JANIVA MAGNESS - "CHANGE IN THE WEATHER. JANIVA MAGNESS SINGS JOHN FOGERTY" (USA -2019)

En 2016, Janiva Magness fue nominada a los premios Grammy por su álbum "Love Wins Again", en el que incluía una apasionada versión de la canción de John Fogerty "Long As I Can See The Light". La evolución natural de aquella versión es el último trabajo de Magness, "Change In The Weather: Janiva Magness Sings John Fogerty".

"Change In The Weather" ofrece una selección de 12 canciones del líder de Credence Clearwater Revival entre las que se incluyen conocidos éxitos de Creedence como "Lodi" o "Bad Moon Rising", y otros de la carrera en solitario de Fogerty como "Don’t You Wish It Was True" que aparecía originalmente en su álbum en solitario de 2007 "Revival", y en el que Magness cuenta con la colaboración de Taj Mahal.
Aunque Janiva Magness está en una buena fase creativa lanzando un álbum anualmente y recorriendo el mundo, este 2019 promete ser otro año excepcional. Además de publicar "Change In The Weather", recientemente presentó sus muy esperada memorias, "Weeds Like Us".

Mientras que los álbumes muestran el inmenso talento musical de Janiva, "Weeds Like Us" explica por qué dice que "el blues es mucho más que mi vocación. Ha sido mi salvación ". Perdió a ambos padres por suicidio cuando era niña y fue ingresada en una docena de hogares de acogida. Pero, inspirada por el aliento de su madre adoptiva y una actuación estimulante del legendario músico de blues Otis Rush, encontró estabilidad, salvación y, en última instancia, triunfo en la música.

YOLA CARTER - "WALK THROUGH FIRE" (REINO UNIDO - 2019)

Uno de los hitos musicales del 2019 es el primer álbum de la sensación de Bristol Yolanda Quartey, también conocida como Yola Carter y ahora Yola, acortando su nombre desde el Ep de presentación "Orphan Offering", lanzado en el 2016 y reeditado en el 2017.

Dos años después, la ex-cantante de Massive Attack se traslada a los EEUU y toma como padrino al Black Keys, Dan Auerbach, para su primer lanzamiento de alto calibre que, bajo el título de "Walk Through Fire", ve la luz y que, a buen seguro, las enormes expectativas que se cernían sobre el mismo se van a ver confirmadas hasta por el más escépticos de los mortales.

Country, blues y soul, pese a que pudieran resultar antagónicos por tener orígenes raciales diferentes, cierto contenido fundador como las mujeres, el alcohol y la religión permitieron estrechar lazos de unión entre los géneros propiamente dichos. La cima de la conjunción de estilos, (sobre todo por su repercusión popular), es el famoso álbum de Ray Charles de 1962 "Modern Sounds In Country and Western", donde el autor toma clásicos del folk y el country para adaptarlos al mundo de la música negra y, su tema bandera, "I Can’t Stop Loving You" se convirtió en una joya imperecedera que ambos géneros se atribuyen como tal. 

Yola Carter, sin querer ser Ray, pero con su espíritu sobrevolando su cabeza y corazón, ha lanzado su particular modern sounds de country y western en "Walk Through The Fire". Un título que tiene su gestación en dos momentos dolorosos para la artista inglesa, el incendio devastador de su hogar y una relación personal aterradora, por lo que este disco fue una tabla de salvación para la solista y ello se demuestra en la fuerza que retumba en cada nota.

Yola ha publicado, con toda certeza, el disco que la va a encumbrar como la voz de final de la década. Algo que se percibe rápidamente con "Fareway Look", que nos permite apreciar la versatilidad de la enorme voz de Yola Carter capaz de tomar por asalto las cotas de delicioso pop-soul, como sucede en la balada "Rock Me Gently", las visitas al mundo bíblico y angélico en esas maravillas de ofertorio country como en "It Ain't Easier" o "Lonely The Night", hasta arrasar en el R&B de "Ride Out In The Country". La presencia de lo mejor de Nashville como el bajista Dave Rowe, (Johnny Cash, Dwight Yoakam), el teclista Bobby Wood, (Wilson Pickett, George Jones), el batería Gene Chrisman (Aretha, Dusty Springfield), el pedal steel de Russ Pahl, (Leon Russell, Nikki Hill), la guitarra de Billy Sanford, (Roy Orbison, Waylon Jennings) y la colaboración sobresaliente en las letras de Dan Penn en el tema precisamente que da título a álbum, invitan a pensar que este disco no es cuestión baladí.

