JANIVA MAGNESS - "CHANGE IN THE WEATHER. JANIVA MAGNESS SINGS JOHN FOGERTY" (USA -2019)

En 2016, Janiva Magness fue nominada a los premios Grammy por su álbum "Love Wins Again", en el que incluía una apasionada versión de la canción de John Fogerty "Long As I Can See The Light". La evolución natural de aquella versión es el último trabajo de Magness, "Change In The Weather: Janiva Magness Sings John Fogerty".

"Change In The Weather" ofrece una selección de 12 canciones del líder de Credence Clearwater Revival entre las que se incluyen conocidos éxitos de Creedence como "Lodi" o "Bad Moon Rising", y otros de la carrera en solitario de Fogerty como "Don’t You Wish It Was True" que aparecía originalmente en su álbum en solitario de 2007 "Revival", y en el que Magness cuenta con la colaboración de Taj Mahal.
Aunque Janiva Magness está en una buena fase creativa lanzando un álbum anualmente y recorriendo el mundo, este 2019 promete ser otro año excepcional. Además de publicar "Change In The Weather", recientemente presentó sus muy esperada memorias, "Weeds Like Us".

Mientras que los álbumes muestran el inmenso talento musical de Janiva, "Weeds Like Us" explica por qué dice que "el blues es mucho más que mi vocación. Ha sido mi salvación ". Perdió a ambos padres por suicidio cuando era niña y fue ingresada en una docena de hogares de acogida. Pero, inspirada por el aliento de su madre adoptiva y una actuación estimulante del legendario músico de blues Otis Rush, encontró estabilidad, salvación y, en última instancia, triunfo en la música.

SHERYL CROW - "THREADS" (USA - 2019)

Han pasado unos 26 años desde que Sheryl Crow dominó a principios de los años 90 con su gran éxito "Tuesday Night Music Club". Desde entonces, ha habido 9 álbumes, todos pisando diferentes caminos sonoros y mostrando su versatilidad y autenticidad como artista. Aparentemente, "Threads" será el undécimo y último álbum de estudio de Crow, y presenta colaboraciones y dúos con  Eric Clapton, Keith Richards, Willie Nelson, Kris Kristofferson, Emmylou Harris, James Taylor y Vince Gill entre los muchos. 

La pista de apertura "Prove You Wrong", es una canción de country-rock con Stevie Nicks y la nueva sensación country Maren Morris. Si esta pista parece un poco ligera, entonces el triunvirato de blues-country de Crow, Bonnie Raitt y Mavis Staples sube el calor en "Live Wire", con la slide guitar característica de Raitt y la voz ronca de Staples que envalentonan la melodía lamentando un "amante tan terco como la hierba". Uno de las pistas sobresalientes del álbum, "Tell Me When It’s Over", evoca a la icónico "If It Makes You Happy", aunque menos nihilista y más realista, y podría ser una versión más exigente de "My Favourite Mistake". Este blues de temática agridulce es simplemente hermoso, y las voces de Crow y Chris Stapleton así lo demuestran.

Conocida por sus letras políticas astutas y su activismo sincero, Crow critica la política, la violencia armada y la codicia con buenos resultados aquí. "Story Of Everything" es un áspero paisaje funk con la participación de Chuck D, Andra Day y Gary Clark Jr., donde transita por la América reciente hablando desde cuestiones raciales, pasando por políticos y la  asistencia social. La estrofa "Nuestro congreso no hace nada, nunca comete errores, porque no se presenta a trabajar, ¡excepto para darse un aumento!", no puede ser más elocuente. De manera similar, "Wouldn't Want To Be Like Like You" condena, en modo rockero, la avaricia capitalista y la corrupción con la participación de St. Vicent. El poderoso "Redemption Day" se retrae y cuenta con la voz de Johnny Cash. La canción arranca de manera conmovedora y las inquietantes armonías hacen que la canción sea aún más potente.

