La cantautora guatemalteca ha publicado recientemente "¡Spangled!" (2019), su sexto disco de estudio, una producción en la que contó con la colaboración del músico, compositor, arreglista y productor estadounidense Van Dyke Parks, y con el que trabajaron tres temas en inglés, dos en español y dos en portugués.
Gaby Moreno comenzó con la promoción de "¡Spangled!" en julio de 2018 y presentó el primer sencillo de la producción titulado "The Immigrants", un tema que expone lo que sucede en la actualidad en EE. UU. y con el que muestra su apoyo a los migrantes.
"¡Spangled!" es un disco muy latino y, a la vez, muy clásico que incluye ritmos de joropo, vals, bolero, bossanova, tropicalia y un poco de rock.
La idea de este disco es celebrar la migración de las canciones a través de las Américas.
El primer disco de la banda de Austin, (Texas), Jamestown Revival, formada por Jonathan Clay (guitarra y voces), y Zach Clay (piano y voces), aparecido en 2014 bajo el nombre de "Utah", pasó totalmente inadvertido. Extraño es que no se conociera antes a esta banda que define su sonido como "Souther & Garfunkel", un sonido folk-rock clásico con voces deliciosas y melodías exquisitas que ellos definen a la perfección como "back-porch-folk-rock".
Estamos sin duda ante uno de los discos más bonitos y placenteros del año. Un tesoro absoluto. Minimalista, pausado y con suma clase nos lleva en volandas al bosque de San Isabel, en Colorado. Imaginándonos esas canciones crudas sonando por primera vez en un vieja cabaña de madera al calor de la lumbre. Once temas que brillan por sí solos y que en conjunto forman un sonido folk maravilloso que rememora los sesenta, con Simon y Garfunkel en el retrovisor, con CSN en la mente y, como nos muestran en su magnífica versión del mítico "California Dreaming", con un guiño a The Mamas & The Papas.
La maravillosa "Crazy World" abre un disco que enamora desde su portada. Un medio tiempo campestre, banjo incluido. Las preciosas voces, que nos acompañarán durante todo el disco, empastan a la perfección dando unos matices que nos hacen erizar el vello. Esa voces que sin remilgos enseñan su pasión por Mr. Garfunkel en "This Too Shall Pass", sin duda una de las canciones superlativas del disco. Simplemente de diez.
El country de "Killing You, Killing Me" es perfecto. Sensacional. Ryan Adams mataría por volver a crear una canción de este nivel. A ritmo de vals llega "Who Hung The Moon" que nos derrite el alma, mientras que "Something That You Know" es un balada de esas de rompe y rasga que enamora. Otro de las canciones destacadas del disco es "Round Prairie Road"... Y así podríamos estar hablando hasta el fin de los días de lo bonitas que son estas canciones, pero sería repetirse en exceso.
"San Isabel" se corona como uno de los discos más bonitos del año.
Una espectacular y agradable sorpresa.
Durante dos décadas, la cantante y compositora mexicana Lila Downs ha presentado diferentes estilos musicales dándole un enfoque global a la música que procede de las Américas.
Lila Downs, nacida en Oaxaca y criada en Minnesota, ha pasado su carrera recalcando las diferencias entre las culturas latina y anglosajona, e interpretándolas a través de varios idiomas, (mixteco, inglés, español y zapoteco), y ha tratado con solvencia múltiples estilos musicales que van desde las cumbias y las rancheras hasta el jazz, el folk, el hip-hop incluso el blues. "Al Chile" (2019), se grabó en la Ciudad de México, Brooklyn, Oaxaca y en una granja en Juchitán de Zaragoza. Musicalmente, es un proyecto muy ambicioso y diferente a lo que Lila Downs nos tiene acostumbrados.