Si el Ep significaba poner ante los ojos del mundo una fórmula de country-soul crudo y casi desnudo, "Walk Through The Fire" es convertir ese esbozo en todo un mural con Dan Auerbach como andamio de excelente sujeción, ya que en cada segundo de cada tema aporta las texturas musicales que se requieren, baste como ejemplo ese sonido cadencioso y cálido en "Love All Night (Work All Day)" para esa brillante oda al amor de medianoche, o esos teclados que retrotraen a la década de los70’ para el dueto con Vince Gill en "Keep Me Here", (que de haberse publicado en la referida década sería uno de esos temas imborrables), o los momentos de delicada suntuosidad que adornan "Lonely The Night".

Sin duda este primer álbum de Yola Carter es una de esas obras llamadas a la gloria. Una piedra preciosa que va a trascender este tiempo para ser eterna. Con un sonido que evoca nostalgia por venir del pasado más hermoso de la historia de la música, sin lugar a dudas Yola Carter, con su voz y estas composiciones, otorga esperanza al futuro. Enorme talento, enorme diva del country, del blues, del soul , enorme colección de canciones y mucho fuego, sobre todo, porque el fuego tiene muchos colores tantos como la voz de Yola y tiene carácter purificador. Una auténtica joya.

LUKE WINSLOW-KING - "BLUE MESA" (USA - 2018)

Algunos vagabundos nacen para correr. Luke Winslow-King nació para vagar.
Eso es lo que nos dice en la canción que da título a "Blue Mesa" (2018), su sexto álbum y cuarto desde 2013 con el sello Bloodshot. Los lugares donde grabó el álbum pasaron desde Lari y Lansing a Michigan, Nueva York y Nueva Orleans. Son indicadoresde su pasión por los viajes.

Winslow-King aún no se ha sacudido de los vestigios de la ruptura que dominó las canciones de "I’m Glad Trouble Don’t Last Always" (2016). Canciones como "Thought I Heard You", "Blue Mesa" o "Better For Knowing You"  muestran que un álbum no fue suficiente para cerrar el capítulo sobre este inquietante evento.

El rock-blues basado en una guitarra que sustenta la mayoría de las canciones en este disco de 40 minutos, junto con su voz emocional, son el vehículo apropiado para expresar su descontento romántico. Cambia del vals "Break Down The Walls" a la dramática "You Got Mine" con facilidad y a las eléctricas "Thought I Heard You" y "Leghorn Women, con la autoridad de un tipo que ha estado mezclando blues con folk, rock y música basada en Nueva Orleans durante la mayor parte de su carrera discográfica. En la animada y juguetona "Chicken Dinner", mantiene el humor ligero.

Las melodías memorables de Luke y sus músicos de acompañamiento, mantienen el ritmo enérgico, eléctric e inmediato. Mira hacia adelante con la esperanza de días más brillantes en el ritmo sonriente y retumbante de "After The Rain", donde dice "Después de la lluvia todo estará claro ... todo estará bien después de la lluvia".

En "Blue Mesa", Luke Winslow-King reflexiona sobre sus fortalezas, debilidades y la necesidad de seguir avanzando con la integridad lírica y musical de un hombre con el corazón roto que entiende el camino que quedó atrás.

MARCIA BALL - "SHINE BRIGHT" (USA - 2018)

Marcia Ball es una de las artistas de blues más conocidas y queridas de los Estados Unidos. Desde su primeros pasos en el grupo de rock psicodélico Gum In Baton Rouge en 1968 hasta este "Shine Bright" (2018), grabado en Austin, han pasado la friolera de cincuenta años en los que la de Orange, (Texas), ha desarrollado una carrera estelar y ha recibido multitud de reconocimientos y premios.

Este "Shine Bright" (2018), producido por Steve Berlin de Los Lobos, es según sus propias palabras el mejor álbum que ella podía hacer y, sin duda, es uno de los mejores que nunca ha grabado la cantante y pianista norteamericana. 

Para hacerlo, ha reunido el conjunto de canciones musicalmente más sustancial, esperanzador y edificante de su carrera de cinco décadas.

Incluye doce temas, (nueve de ellos originales de Ball), y brillantes versiones de gente como Ray Charles, Ernie K-Doe y Jesse Winchester.