Hay algunos momentos agradables y divertidos momentos de rock. "Everything Is Broken", con Jason Isbell, es básicamente una versión country del tema principal de la serie de televisión "Wonder Woman". Sigue el viaje sonoro con "Still The Good Old Days", con la presencia Joe Walsh, donde se evidencia que vivir la vida no es solo para niños, las personas mayores sólo tienen un mejor vino. También hay algunas impresionantes baladas de amor a medio tiempo con Eric Clapton, Sting y Brandi Carlile ofreciendo apoyo para la película "Beware Of Darkness". "Cross Creek Road", con Lukas Nelson y Neil Young, es un counrty-rock brillante y "The Worst", con Keith Richards, es breve pero muy emocionante. "Lonely Alone", con Willie Nelson, es una especie de blues alegre y "Nobody’s Perfect", con la voz de Emmylou Harris, habla de gente agridulce en su mejor momento. "For The Sake Of Love", con Vince Gill, simplemente es digna de encomio.

El punto culminante del álbum es "Don't", con la aportación vocal de Lucius. Esta pista de aire retro, aparentemente sale de la nada pero pondrá muchos pelos de punta.

Si el peso del álbum de Crow ha sido ecléctico, entonces "Threads" es seguramente una vuelta a los géneros que ha explorado triunfalmente a lo largo de su carrera, desde blues hasta rock, folk, country, soul, R&B y americana. Este álbum es una verdadera celebración purificadora de la música y presenta a algunos de los artistas más importantes y apreciados y algunos que presentan unas perspectivas de futuro más esperanzadoras.

Todo lo que está aquí es glorioso.

TORI SPARKS - "WAIT NO MORE" (USA / ESPAÑA - 2019)

Tori Sparks, la polifacética compositora y cantante nacida en Illinois y afincada en Barcelona, lleva más de una década sacando discos realmente sustanciosos, donde mezcla estilos y diferentes texturas a través de un cancionero propio potente y recurriendo al acervo cultural popular, asimilado con una naturalidad imponente.

Desde que editara su álbum "El Mar" (2014),  ha colaborado estrechamente con unos músicos estupendos llamados Calamento, que junto a Francisco Guisado “El Rubio” a la guitarra eléctrica, y colaboraciones como la de Alba Bioqué (voces y palmas), o Lena Nouart (bailarina), han dado como resultado un precioso friso de influencias primorosamente hilvanadas por el arte de esta mujer que vive en tierra de nadie. Música sin fronteras ni banderas.

En "Wait No More", grabado en directo en una sala de Barcelona, Tori repasa algunas canciones de su propio repertorio, y aporta algunas versiones que ella hace suyas (re)escribiéndolas. Una virtud que no está al alcance de muchos artistas, pero ella tiene ese don. Para comprobarlo, escuchen esa versión de “Everybody Knows” de Leonard Cohen/ Sharon Robinson acompañada por una guitarra flamenca, a la que se va sumando la banda convirtiendo el tema en un arrebatado cruce entre blues y flamenco. Lo mismo podemos decir de otro clásico, “La Llorona”, en la que la aplastante voz de Sparks va creando preciosas escalas ribeteadas por una sección palpitante de percusión de altos vuelos.

De temas propios de Sparks podemos reseñar la preciosa “La Huerta”, que va bifurcándose por ciénagas pantanosas de bella poesía en un cruce entre Giant Sand y Claustrofobia. En “On My Mind” tira de la rumba, aunque la voz de la de Chicago la viste con ropajes soul. 

Una gran artista que merecería un mayor reconocimiento.

JAMESTOWN REVIVAL - "SAN ISABEL" (USA - 2019)

El primer disco de la banda de Austin, (Texas), Jamestown Revival, formada por Jonathan Clay (guitarra y voces), y Zach Clay (piano y voces), aparecido en 2014 bajo el nombre de "Utah", pasó totalmente inadvertido. Extraño es que no se conociera antes a esta banda que define su sonido como "Souther & Garfunkel", un sonido folk-rock clásico con voces deliciosas y melodías exquisitas que ellos definen a la perfección como "back-porch-folk-rock".