Producido por Camilo Lara y mezclado por Mario Caldato, Jr., los sonidos del disco se adentran en el pop latino urbano sin renunciar a las raíces populares. Más de 180 músicos participaron en estas sesiones, incluyendo varias orquestas regionales como La Banda Misteriosa de Oaxaca, especializada en invención rítmica y armónica. Norah Jones y el cantante chileno Gepe también fueron invitados.
"Al Chile" (2019), es una de las grabaciones más aventureras de Lila Downs. Gracias a la selección de Camilo Lara como productor, también es una de las más agradables y polifacéticas. Lo más probable es que, dado su sabor, diversidad y reflejo de los tiempos en que vivimos, resonará con brío y simultáneamente tanto en ambientes rurales como urbanos.
Algunos vagabundos nacen para correr. Luke Winslow-King nació para vagar.
Eso es lo que nos dice en la canción que da título a "Blue Mesa" (2018), su sexto álbum y cuarto desde 2013 con el sello Bloodshot. Los lugares donde grabó el álbum pasaron desde Lari y Lansing a Michigan, Nueva York y Nueva Orleans. Son indicadoresde su pasión por los viajes.
Winslow-King aún no se ha sacudido de los vestigios de la ruptura que dominó las canciones de "I’m Glad Trouble Don’t Last Always" (2016). Canciones como "Thought I Heard You", "Blue Mesa" o "Better For Knowing You" muestran que un álbum no fue suficiente para cerrar el capítulo sobre este inquietante evento.
El rock-blues basado en una guitarra que sustenta la mayoría de las canciones en este disco de 40 minutos, junto con su voz emocional, son el vehículo apropiado para expresar su descontento romántico. Cambia del vals "Break Down The Walls" a la dramática "You Got Mine" con facilidad y a las eléctricas "Thought I Heard You" y "Leghorn Women, con la autoridad de un tipo que ha estado mezclando blues con folk, rock y música basada en Nueva Orleans durante la mayor parte de su carrera discográfica. En la animada y juguetona "Chicken Dinner", mantiene el humor ligero.
Las melodías memorables de Luke y sus músicos de acompañamiento, mantienen el ritmo enérgico, eléctric e inmediato. Mira hacia adelante con la esperanza de días más brillantes en el ritmo sonriente y retumbante de "After The Rain", donde dice "Después de la lluvia todo estará claro ... todo estará bien después de la lluvia".
En "Blue Mesa", Luke Winslow-King reflexiona sobre sus fortalezas, debilidades y la necesidad de seguir avanzando con la integridad lírica y musical de un hombre con el corazón roto que entiende el camino que quedó atrás.
Sam Lewis aparece en escena con "Loversity" (2018), su tercer álbum después de "Waiting On You" (2015). Él mismo se encargó de la producción del álbum y lo está lanzando con su propio sello, Loversity Records. Lewis grabó la mayor parte del álbum. Un trabajo que fue escrito en un tiempo de año y medio en Southern Ground Studios, en Nashville, con el ingeniero Brandon Bell.
El artista de Nashville ha recorrido el país varias veces con músicos de renombre, como Los Lobos o Chris Stapleton. Es posible que reconozca sus cálidas y dulces dotes vocales gracias a sus colaboraciones con Kacey Musgraves y John Prine o los Wood Brothers.
Congregando múltiples influencias basadas en melodías sinceras, Lewis tiene una perspectiva tan prometedora en el mundo de la cultura americana que incluso Stapleton ha declarado que lo avala como un "Townes Van Zandt moderno".
Que escriba con la misma finura métrica que el legendario compositor está en debate, pero lo que es seguro es que Lewis es una ayuda muy necesaria para alimentar el alma en estos tiempos divisivos. Sus canciones avanzan con la certeza de que los oyentes serán llevados del punto A al B sin demasiada intervención intermedia, pero lo que tiene que decir es tan necesario como inevitable.
Brandi Carlile es una compositora autodidacta y cantante norteamericana que ha sido encasillada en diferentes estilos que, por cierto, están bien recogidos en este álbum. Pinceladas de country, folk rock, indie-rock… un poquito de sal, aceite y vinagre para hacer una gran ensalada.