BIG SHOES - STEP ON IT! (USA - 2017)

Estos siete músicos veteranos de Nashville suenan naturales y de manera sencilla. 

Big Shoes presenta músicos que han actuado con Bonnie Raitt, Van Morrison, Taj Mahal, Etta James, Bobby "Blue" Bland, Delbert McClinton, Levon Helm y docenas más. Toda esa experiencia de música de raíz, blues, R&B y soul aparece en el segundo álbum de Big Shoes, "Step On It!" (2017).

La maestría musical bien engrasada de los miembros de Big Shoes, no es sorprendente. 

Desde la primera hasta la última canción, los músicos muestran su conjunto instintivo. "Do not Do Me That That", "Blues Duplex", "There You Go" y cualquier otra pista que no sea una canción lenta engancha fácilmente

Mientras que las reseñas de los miembros de Big Shoes dicen mucho acerca de dónde vienen, la banda en total se convierte en un sucesor natural de grupos tan racionales como Allman Brothers Band o Little Feat & The Band. Big Shoes también encajaría cómodamente en el movimiento sonoro de Nueva Orleans.

El álbum contiene once canciones originales en el que se incluye la balada country-soul "The Last One To Leave", en el que se puede apreciar un solo de órgano magnífico y un alarde de autenticidad en otra canción lenta como "Too Early For The Blues".

Cada canción es original, compuestas y arregladas por los miembros de la banda. 

Big Shoes ofrece el paquete completo: canciones alegres, hechas con destreza y realizadas por expertos músicos de raíz.

SUE FOLEY - "THE ICE QUEEN" (USA - 2018)

Oriunda de Canadá y texana honoraria, el reciente lanzamiento de Sue Foley "The Ice Queen" (2018), es su primer álbum con su nuevo sello, Stony Plain Records, y el undécimo de su impresionante carrera. La cantante-guitarrista, ganadora del Premio Juno, es una fuerza del blues con la que se puede contar durante décadas y esta nuevo álbum, producido por Mike Flanigin (que también toca el órgano en el disco), sólo puede aumentar su feroz legado. "The Ice Queen" también presenta un trío especial de legendarios guitarristas de Texas como Jimmie Vaughan, Billy Gibbons y Charlie Sexton.

Cobrando su merecido respeto, Foley recurre a otros músicos para complementar el trabajo de ritmo sólido y capaz. Los bajistas Johnny Bradley y Chris Maresh, o los bateristas Chris Layton, JJ Johnson y George Rains también tienen su espacio aquí. Estos músicos le dan a "The Ice Queen" toda la pista que necesita para despegar.

El tono del álbum se establece con la canción de apertura. "Come To Me", es un blues lento y contundente que viene acompañado de las voces de Charlie Sexton. El propio Charlie Sexton se queda en la siguiente canción "81", también una oda al mal camino y la forma en que a veces nos lleva a nuestra propia ruina. El intercambio de guitarras es sincero y premonitorio.

"Run" es una canción imprudente y retumbante, la canción comienza en 4ª marcha y se queda allí. Síguela si puedes. Las cosas se vuelven cada vez más lentas a partir de la canción principal "The Ice Queen. Las verdades que Foley canta aquí sólo pueden ganarse con el tiempo y la angustia. Creerás cada palabra y cada nota.

"The Lucky Ones", sorprende cuando se escucha la voz y la guitarra de Jimmie Vaughan mientras que el órgano B3 de Flanigin llena el ritmo de la canción. "Gaslight" se mantiene el ambiente con la deliciosa trompeta de Ephraim Owens y el sobresaliente saxo tenor de Elias Haslager.

Billy F. Gibbons se une a la fiesta agregando la voz y la armónica a "Fool's Gold", creando una alquimia extraña y maravillosa. Una melodía que no estaría fuera de lugar en una cinta vintage pero que logra sonar fresca y nueva. Después de que el álbum te haya recordado con firmeza la destreza de la guitarra de Foley, "If I Have Forsaken You" llega para mostrar su voz áspera en medio del sonido de los gruesos tonos B3.

Uno de los beneficios de tener un poco de edad y experiencia es una cierta dosis de valentía, y se puede escuchar en su interpretación de "Send Me To The 'Lectric Chair" de Bessie Smith, tanto vocalmente como en su intercambio de guitarras con Derek O'Brien. El estilo desafiante de esa canción es reemplazado por los melancólicas armonías de "Death Of A Dream", donde Foley te deja colgado de cada larga y lenta sílaba y de su acorde jazzístico.

