cuya banda sonora, ganadora del Óscar en 2002, incluye el tema de Chavela "La Llorona". 

Con este concierto, Chavela alcanzó la cúspide de su carrera.Nunca había cantado así. La fuerza y la presencia que tiene en el escenario hizo que, en su debut en el Carnegie Hall, más de 2500 personas la aclamaran.

UB40 - "GETTING OVER THE STORM" (REINO UNIDO - 2013)

"Getting Over The Storm" se trata del vigésimo álbum en la carrera de esta formación que pone fin a tres años de silencio desde la publicación de "Labour Of Love IV" (2010).

 Junto al nuevo material, la banda de reggae ha incluido en esta ocasión algunas versiones de temas country. "Hemos pasado mucho tiempo en Jamaica y la música country es parte de ellos. Es una música verdadera, de raíces, como el reggae. Los dos géneros se entrelazan perfectamente" ha explicado Brian Travers, saxofonista de la banda. "Pero no es un disco de country", aclara Robin Campbell. "Es un disco de UB40. Un disco reggae. Sólo hemos incluido algunas versiones de canciones country".

"Blue Eyes Crying In The Rain" es el primer sencillo que presenta "Getting Over The Storm". Como con todos los discos de UB40 desde "Who You Fighting For" (2005), todos los temas se grabaron en directo en el estudio. Entre las versiones figuran "On The Other Band" de Randy Travis, "Getting Over The Storm" de George Jones, "He'll Have To Go" de Jim Reeves, "Blues Eyes Crying In The Rain" de Willie Nelson e "If  You Ever Have Forever In Mind" de Vince Gill.

A la hora de sonorizar, la banda trabajó con Melvin Duffy, uno de los mejores guitarristas de steel pedal. Este es el segundo disco de UB40 donde Duncan Campbell es el cantante principal, y lo hace desde el 2008 cuando reemplazó oficialmente a su hermano Ali Campbell al frente de la banda.

UB40 - "PROMISES AND LIES" (REINO UNIDO - 1993)

"Promises And Lies" es el álbum de la banda  británica de reggae UB40. El álbum, publicado en 1993, incluye la banda sonora de la película "Silver", también lanzada ese mismo año con un gran éxito.


El single "Can't Help Falling In Love" , originalmente de Elvis Presley, catapultó el álbum de las promesas y las mentiras de UB40, consiguiendo vender más de 9 millones de copias en todo el mundo.


No es coincidencia que los más grandes éxitos y las canciones más aplaudidas de UB40 hayan sido sus fusiones de reggae-rock con canciones clásicas: "Red Red Wine" de Neil Diamond; "I Got You Babe" de Sonny & Cher; "Homely Girl" de The Chi Lites;  "I'll Be Your Baby Tonight" de Bob Dylan, y así sucesivamente.


"Promises And Lies" es para Campbell, líder de la banda, el mejor álbum del grupo. Una colección de canciones adornadas con buenos arreglos, de cadenciosa herencia jamaicana sobre un recubrimiento pop, que le han permitido a la banda de Birmingham disparar ventas y disponer de un reconocimiento masivo.

 

 

 

 

ARMANDINHO - "SOL LOIRO" (BRASIL - 2013)

El último álbum de Armandinho "Sol Loiro", ha repercutido positivamente entre los críticos y el público y es, probablemente, uno de los mejores en la todavía corta carrera del músico.

"Sol Loiro"  revela la búsqueda de la propia identidad musical del cantante. Siempre relacionado con el reggae, el nuevo álbum se arriesga a otros ritmos musicales, mezclando el hit jamaicano con  la música negra y las guitarras rockeras. "El reggae es mi mayor referente musical, pero siempre trabajo para que crear un estilo propio", asegura.

"Sol Loiro" es un álbum fresco y gran parte de esa frescura se debe a la formación que acompaña a  Armandinho tanto en el estudio como en las actuaciones en directo: João Coiote y Luciano Granja en las guitarras, Lucio Dorfman en los teclados, Peter Port en el bajo, Marcio Pexi en la batería y "Gordo" Lopes en la percusión.

Armandinho  revela que, como en la vida, ser un músico independiente requiere calma y tranquilidad.  "Gestionar una carrera y todo lo que incluye los procesos de aprendizaje, sin duda, son constantes", añade. Para el músico brasilero, esta etapa de su carrera se puede comparar con la infancia porque "no siempre es fácil dar los primeros pasos", comenta.