Nacida en el estado de Washington en 1981, es una virtuosa de la guitarra y el piano y, aunque aquí pueda no sonarnos su nombre, en Estados Unidos tuvo una década de los 2000 bastante intensa. Y sigue en la cresta de la ola.
Brandi Carlile firma con Columbia en 2004 y publica su primer trabajo en 2005.
Con su segundo trabajo logra acceder a una plataforma musical relevante por aquel entonces: Anatomía De Grey. Tras lanzar "The Story" (2007) logra colar hasta tres temas (de su primer álbum, homónimo, publicado en 2005), "Tragedy", Throw It All Away" y "What Can I Say".
Carlile ha girado con artistas como Chris Isaak, The Fray, Maroon 5 o One Republic y desde los primeros momentos ha tenido a la crítica de su parte.
Ha colado temas entre los 10 primeros del Billboard y ha estado nominada a los Grammys… Carlile no es una principiante.
Lo cierto es que trabajos limpios como éste entran a la primera por los oídos, con una producción intachable y un trabajo de fondo que se ve a la legua. Folk-rock para todos los públicos.
Se trata del sexto trabajo de estudio de la americana. Junto a estos, hay que destacar su directo en Benaroya Hall de 2011 o el álbum de versiones sobre sus temas que se publicó a beneficio de War Child en 2017, con colaboraciones como las de Adele y Pearl Jam.
Música de altura, capturada con sencillas melodías y unos trazos cuasi intangibles que hacen de este disco un gran descubrimiento para el tramo medio del invierno. Pero será un disco para todo el año.
Después de comenzar como una artista de pop latino bastante anodino, Mon Laferte encontró el éxito de la crítica y comercial cuando decidió incorporar a su composición la música tradicional mexicana. Para "La Trenza" (2017), desvía la atención de su patria adoptiva a los sonidos que escuchó mientras crecía en Chile. La canción que abre el álbum "Pa' Dónde Se Fue" funciona como una declaración de intenciones a modo de charango, y el ritmo de la quena se complementa pronto con guitarras eléctricas y una sección de metales que termina dando la bienvenida a un mariachi . Una actuación vocal poderosa, característica de Laferte, y letras reflexivas sobre un padre ausente completan uno de los muchos puntos álgidos del disco.
Sin embargo, enseguida se hace evidente que Laferte está más interesada en ofrecer algo para todos que en ir en una dirección completamente nueva, ya que el álbum combina inteligentemente los ritmos peruanos o la cumbia con el bolero, el ská, la ranchera, el pop y las baladas. Los tres dúos estelares incluidos son todos temas clave que ilustran perfectamente el gran diseño de Laferte: "Cielito De Abril", un tema acústico con su compatriota Manuel García, "Mi Buen Amor", una arrolladora ranchera con Enrique Bunbury y "Amárrame", una cumbia rizada con Juanes para catapultarla al estrellato internacional.
Se debe mencionar que la gran producción y los arreglos musicales enmascaran las deficiencias líricas ocasionales. Además de los temas que abren y cierran el disco, cada canción aborda el amor en sus diversos estados, (emoción, satisfacción, resignación, anhelo), y éstos varían de conmovedores y cautivadores a manoseados y trillados.
También ayuda que Laferte sea un cantante melodramática poderosa, capaz de emocionar sin sonar estridente. Además, es notable como un álbum con una inversión tan vigorosa no hace concesiones a los ritmos urbanos de moda y, sin embargo, suena completamente acorde con los sonidos contemporáneos, incluso cuando se hace presencia de los géneros tradicionales.
Laferte y "La Trenza" ha conseguido consagrarse como uno de los álbumes favoritos de América Latina.