Las dos canciones que cierran el álbum son un manual de técnica y sentimiento. Simplemente con su guitarra acústica y voz, Foley demuestra la palabra que define a "The Ice Queen": autenticidad.

JANIVA MAGNESS - "LOVE IS AN ARMY" (USA - 2018)

Janiva Magness lanzó su primer álbum en 1997, pero le llevó casi dos décadas hasta que obtuvo una nominación al Grammy como "Mejor Álbum de Blues Contemporáneo" en 2016. El reconocimiento fue para "Love Wins Again" (2016), su primer disco para Blue Élan y su quinta colaboración con el productor Dave Darling, con quien tiene una química fácil y natural.

"Love Is An Army" (2018), la continuación de "Love Wins Again", ilustra que, por muy fácil que sea su relación con Darling, no es una vagancia. Al igual que su predecesora, "Love Is An Army" está enraizada en soul-blues del sur, la apertura "Back To Blue" es un fiel regreso al clásico sonido de Stax Records, pero Magness agrega nuevas dimensiones a esta idea.

Hay una notable corriente oculta de la country-music que corre a través del álbum, primero emergiendo en "On And On", un tema con Rusty Young donde destaca el pedal steel, pera reaparecer luego en la canción principal, la frágil "Down Below". 

Cuando se combina el blues con otros géneros, quedan canciones como "Home", un tema que transporta al blues añejo, o "Hammer" que es densamente funky pero encuentra un lugar para Charlie Musselwhite. 

Janiva Magness convierte a "Love Is An Army" en una rica y gratificante aventura que supera a su fino predecesor.

KAREN LOVELY - "FISH OUTTA WATER" (USA - 2017)

La portada es seductora, los ojos enjoyados de Karen Lovely invitan a escuchar la docena de pistas que dicen, una vez más, que Karen nunca es un pez fuera del agua cuando canta el blues con gran emoción. 

En el corazón del álbum está la voz seductora de Karen; los tonos y las texturas rebotan de los músicos con los que se ha rodeado para "Fish Outta Water". Dos guitarristas, Rick Holmstrom y Doug Pettibone, el bajista Taras Prodaniuk y el baterista-percusionista Matt Tecu, marcan los ritmos en la conducción del álbum. Otros instrumentos fueron utilizados como puntuación colorista.

Karen aporta una fluidez al álbum que hace que ninguna pista esté fuera de sitio. 

"Fish Outta Water" es un álbum que debe estar en casa de cualquier amante de blues moderno, donde cada canción cuenta una historia que deseas oír. 

"Fish Outta Water" es un estupendo álbum de blues que exige escuchar con detalle. Un disco a explorar porque está lleno de melodías profundas donde ningún texto será capaz de transmitir.

WILLIE NELSON - "GOD'S PROBLEM CHILD" (USA - 2017)

"God’s Problem Child",  es el reciente álbum de Willie Nelson que contiene colaboraciones junto a Buddy Cannon, Gary Nicholson, Jamey Johnson y Tony Joe White, en lo que se refiere a la composición de canciones, con Leon Russell en la canción "God’s Problem Child", la última aportación de Russell antes de fallecer y el homenaje a Merle Haggard en "He Won’t Ever Be Gone", primer álbum con composiciones originales desde "Band of Brothers" publicado en 2014.

El prolífico Willie Nelson publicó en 2016  "For the Good Times: A Tribute to Ray Price" y "Summertime: Willie Nelson Sings Gershwin", álbumes que fueron tributo a Ray Price, una de las mejores voces del country y al compositor George Gershwin.

Willie Nelson es uno de los grandes forajidos y grandes compositores de la música norteamericana; defensor, activista e instigador de derechos civiles en todo el planeta e icono de la "country music".

Apoyándose siempre de su inseparable guitarra "Trigger", (firmada por multitud de artistas), y con un sonido único e inconfundible, "God's Problem Child" destila un country muy personal con ribetes de rock&roll, blues, folk, western swing y pasajes de jazz.

TORI SPARKS - "EL MAR" (USA/ESPAÑA - 2014)

La reconocida cantautora norteamericana Tori Sparks cambió Nashville, Tennessee (USA) por Barcelona. Su quinto disco, "El Mar" (2014), fue una colaboración con el trío de flamenco fusión, Calamento, y mezcla los géneros de blues, folk, rock y flamenco.