Estamos sin duda ante uno de los discos más bonitos y placenteros del año. Un tesoro absoluto. Minimalista, pausado y con suma clase nos lleva en volandas al bosque de San Isabel, en Colorado. Imaginándonos esas canciones crudas sonando por primera vez en un vieja cabaña de madera al calor de la lumbre. Once temas que brillan por sí solos y que en conjunto forman un sonido folk maravilloso que rememora los sesenta, con Simon y Garfunkel en el retrovisor, con CSN en la mente y, como nos muestran en su magnífica versión del mítico "California Dreaming", con un guiño a The Mamas & The Papas.

La maravillosa "Crazy World" abre un disco que enamora desde su portada. Un medio tiempo campestre, banjo incluido. Las preciosas voces, que nos acompañarán durante todo el disco, empastan a la perfección dando unos matices que nos hacen erizar el vello. Esa voces que sin remilgos enseñan su pasión por Mr. Garfunkel en "This Too Shall Pass", sin duda una de las canciones superlativas del disco. Simplemente de diez.

El country de "Killing You, Killing Me" es perfecto. Sensacional. Ryan Adams mataría por volver a crear una canción de este nivel. A ritmo de vals llega "Who Hung The Moon" que nos derrite el alma, mientras que "Something That You Know" es un balada de esas de rompe y rasga que enamora. Otro de las canciones destacadas del disco es "Round Prairie Road"... Y así podríamos estar hablando hasta el fin de los días de lo bonitas que son estas canciones, pero sería repetirse en exceso.

"San Isabel" se corona como uno de los discos más bonitos del año.
Una espectacular y agradable sorpresa.

 

LUKE WINSLOW-KING - "BLUE MESA" (USA - 2018)

Algunos vagabundos nacen para correr. Luke Winslow-King nació para vagar.
Eso es lo que nos dice en la canción que da título a "Blue Mesa" (2018), su sexto álbum y cuarto desde 2013 con el sello Bloodshot. Los lugares donde grabó el álbum pasaron desde Lari y Lansing a Michigan, Nueva York y Nueva Orleans. Son indicadoresde su pasión por los viajes.

Winslow-King aún no se ha sacudido de los vestigios de la ruptura que dominó las canciones de "I’m Glad Trouble Don’t Last Always" (2016). Canciones como "Thought I Heard You", "Blue Mesa" o "Better For Knowing You"  muestran que un álbum no fue suficiente para cerrar el capítulo sobre este inquietante evento.

El rock-blues basado en una guitarra que sustenta la mayoría de las canciones en este disco de 40 minutos, junto con su voz emocional, son el vehículo apropiado para expresar su descontento romántico. Cambia del vals "Break Down The Walls" a la dramática "You Got Mine" con facilidad y a las eléctricas "Thought I Heard You" y "Leghorn Women, con la autoridad de un tipo que ha estado mezclando blues con folk, rock y música basada en Nueva Orleans durante la mayor parte de su carrera discográfica. En la animada y juguetona "Chicken Dinner", mantiene el humor ligero.

Las melodías memorables de Luke y sus músicos de acompañamiento, mantienen el ritmo enérgico, eléctric e inmediato. Mira hacia adelante con la esperanza de días más brillantes en el ritmo sonriente y retumbante de "After The Rain", donde dice "Después de la lluvia todo estará claro ... todo estará bien después de la lluvia".

En "Blue Mesa", Luke Winslow-King reflexiona sobre sus fortalezas, debilidades y la necesidad de seguir avanzando con la integridad lírica y musical de un hombre con el corazón roto que entiende el camino que quedó atrás.

MANIC STREET PREACHERS - "RESISTANCE IS FUTILE" (GALES - 2018)

Los galeses Manic Street Preachers regresan con un nuevo trabajo que lleva por título "Resistance Is Futile" (2018).

Manic Street Preachers han grabado este nuevo álbum en su propio estudio de Newport, que han estrenado para registrar el disco. 

Según ha comentado la propia banda, los temas principales de "Resistance Is Futile" son la memoria y la pérdida, la historia olvidada, la realidad confusa y el arte como "lugar de escape e inspiración". 