Durante su larga y notable carrera, el modesto músico de raíces Chris Hillman ha estado en diversos grupos. Su rostro era uno de los tantos que adornaban las portadas de The Notorious Byrd Brothers, The Byrds, The Gilded Palace Of Sin, The Flying Burrito Brothers o Manassas. Hillman se sumó a cada uno de esos proyectos, desempeñando cada vez un papel fundamental, pero rara vez sobresalía.
Incluso, su incursión de los años ochenta en la música country no se hizo a través de su nombre, sino bajo los auspicios de The Desert Rose Band. Dada su naturaleza sobria y trabajadora, su nombre no es muy conocido
"He tenido una vida excelente ", dijo Hillman durante una charla en 2009. "No quería ser Bruce Springsteen. No quería ser el rey de la montaña. Quería hacer música y sucedió. Simplemente se desarrolló y aprendí a medida que avanzaba ".
En "Bidin' My Time" (2017), su primer trabajo en solitario en más de diez años, Hillman aparece por delante en concepto y arte. Sin embargo, fiel a su forma es la composición estelar del álbum, varios titanes del rock y el folk se unen para apoyar a este pionero de la música americana. Esos nombres incluyen a Roger McGuinn y David Crosby de The Byrds, Herb Pedersen de The Desert Rose Band y Tom Petty, que produjo el disco.
"Bidin' My Time" cubre respetuosamente las incursiones de muchos géneros de la carrera de Hillman, así como notables influencias. "Walk Right Back" está en deuda con Everly Brothers, con suaves melodías que recuerdan a Don y Phil en su apogeo. Por otra parte, Hillman ofrece una versión de "Bells Of Rhymney", una canción de Pete Seeger incluida en el LP debut de The Byrds, "Mr. Tambourine Man".
En el álbum destaca una versión de "Wildflowers" de Tom Petty. La original fue el punto culminante de los mejores logros de Petty en mitad de su carrera. La versión de Hillman presenta un tratamiento claro de bluegrass y es optimista a través de la simplicidad.
Hillman sigue basándose en canciones inspiradas en The Byrds, como sucede en "She Don't Care About Time" o "Here She Comes Again". En conjunto, "Bidin' My Time" carece de cohesión. A menudo, se percibe que Hillman está girando una rueda para ver a qué subgénero debe dirigirse. Este enfoque puede ser algo desalentador en la práctica ya que el oyente anhela una declaración singular y concreta.
No obstante, "Bidin' My Time" descubre a este afable jugador de equipo demostrando que merece ser conocido por más que piezas sueltas. El talento de Hillman se mantiene a niveles altos, aún cuando todavía carece del crédito generalizado que tan correcta y justamente merece.
"Salón, Lágrimas Y Deseo" (2017), es un álbum apasionado, una confesión de soledad y dolor crudo que sólo el amor y el afecto pueden aliviar. Pero las "mujeres" de Lila Downs se niegan a ser conquistadas por la desolación.
"Peligrosa", es un himno a "Las Adelitas", mujeres revolucionarias que se atreven a vivir como quieren, aceptando el dolor, las lágrimas y las consecuencias que a veces son el costo de la libertad. En este tema, está acompañada por un mariachi que matiza la canción como ranchera-blues.
Le sigue "Tus Pencas", con una banda desenfrenada. Lila Downs cubre dos hermosas canciones de amor de Augustín Lara: "Palabras De Mujer" es una balada agridulce que refleja la atracción incluso cuando no es lo que queremos, y "Piensa En Mí" que pinta el compromiso como algo que sólo las mujeres pueden realmente entender.
"La Mentira", de Álvaro Carillo, la presenta como una balada-jazz por una banda de mariachis. La voz de Lila Downs combina el fraseo de Dinah Washington y Omara Portuondo.
"Ser Paloma", con Carla Morrison de invitada, es un híbrido de ranchera e indie rock agridulce.
"Son Juárez" es una ardiente cumbia-son ejecutada con el grupo Banda Tierra Mojada. Es un homenaje a Benito Pablo Juárez García, un abogado y político mexicano de origen zapoteco, de Oaxaca, que fue el 26º presidente de México.