El álbum bilingüe fue un éxito internacional, calificado por la prensa como "valiente, arriesgado" (Rolling Stone), "desafía las comparaciones" (Rockdelux), "un pedazo de disco” (Orpheo) y "arte puro", (Los Conciertos de Radio3, RTVE2). 

Tori Sparks da rienda suelta a su pasión por la tradición dura y pura en "El Mar", siendo uno de los mejores discos del 2014.

BETH HART - "FIRE ON THE FLOOR" (USA - 2016)

Beth Hart está en llamas. En este momento la cantante y compositora, nominada al Grammy, está subida en una ola creativa, lanzando álbumes aclamados y conectando con los grandes nombres de la música. La noticia de cabecera en 2016 es lo último de Beth Hart, "Fire On The Floor". Un álbum en el que la artista, muy autocrítica con sus trabajos, describe ferozmente como "jodidamente bueno".

"Fire On The Floor" es un impulso de vértigo. Beth explica que este último disco le dio una liberación emocional después de las sesiones agridulces de "Better Than Home" (2015). Si hay algo que se percibe en este álbum es una sensación de "escapismo". Agrega Beth que "estábamos todavía en la etapa de mezclas de "Better Than Home" y ya sabía que tenía que alcanzar otro registro. Grabar "Better Than Home"  fue muy doloroso porque uno de los productores, Michael Stevens, estaba muriendo de cáncer. Fue una episodio muy emocional e idóneo para escribir y grabar. Quería que las canciones de "Fire On The Floor" nacieran muy rápido para ello".

Da una vuelta por "Fire On The Floor" y verás exactamente por qué. Estas doce nuevas canciones cubren toda la gama del género blues. Como un reflejo de influencias eclécticas adolescentes de Beth, aquí se nutre de todo: desde el gospel, pasando por el R&B llegando hasta el soul.

Beth Hart reconoce que se siente muy agobiada cuando trata de componer en un estilo impuesto o predeterminado. "Casi no sé hacer eso", esgrime. "Nací y me crié en un lugar complejo amante de muchos géneros diferentes".

"Fire On The Floor" es el álbum que Beth Hart necesitaba hacer. Asimismo, es un disco que tienes que escuchar.

LUKE WINSLOW-KING - "I'M GLAD TROUBLE DON'T LAST ALWAYS" (USA - 2016)

"I’m Glad Trouble Don’t Last Always" es un álbum conceptual de Luke Winslow-King en el que el músico narra sus últimas experiencias vitales. Tras contraer matrimonio con Esther Rose King en diciembre de 2013, (también componente de la banda durante dos años y medio), su relación se fue deteriorando y Luke comenzó a escribir canciones sobre esta relación ya concluida, perdiendo tanto su pareja sentimental como musical, y en la que su música ya no volvería a ser la misma como muy bien describe el título de su nuevo disco “Contento de que los problemas no duren para siempre”. 

Estas vivencias se reflejan en nueve canciones con su estilo particular y sonidos que van desde el blues y el soul de los años 50 y el jazz tradicional de New Orleans. 

El nuevo disco de Luke Winslow-King fue grabado en los estudios New Orleans’s Parlor Studios y mezclado por el ingeniero de sonido de The Black Keys, Colin Dupuis, junto a su banda compuesta por el guitarrista italiano Roberto Luti, Benji Bohannon a la batería, Brenna Andes al bajo y Mile Lynch a los teclados.

DAYNA KURTZ - "RISE AND FALL" (USA - 2015)

La cantante y compositora estadounidense Dayna Kurtz le pone voz y música a los acontecimientos "más dramáticos" de su vida en "Rise And Fall", su séptimo álbum de estudio y el primero con canciones originales desde hace cuatro años.

"Hay épocas negras en la vida y esta fue uno de esos momentos", explica Dayna Kurtz , en relación a los últimos años vividos con la muerte de su padre y la ruptura de su matrimonio como los sucesos más determinantes. La cantante ha vivido unos años convulsos a los que añade una mudanza a la ciudad de Nueva Orleans desde Brooklin y un nuevo amor, hechos que quedan recogidos en "Rise And Fall", una guía por todos los cambios de su vida.