Armandinho es un tipo que está al día y para él la televisión, la radio y, en especial, las redes sociales son indispensables para llegar al público. "La televisión y la radio te mantienen cerca de la opinión pública, pero las redes sociales son la clave", dice. Armandinho es uno de esos genios independientes de la música brasileña que tuvo en las redes sociales un trampolín hacia el éxito.

MONGORAMA - ''BAILA QUE BAILA'' (USA - 2013)

El legendario productor radial mexicano José Rizo, afincado en la efervescente Costa Oeste de los Estados Unidos, (Los Ángeles), regresa con su nuevo proyecto discográfico Mongorama, su tributo al gran percusionista cubano Mongo Santamaría. "Baila Que Baila" es su segunda entrega de esta colección que empezaría con "Mongorama" (2011) -nominado a un Grammy al "Mejor Álbum Latino Tropical" del 2012-. José Rizo es, además, el creador del majestuoso ensamble Jazz On The Latin Side All Stars, agrupación con la cual ha publicado tres magníficos discos hasta la fecha, y la cual vio su nacimiento en la celebración del décimo aniversario de su programa radial "Jazz On The Latin Side".

"Baila Que Baila" viene cargado, como su predecesor, de una calidad inigualable y con piezas originales como "La Princesa", compuesta por el pianista Óscar Hernández a manera de danzón, (Spanish Harlem Orchestra), "Chicana Mía", del mismo José Rizo y con un solo demencial del mismo Hernández al piano y de Danilo Pérez en la flauta, "Say Yes To Love" del guitarrista Kenny Burrell y algunos covers como "Suavecito", de la mítica banda Malo – arreglo en charanga con la acertada vocalización de Destani Wolf- y "Puro Teatro" de la Lupe.

"Baila Que Baila", vocalizado por el joven James Zavaleta, tiene un solo en la flauta del cubano Danilo Pérez; "Son Wambarí", presenta al conguero estrella "Poncho" Sánchez; mientras la salsa "Ta' Bueno" -vocalizado por James Zavaleta- es una gran descarga que presenta en los solos a Ramón Banda en los timbales, Dayren Santamaría en el violín y cerrando al colombiano Justo Almario en el solo de saxofón tenor.

JOE BONAMASSA & BETH HART - "DON'T EXPLAIN" (USA - 2011)

Joe Bonamassa es un músico imparable que no se detiene en su proceso de composición y edición de discos de una factura envidiable. En este álbum se une a la cantante Beth Hart y lanzan juntos "Don't Explain", un disco rebosante de buen soul y blues.

Todo comenzó Bonamassa invitó a Beth Hart a colaborar con su voz en uno de los cortes del álbum "Dust Bowl", "No Love On The Street", colaboración en la que nació una buena onda que se materializó con la producción de un proyecto juntos, que se guió por las líneas del soul y el blues, logrando una relación de provecho entre el virtuosismo medido y bluesrocker de Joe Bonamassa y el grueso y emotivo registro vocal de Beth Hart. Era cosa de sumar uno más uno. El resultado: "Don't Explain", una fórmula que basta escuchar el álbum una sóla vez  para quedar prendados de él.

Diez nuevas lecturas de canciones clásicas del repertorio soul y blues son las que contiene "Don't Explain", iniciando con una versión blue de "Sinner's Prayer", original de Ray Charles, seguida por una potente y electrificada  "Chocolate Jesus" de Tom Waits, un cover tremendamente bien logrado en que el riff toma ese peso característico de la guitarra de Bonamassa.

Una de las primeras muestras de la gran interacción y relación de las cuerdas orgánicas de Beth con las metálicas de Joe Bonamassa, se trata de su versión de "Your Heart Is As Black As Night" de la talentosa Melody Gardot, una versión que sorprende y encanta.

En el tracklist aparecen también "For My Friend" y el corte que bautiza el álbum "Don't Explain" de la gran Billie Holiday. Beth Hart sobrevive muy bien al intento de versionar a Billie Holiday. El escalón más alto del álbum es "I'd Rather Go Blind" que llenó de éxito a Etta James a finales de los '60, un corte que elevó a Beth Hart y a Joe Bonamassa y en donde se marcan una tremenda versión. Un cover de más de ocho minutos de duración. Hart y Bonamassa demuestran su gran pasión por el blues con esta versión en que las frecuencias se transforman en lamentos y belleza. También de Etta James es "Something's Got A Hold On Me" que también aparece en el disco. Beth, por momentos, nos recuerda a Janis Joplin y no es extraño si es ella es una de las mejores cantantes del último tiempo.