El gran cantante de flamenco español Diego "El Cigala" se une a la mexicana para el clásico "Un Mundo Raro", de José Alfredo Jiménez, convertido en inmortal por Chavela Vargas.
Con "Salón, Lágrimas Y Deseo", Lila Downs honra tradiciones de México y de toda Latinoamérica sin sucumbir a su peso y se alza a medida que lo hace.
Por último, "Salón, Lágrimas Y Deseo" consiguióganar, merecidamente, un Grammy Latino en la categoría de "Mejor Ábum de Pop Tradicional".
Lukas Nelson & The Promise Of The Real empezaron influenciados bajo el manto de leyendas como Neil Young, quien contrató al grupo como teloneros para su LP "The Monsanto Years" (2015), y el padre de Lukas, Willie Nelson, quien ha llevado a su hijo a la carretera en más de una ocasión.
Todo esto significa que Lukas Nelson & The Promise Of The Real, marca la primera oportunidad para que el público pueda evaluar adecuadamente a la banda en sus propios términos. Lukas Nelson & The Promise Of The Real muestra un poco de todo lo que pueden hacer en este elegante álbum de 12 pistas.
En ocasiones, Lukas Nelson & The Promise Of The Real no pueden dejar de recordar a Willie Nelson, y no sólo porque Willie toca la guitarra en "Just Outside Of Austin", un tema acústico suavemente ondulado. Lukas Nelson & The Promise Of The Real también acomoda los lugares donde el country, el folk, el rock y el blues se cruzan, a la vez que se dan cuenta de que es necesario encontrar una voz particular a través de elementos familiares.
Eso es precisamente lo que hacen aquí, dando a los rockeros su camino, reservando espacio a los ritmos del R&B, a las canciones vaqueras iluminadas por las estrellas, a las canciones alegres y a los lamentos personales. Es un disco donde uno se siente como en casa, porque este es un álbum que invita a cualquier persona siempre que comparta el mismo ambiente.
Y, como oyente, si compartes ese ambiente, Lukas Nelson & The Promise Of The Real es un puro placer.
"God’s Problem Child", es el reciente álbum de Willie Nelson que contiene colaboraciones junto a Buddy Cannon, Gary Nicholson, Jamey Johnson y Tony Joe White, en lo que se refiere a la composición de canciones, con Leon Russell en la canción "God’s Problem Child", la última aportación de Russell antes de fallecer y el homenaje a Merle Haggard en "He Won’t Ever Be Gone", primer álbum con composiciones originales desde "Band of Brothers" publicado en 2014.
El prolífico Willie Nelson publicó en 2016 "For the Good Times: A Tribute to Ray Price" y "Summertime: Willie Nelson Sings Gershwin", álbumes que fueron tributo a Ray Price, una de las mejores voces del country y al compositor George Gershwin.
Willie Nelson es uno de los grandes forajidos y grandes compositores de la música norteamericana; defensor, activista e instigador de derechos civiles en todo el planeta e icono de la "country music".
Apoyándose siempre de su inseparable guitarra "Trigger", (firmada por multitud de artistas), y con un sonido único e inconfundible, "God's Problem Child" destila un country muy personal con ribetes de rock&roll, blues, folk, western swing y pasajes de jazz.
La reconocida cantautora norteamericana Tori Sparks cambió Nashville, Tennessee (USA) por Barcelona. Su quinto disco, "El Mar" (2014), fue una colaboración con el trío de flamenco fusión, Calamento, y mezcla los géneros de blues, folk, rock y flamenco.
El álbum bilingüe fue un éxito internacional, calificado por la prensa como "valiente, arriesgado" (Rolling Stone), "desafía las comparaciones" (Rockdelux), "un pedazo de disco” (Orpheo) y "arte puro", (Los Conciertos de Radio3, RTVE2).