"Rise And Fall" incluye melodías muy precisas y elaboradas que denotan la profundidad de su espíritu, como el country soul "You Are Not What I Need (But You're All That I Want") o "The Hole", escrita después de velar las cenizas de su padre. "Cuando compones no tienes demasiado control realmente sobre lo que estás haciendo", confiesa Kurtz. Pero también incluye canciones de amor como "You Hold Me" y "Yes, You Win", escritas a raíz de los nuevos acontecimientos de su vida y la aparición de un nuevo amor.

Como no podía ser de otra manera en una cantante que acostumbra a versionar canciones de otros, el álbum incluye una versión de un tema de Bobby Charles y David Allan Coa, "You'll Always Live Inside Of Me", a la que Kurtz le da un toque muy personal. El título del disco se lo debe al estribillo de la canción "If I Go First". "Me gusta la frase porque lo implica todo", explica la cantante. "Puede implicar la caída del Imperio Romano, pero también la vida o el simple acto de respirar", cuenta con una profundidad fácilmente apreciable en sus canciones.

Con un estilo muy personal bajo el que combina jazz, blues y folk con otros estilos tradicionales americanos, la cantante prefiere no etiquetar su música con ningún nombre, y reconoce que si ha tardado tanto en publicar su nuevo disco es porque le cuesta "mucho tiempo" escribir canciones.

GINA SICILIA - "IT WASN'T REAL" (USA - 2013)

Gina Sicilia grabó "It Wasn't Real" en su ciudad natal de Philadelphia. El álbum no sólo muestra el talento vocal de Gina sino que también marca su crecimiento como compositora.

Gina Sicilia tiene una voz de blues añejo y hace honor a ella en todas sus canciones. Gina está llena de emoción y por suerte ha descubierto una manera de demostrárselo al mundo a través de su voz. El álbum tiene composiciones brillantes como la canción principal y emocionalmente desgarradora "Don’t Wanna Be No Mother" y su interpretación del éxito de  Etta James "Do Not Cry Baby".

"Estas canciones significan mucho para mí. Mi objetivo es escribir de manera que las letras resulten atractivas y conmovedoras, para llegar a  todas las complejidades que son parte de la vida cotidiana como el amor, las emociones, la familia... Creo que he hecho mi mejor disco ", explica Sicilia.

La evidencia está en las canciones. El álbum se abre con un repique de conducción de batería, bajo, guitarra y órgano, dando un empuje de fuerza que contrasta con la vulnerabilidad de la voz cálida de Gina.

A pesar de su reconocimiento y su talento estimable e indudable, Sicilia considera su música consecuencia del trabajo incansable. "Me veo como siempre en evolución, buscando un nuevo lugar donde yo quiero que mi música suene de una manera. No sé si voy a encontrar ese lugar, pero nunca voy a dejar de buscar", dice ella.

 

BETH HART - "BETTER THAN HOME" (USA - 2015)

La cantante y compositora nominada al Grammy Beth Hart, nunca había sonado mejor (musical y espiritualmente) como lo hace en su nuevo álbum, "Better Than Home". Cuando Beth canta los relojes se detienen, los corazones bailan y el cabello se eriza. La reputada plataforma American Songwriter proclamó: "Beth tiene una voz dura, gutural y la utiliza como el mejor instrumento posible para imprimir un dramatismo extraordinario en esas baladas suyas que llenan recintos".


Beth Hart  es la figura de una artista y una mujer que lleva su alma a lo más profundo de sus canciones y ha aprendido a hacer de ello una garantía de calidad absoluta.

Michael Stevens y Rob Mathes se han encargado de la producción del nuevo álbum "Better Than Home", quizá porque es el trabajo más introspectivo de Beth hasta la fecha. Canciones muy profundas que revelan un terrible dolor de su pasado, evocando problemas familiares y demonios personales que la han servido de enseñanza para conseguir encontrar la verdadera belleza en su vida.

Estamos ante un lanzamiento increíblemente conmovedor, un disco escrito y compuesto en primera persona que va a llegar al público a un nivel muy personal. Está claro que Beth se ha convertido en una artista única que ha sabido encontrar la fórmula perfecta para la exposición de su voz interior en su vertiente más privada y el poderío de su ya legendaria voz, con ese vibrato natural tan personal y exclusivo del que hace gala.


Con un timbre que hace recordar a la añorada Etta James, este nuevo disco acaba convirtiéndose en un álbum de voz. Un disco vocal con el que Beth Hart decide transitar por diversas sendas musicales para acabar convirtiéndolo en una autentica maravilla, donde demuestra que, fuera de cualquier estereotipo o cliché, nunca nadie será capaz de clasificarla dentro de un estilo determinado, y es que su tono hace que haga suyas cualquiera de las facetas en las que quiera profundizar.