"I'll Take Care Of You" de Gil Scott-Heron, es  una versión muy blusera e intensa. El corte con el que se inició el trabajo promocional de "Don't Explain" es "Well, Well" de Delaney & Bonnie, un rock en el que podemos escuchar por primera y única vez a Beth Hart y Joe Bonamassa cantando juntos, lo que funciona muy bien.

Cierra el álbum "Ain't No Way" de Aretha Franklin, un inspiradísimo, emotivo y etéreo corte que corona el álbum en las nubes.

"Don't Explain" es simplemente un disco genial, un trabajo acertadísimo. La unión del talento vocal de Beth Hart y la potencia guitarrera de Joe Bonamassa arrojaron un fruto que roza la perfección.

NIRVANA - "UNPLUGGED MTV" (USA - 1994)

"Unplugged MTV", fue grabado el 18 de Noviembre de 1993 y lanzado el mismo mes de 1994, meses después del suicidio sobradamente conocido de Kurt Cobain. Se convirtió en un enorme éxito  e instauró la serie MTV Unplugged. Fue aclamado por toda la crítica pues, (aunque de manera postuma), supuso la confirmación absoluta de Nirvana como una banda importantísima que podía trascender fácilmente el sonido grunge que ellos mismos habían llevado a la cima. Contrariamente, el propio Cobain afirmó repetidamente antes de morir, su pesar y su arrepentimiento por haber grabado este directo debido al cambio de estilo de la banda.
Por aquel entonces, Nirvana era la banda de rock más popular del planeta, todo un icono de la generación MTV que se había ganado a un público joven con su música intensa y enérgica, su grunge ruidoso y su pesimista visión de la vida.

Tras los méritos de este directo, (y no tras la triste y misteriosa muerte de Cobain), la crítica ya afirmó  unánime y rotundamente el valor de Nirvana como una banda que cambió la historia de música. Los de Seattle adaptan sus canciones a un nuevo formato, innovador, alejado de la versión extrema al que nos tenían acostumbrados. Destacan el aspecto íntimo y menos ruidoso, la batería o el acompañamiento de cuerdas en varias canciones más bajo, más suave.

Todo ello hace resaltar el talento de Kurt Cobain para escribir canciones con mayúsculas. Aquí se presenta soberbio, aunque continuamente parezca que vaya a romperse en dos; es el arquetipo de artista maldito, a punto del colapso que anticipa tristemente su muerte cinco meses después. El propio Cobain, se encargó que la decoración del plató fuera un símil de un velatorio, lleno de velas, flores y luces tenues.

El listado de canciones fue muy bien elegido. Comienza rescatando uno de sus primeros temas "About A Girl", (lanzado como single del álbum), y no faltan "Come As You Are", "All Apologies" o "Polly". Entre las versiones, aparecen "The Man Who Sold The World" de Bowie,  y "Where Did You Sleep Last Night?", una canción tradicional folk estadounidense que Cobain interpreta de un modo sorprendentemente desgarrador.

Si bien es cierto que los ensayos fueron complicados y algo tensos, la actuación salió a pedir de boca, el álbum fue un éxito y ganó un premio Grammy al "Mejor Álbum de Música Alternativa" en 1996.

  

TEXAS - "THE CONVERSATION" (ESCOCIA - 2013)

"The Conversation" (PIAS) -nueva compañía discográfica de la banda- es el primer álbum de estudio de Texas desde "Red Book" (2005). Sharleen Spiteri: "Cuando empezamos a hablar con PIAS nos quedamos impresionados por su entusiasmo y pasión por nuestra música y por cómo trabajan, de una forma muy moderna y apoyando al artista... Estamos muy emocionados de empezar una nueva fase de nuestra carrera con nuestro octavo álbum de estudio y una nueva compañía discográfica".

 El octavo álbum de Texas, cuenta con composiciones de la cantante y guitarrista Sharleen Spiteri y el bajista Johnny McElhone e incluye colaboraciones de Richard Hawley y Bernard Butler.

 Grabado en Glasgow, Londres y en el estudio de Richard Hawley en Sheffield, donde se registraron siete canciones que forman la médula espinal de "The Conversation": "un matrimonio perfecto entre los adornos de rock'n'roll de los años 50 de Hawley y el magnetismo atemporal de Texas para atrapar sólidas melodías".