Tori Sparks da rienda suelta a su pasión por la tradición dura y pura en "El Mar", siendo uno de los mejores discos del 2014.
"In My Dreams" (2003) ha cosechado las mejores críticas en la carrera de Rick Trevino por su estupenda voz, las ricas influencias que contiene y el sonido compacto que ofrece. Todavía más satisfactorio para Rick Trevino es que coescribía nueve de las diez canciones incluidas, algo que nunca antes pudo conseguir en un entorno más restrictivo, aunque llevaba años componiendo canciones.
Raúl Malo, solista de The Mavericks, fue crucial en este disco, lo produce y lo enriquece con sus hermosos arreglos, además de colaborar en la autoría de la mayor parte de los temas. El disco oscila entre el country de "Overnight Success", en el que se desnuda de glamour la vida en la carretera que tan bien conoce Trevino y sonidos latinos, (que tampoco le son nada extraños), como la versión bilingüe de "Have You Ever Really Loved A Woman", el que fuera gran éxito de Bryan Adams.
La canción que da título al disco, "In My Dreams", es un tema triste en el que destacan los coros de Raúl Malo al estilo Roy Orbison. El álbum significó el renacimiento de Trevino como solista, mostrándole como un pulido seguidor del country tradicional de Marty Robbins o Buck Owens, mezclado con la nitidez de sonidos del country contemporáneo, al que se le añaden aromas latinos.
Con una voz que con los años ha ganado una elegancia y madurez espectacular, en este disco Rick Trevino consigue redondear magistrales interpretaciones. Posiblemente, "In My Dreams" es uno de sus mejores trabajos hasta la fecha.
El sonido de The Cactus Blossoms es una armonía misteriosa que recuerda a los años americanos de los '40 o '50. Hay una buena razón para ello.
Page Burkum y Jack Torrey, (guitarristas y solistas), son hermanos y sus voces encajan perfectamente entre sí de una manera que sugieren una aproximación moderna a lo que fueron los Everly Brothers o los hermanos Louvin.
Nacidos y criados en Minneapolis (Minnesota), Burkum y Torrey crecieron al hilo musical de la radio escuchando a los Beatles y los clásicos álbumes pop . Pero los hermanos compartían el gusto por las melodías folk de época y en 2010 comenzaron a probar como dúo.
The Cactus Blossoms son una una mezcla elaborada de clásicos folk de la vieja escuela y originales con un espíritu fresco.
El dúo lanzó un álbum de debut homónimo y autoeditado en 2011 y pronto consiguió un hueco en el Turf Club de St. Paul. A medida que el álbum fue consiguiendo adeptos, los hermanos fueron ampliando su calendario de gira, tocando en clubes como cabezas de cartel y compartiendo escenario con otros cantantes como Kacey Musgraves.
La cantante y compositora Gaby Moreno ha sido muy criticada desde su producción de debut "Still the Unknown" lanzada en 2008.
Afortunadamente, la artista nacida en Guatemala no quedó atascada y recorrió el mundo colaborando con Van Dyke Parques, Hugh Laurie y con su compatriota Ricardo Arjona, ganó un Grammy Latino como Mejor Nuevo Artista. Resulta casi imposible encasillar tanto talento como compositora y como cantante.
Mientras que ella ha clasificado públicamente su propia música como "spanglish alma popular", parece simplemente una etiqueta para aplacar a la prensa. Gaby Moreno se basa por igual en el blues clásico, el jazz, el pop sofisticado, el country y varios estilos populares anglosajones y latinoamericanos.
"Ilusión" (2016) es el mejor álbum de Gaby Moreno hasta la fecha, y su colorida variedad de estilos son otra cosa que lo proclama su título.
Es un magnífico ejemplo de sus habilidades plenamente desarrolladas como una de las más sofisticadas cantantes-compositores en la actualidad.