"Better Than Home" es un disco que atrapa desde el primer momento y en el que Beth se nos presenta pletórica, en un espectacular estado de forma, acompañada por una banda que consigue situarse al nivel. Diez son las canciones que componen el disco de las que destacan las grandiosas "Might As Well Smile",  "Trouble", "St.Teresa", "Were Still Living In The City" o "Mechanical Heart", y que acaban siendo una buena muestra de la pasión y la voz de una de las grandes damas, por no decir la mejor, del blues actual.

RHIANNON GIDDENS - "TOMORROW IS MY TURN" (USA - 2015)

Aún desconocida para muchos (pese a ganar un Grammy Award en 2010 con su anterior banda, The Carolina Chocolate Drops), con "Tomorrow Is My Turn" debuta Rhiannon Giddens, una de las mejores voces femeninas de la actualidad.

Ocurrió cuando el productor T-Bone Burnett la vio actuar. Burnett le ofreció producir su primer álbum de estudio. Grabado entre Los Ángeles y Nashville, y contando con una impecable nómina de estudio para la ocasión (Jack Ashford, Colin Linden, Jay Bellerose, Tata Vega o miembros de los Punch Brothers, entre otros), en él, Giddens, hace suyas una serie de piezas que van desde el góspel, el blues y el country hasta el jazz.

Entre otras, "She’s Got You" de Hank Cochran (popularizada por Patsy Cline), "Don't Let It Trouble Your Mind" de Dolly Parton, "Shake Sugaree" de Elizabeth Cotton o la propia "Tomorrow Is My Turn" (eterna Nina Simone), a las que añade míticos tradicionales como "Black Is The Colour’ o "O Love Is Teasin".

 Es difícil de discernir la visión de Giddens sobre lo que es un nuevo capítulo de su carrera. Giddens, compositora y multiintrumentista, sólo realiza una composición propia, la agraciada "Angel City."

Obviamente, su conexión con el material es muy fuerte. Su voz y la forma en que trabaja la sutileza en diferentes contextos, es la pieza central y la mayor sorpresa del álbum.

BAP KENNEDY - "LET'S START AGAIN" (IRLANDA - 2014)

Bap Kennedy ha dado nuevas muestras de su talento con un disco titulado "Let's Start Again", un trabajo sin aspiraciones, sencillo a simple vista pero intenso y con una importante carga emocional en el que imperan canciones desnudas y melodías de tendencias acústicas, dentro de una especie de folk de raíces con matices tradicionales irlandeses o incluso latinos.

"Let's Start Again" es un álbum del que nadie habla, como si fuera de segunda división, aunque lleve consigo un trabajo de cuidadosa orfebrería que, si bien no acaba de enganchar a las primeras de cambio pues requiere una paulatina concesión de oportunidades, acaba abriéndose paso en el reconocimiento particular a base de insistencia.

Se podría destacar de él que resultan peculiares y muy llamativas esas sensaciones que cabalgan en la lengua del amor y de la emoción, a mitad camino entre el Dylan más setentero y Willy DeVille ("Let’s Start Again" o "Song Of Her Desire"). Después, las raíces americanas están latentes en temas como "Revelation Blues".

Por otra parte si a ritmo de swing sorprende "Heart Trouble", el toque country más exquisito llega de la mano de "If Things Don’t Change", de "Strange Kid" o de "Let It Go", mientras que los detalles latinos de "King Of Mexico", "Under My Wig", "Fool’s Paradise" o esa intensidad de rhytm&blues clásico negroide de "Radio Waves" se aproximan mucho más al inolvidable dandy Monsieur DeVille.

Finalmente, este cantautor irlandés del que muchos desconocen la calidad que atesora, deja constancia y firma un disco amable y exquisito, con el que hay que rendirse ante la evidencia y decir amén.

NINA ZILLI - "FRASI&FUMO" (ITALIA - 2015)

Después de "Sempre Lontano" (2010) y "L’Amore È Femmina" (2012), Nina Zilli se confirma como uno de los nombres más originales del panorama musical pop italiano, gracias a un estilo reconocible que refleja el gusto por la nostalgia musical italiana de los años '60, uniendo las atmósferas que sólo el soul y el blues pueden dar.