Desde su asociación creativa con el veterano compositor Chip Taylor, la cantante y violinista de Texas Carrie Rodríguez, ha crecido en complejidad a lo largo de cinco discos en solitario.
En "Lola" (2015) se pone en primer plano su herencia Tex-Mex, mezclando clásicos mexicanos desde su infancia con canciones escritas por ella misma en español o inglés.
Carrie Rodríguez obtiene el derecho de fusión con una banda de estrellas dirigida por la guitarra hábil y soñadora de Bill Frisell.
Piezas antiguas como "Qué Manera De Perder" de Cuco Sánchez, son exprimidas por su melodrama señorial, mientras que las originales "La Última Vez" y "I Dreamed I Was Lola Beltrán" se acercan al Tex-Mex en un terreno con clase, moderno, guitarras de acero que suenan junto a rasgueo de cantina.
La voz de Rodríguez y los tintes de violín clásico son dulces, como de costumbre.
Dona Onete, cantante, compositora y poetisa brasileña, es conocida como la "diva del carimbó chamegado", un ritmo de su propia creación que combina la música tradicional de Pará, en el norte de Brasil, con un poco de "picante".
Nombre artístico de Ionete da Silveira Gama, durante toda su vida laboral ha ejercido como profesora de Historia y de Cultura y Estudios Amazónicos, Secretaria de Cultura, (de la localidad de Igarapé-Miri) y ha sido fundadora de grupos de danza folclórica y agrupaciones carnavalescas. En la actualidad, Dona concilia los oficios de cantar y enseñar componiendo y cantando en los escenarios, historias, cuentos y leyendas que, durante más de veinticinco años, enseñó en las aulas. Y es que, precisamente, ha tenido que esperar a jubilarse para ser descubierta, casualmente, como expresiva cantante y compositora.
Por su trabajo, conoció diversos pueblos del interior de Pará, lo que le permitió conocer múltiples historias y anécdotas de las tradiciones negras e indígenas, muchas de las cuales están reflejadas en sus más de trescientas composiciones, acompañadas por los ritmos característicos de la tradición musical del norte de Brasil.
Suerte de Cesária Évora y Omara Portuondo, con 73 años ha grabado su primer disco, "FeitiçoCaboclo" (2012), que funciona como un caleidoscopio que trae carimbó, forró, choro, samba, bolero, cumbia y lambada, además de ser considerado un álbum que no teme probar con sonidos ajenos a la región que lo vio nacer.
Desde que comenzó a grabar, la cantante, compositora y bajista Amy LaVere ha sido hábil para convertir la materia de su autobiografía en canciones finas. En "Stranger Me" (2011), ya dejaba constancia y detalle de su propia pérdida, el dolor y la angustia en uno de los mejores discos de ruptura en la historia reciente. Con "Runaway's Diary" (2014), se remonta a la fuente pero con el giro de un narrador. La música de Amy LaVere está profundamente arraigada en Memphis, esto es, el rockabilly, el folk, el country, el pop y lo retro. Eso nos llevaa un turbio pantanode canciones popularescomo la sugestiva "LastRock 'n RollBoy To Dance". Unas melodíasoptimistascomo elrockabillyretro"Self Made Orphan", todavía transmitenconceptosmás profundosde ladificultad deencontrar el amoren unaexistencia vividapara la música. En suversiónllorona de"Dark Moon" nos encontramos ante una interpretaciónfiel que brilla sobrela oscuridad de la letra.
"Runaway's Diary" es otramuestra del lento pero creciente y elegante catálogo deLaVere, donde presenta un álbum sincero, reflexivo, desafiante yconsistentementeconvincente.
Lo primero que llama la atención de esta artista son sus enormes y exóticos ojos color avellana sobre un rostro duro y anguloso y un cierto parecido con aquella Linda Ronstadt de los años setenta. Posteriormente, se descubre que dicho envase también contiene un enorme talento. Con un estilo retro, Tami Neilson nos transporta al mejor country de los cincuenta y sesenta, con un trasfondo muy tradicional y extremadamente cuidado, (incluso en lo físico), y con una voz endiabladamente bella, se apodera de nuestra alma desde la primera escucha. Es cierto que su estilo no es demasiado comercial pero siempre hay oídos para todo tipo de propuestas. Un diamante siempre es un diamante.
Tami Neilson y Delaney Davidson no son unos extraños en la escena country, los dos han unido fuerzas para sacar al mercado el último trabajo de Tami "Dynamite!". Tami comenzó en la música desde muy pequeña, ya que formaba parte de la banda familiar Neilson Family, habiendo rodado por carreteras interminables y cubriendo muchas etapas de conciertos de segunda hasta ganarse el derecho de despuntar como una estrella con luz propia y convertirse en la sólida artista que es hoy día. Ha ganado premio tras premio por su forma de cantar, ha impresionado a críticos y a músicos por igual, por su buen hacer y su atención al detalle. La pureza de sus tonos nos devuelve a una época pasada, donde la vocalista es la maestra de ceremonias que nos enseña lugares a los que nunca podremos ir, y que nos muestra mundos que sólo podemos imaginar. Moviéndose con facilidad entre el blues mas negroide de "Walk (Back To Your Arms)" y "Dynamite", hacia el lado mas rockero de "Woo Hoo" y "Come Over", pasando por esa joya melódica de estructura retro "Cry Over You" , sin obviar en absoluto ese lamento country titulado "You Lie", o el campanazo tejano "Texas", cual sonido salido directamente de la Misión de San Antonio y que mantiene un pie directamente en el más puro sonido country tradicional. Especial reseña merecen los duetos que aparecen en el disco, Ben Wooley canta con el corazón roto de un pretendiente rechazado en la romántica "Whiskey & Kisses", y Delaney Davidson sufre en sus carnes la añoranza de un amor separado por la distancia en la sensacional y contundente "Running to You", un tema delicioso, donde la voz de Tami toca verdaderamente el alma dejando un sabor agridulce que presagia una tormenta de sentimientos.
Con un conjunto de excelentes músicos, Red McKelvie a la Steel guitar, y Joe McCallum y Ben Wooley a la sección rítmica, puede que nos encontremos ante todo un clásico. Imprescindible.
Bap Kennedy ha dado nuevas muestras de su talento con un disco titulado "Let's Start Again", un trabajo sin aspiraciones, sencillo a simple vista pero intenso y con una importante carga emocional en el que imperan canciones desnudas y melodías de tendencias acústicas, dentro de una especie de folk de raíces con matices tradicionales irlandeses o incluso latinos.
"Let's Start Again" es un álbum del que nadie habla, como si fuera de segunda división, aunque lleve consigo un trabajo de cuidadosa orfebrería que, si bien no acaba de enganchar a las primeras de cambio pues requiere una paulatina concesión de oportunidades, acaba abriéndose paso en el reconocimiento particular a base de insistencia.
Se podría destacar de él que resultan peculiares y muy llamativas esas sensaciones que cabalgan en la lengua del amor y de la emoción, a mitad camino entre el Dylan más setentero y Willy DeVille ("Let’s Start Again" o "Song Of Her Desire"). Después, las raíces americanas están latentes en temas como "Revelation Blues".
Por otra parte si a ritmo de swing sorprende "Heart Trouble", el toque country más exquisito llega de la mano de "If Things Don’t Change", de "Strange Kid" o de "Let It Go", mientras que los detalles latinos de "King Of Mexico", "Under My Wig", "Fool’s Paradise" o esa intensidad de rhytm&blues clásico negroide de "Radio Waves" se aproximan mucho más al inolvidable dandy Monsieur DeVille.
Finalmente, este cantautor irlandés del que muchos desconocen la calidad que atesora, deja constancia y firma un disco amable y exquisito, con el que hay que rendirse ante la evidencia y decir amén.