"Frasi&Fumo" (2015) es un álbum compuesto por catorce temas, incluyendo el sencillo "Sola", presentado en el Festival de San Remo y que clasificó en el top 10. La cubierta del álbum se realizó durante la actuación en la tercera noche de festival de los "sempreverde".

Nina Zilli no decepciona, el álbum no es cualquier cosa. Nacida en el vivero de jóvenes promesas de San Remo, la cantante de Piacenza gana gracias a un sonido fresco que actúa como hilo conductor para escuchar constantemente sin que llegue el decaimiento.

THE MAVERICKS - "MONO" (USA - 2015)

La vanidad en el segundo álbum de The Mavericks desde su reagrupación en 2012 después de un largo paréntesis, es que han adquirido un sonido nuevo en el estudio, tanto musical como estilísticamente, mezclando todo monoaural y pasando a "mono" muchas de las grabaciones favoritas "vintage"  de los miembros de la banda.
"Mono" se abre con la seductora "All Night Long", una canción que refleja al compositor cubano y vocalista  principal del grupo Raúl Malo. Sus canciones son líricamente simples pero emocional y musicalmente bastante resonantes, incluso si el oyente no conoce el idioma.
The Mavericks profundizan en las múltiples dimensiones del amor, (el deseado, el encontrado, el perdido...), y los expone con un vocabulario musicalmente rico que abarca desde el pegadizo R&B ("What Am I Supposed to Do"), una irresistible oscilación retro ("Stories We Could Tell", "Out the Door"), pop latino ("What You Do To Me"), alma ardiente ("The Only Question Is") y la impresionante balada operística de Roy Orbison ("Fascinate Me").
Hay, incluso, un guiño evidente al antepasado musical del grupo, donde se hace referencia al difunto rey de Tex-Mex, Doug Sahm cuya canción, "Nitty Gritty", cierra el álbum con una exuberante y profunda interpretación  destacando el órgano vox que era parte integral del trabajo de Sahm.

DAYNA KURTZ - "SECRET CANON. VOL.2" (USA - 2013)

La música negra es uno de los elementos que conforman el particular y muy atrayente universo musical que traslada a sus oyentes Dayna Kurtz. Por eso, no es nada extraño que asistamos ahora a la publicación del segundo volumen de un disco que precisamente homenajea a ese tipo de composiciones, (jazz, soul, rhythm&blues...), por medio casi exclusivamente de versiones.

"Secret Canon. Vol. 2", esconde, aunque no demasiado dado lo obvio del título, que estamos ante un acercamiento a composiciones de décadas pasadas y que no entran entre las más conocidas ni reinterpretadas, más bien al contrario, se trata de relativas extrañezas, aunque no exentas de calidad. Una decisión que deja en evidencia la profundidad de armario que soportan estos géneros musicales y los tesoros escondidos que se pueden encontrar en ellos.

Con la estructura básica de su banda de acompañamiento habitual y la suma de músicos de jazz, la cantante encuentra el mejor cobijo para mostrarse en momentos como una diva que recopila la elegancia de Sarah Vaughan y el arrojo de Bessie Smith. Así, en un ambiente entre el blues y el jazz, acomete versiones como “One More Kiss”, que lima la crudeza de la original de Johhny "Guitar" Watson, e incluso por medio de una composición propia como la brillante "I Look Good In Bad" que no desentona para nada. Siguiendo con ese tono íntimo y sentido, pero esta vez tendiendo a las sonoridades soul, saca toda su profundidad para interpretar "Same Time, Same Place" o "I’ll Be A Liar", cantada en su momento por Betty Harris y de la que parece heredar su fuerza. Más reflexiva se va a mostrar en "Reconsider Me", con un deje gospel en su ritmo.

La parte más dinámica y de ritmos más acelerados, como si de una Big Band clásica se tratase, llega con canciones como "So Glad", donde incrementa la cadencia a base de esa mixtura de estilos a lo Ray Charles, o "If You Won’t Dance With Me", (segundo tema propio), con sus fraseos sincopados y un aroma todavía más evidente a Nueva Orleans.

Dayna Kurtz con este segundo volumen apuntala lo esgrimido por el anterior, primero un conocimiento de las músicas primigenias más allá de lo convencional y segundo una clara adaptación a ellos, que si bien en su música aparecen dentro de una forma más cruda y polvorienta, aquí tira de clasicismo para acabar por lucirse también en ese terreno y seguir postulándose como una de las mejores y más atractivas voces femeninas en la actualidad.