En cuanto al sonido, el grupo comenta que se trata de un álbum "obsesivamente melódico" y muy relacionado con "la cándida energía" de su debut "Generation Terrorists" (1992) y el toque orquestal de "Everything Must Go" (1996). 

La realización del disco ha atravesado algunas dificultades y retrasos, pero finalmente fue tomando forma de manera muy rápida en los últimos meses.

SUE FOLEY - "THE ICE QUEEN" (USA - 2018)

Oriunda de Canadá y texana honoraria, el reciente lanzamiento de Sue Foley "The Ice Queen" (2018), es su primer álbum con su nuevo sello, Stony Plain Records, y el undécimo de su impresionante carrera. La cantante-guitarrista, ganadora del Premio Juno, es una fuerza del blues con la que se puede contar durante décadas y esta nuevo álbum, producido por Mike Flanigin (que también toca el órgano en el disco), sólo puede aumentar su feroz legado. "The Ice Queen" también presenta un trío especial de legendarios guitarristas de Texas como Jimmie Vaughan, Billy Gibbons y Charlie Sexton.

Cobrando su merecido respeto, Foley recurre a otros músicos para complementar el trabajo de ritmo sólido y capaz. Los bajistas Johnny Bradley y Chris Maresh, o los bateristas Chris Layton, JJ Johnson y George Rains también tienen su espacio aquí. Estos músicos le dan a "The Ice Queen" toda la pista que necesita para despegar.

El tono del álbum se establece con la canción de apertura. "Come To Me", es un blues lento y contundente que viene acompañado de las voces de Charlie Sexton. El propio Charlie Sexton se queda en la siguiente canción "81", también una oda al mal camino y la forma en que a veces nos lleva a nuestra propia ruina. El intercambio de guitarras es sincero y premonitorio.

"Run" es una canción imprudente y retumbante, la canción comienza en 4ª marcha y se queda allí. Síguela si puedes. Las cosas se vuelven cada vez más lentas a partir de la canción principal "The Ice Queen. Las verdades que Foley canta aquí sólo pueden ganarse con el tiempo y la angustia. Creerás cada palabra y cada nota.

"The Lucky Ones", sorprende cuando se escucha la voz y la guitarra de Jimmie Vaughan mientras que el órgano B3 de Flanigin llena el ritmo de la canción. "Gaslight" se mantiene el ambiente con la deliciosa trompeta de Ephraim Owens y el sobresaliente saxo tenor de Elias Haslager.

Billy F. Gibbons se une a la fiesta agregando la voz y la armónica a "Fool's Gold", creando una alquimia extraña y maravillosa. Una melodía que no estaría fuera de lugar en una cinta vintage pero que logra sonar fresca y nueva. Después de que el álbum te haya recordado con firmeza la destreza de la guitarra de Foley, "If I Have Forsaken You" llega para mostrar su voz áspera en medio del sonido de los gruesos tonos B3.

Uno de los beneficios de tener un poco de edad y experiencia es una cierta dosis de valentía, y se puede escuchar en su interpretación de "Send Me To The 'Lectric Chair" de Bessie Smith, tanto vocalmente como en su intercambio de guitarras con Derek O'Brien. El estilo desafiante de esa canción es reemplazado por los melancólicas armonías de "Death Of A Dream", donde Foley te deja colgado de cada larga y lenta sílaba y de su acorde jazzístico.

Las dos canciones que cierran el álbum son un manual de técnica y sentimiento. Simplemente con su guitarra acústica y voz, Foley demuestra la palabra que define a "The Ice Queen": autenticidad.

BRANDI CARLILE – BY THE WAY, I FORGIVE YOU ( USA - 2018)

Brandi Carlile es una compositora autodidacta y cantante norteamericana que ha sido encasillada en diferentes estilos que, por cierto, están bien recogidos en este álbum. Pinceladas de country, folk rock, indie-rock… un poquito de sal, aceite y vinagre para hacer una gran ensalada.

Nacida en el estado de Washington en 1981, es una virtuosa de la guitarra y el piano y, aunque aquí pueda no sonarnos su nombre, en Estados Unidos tuvo una década de los 2000 bastante intensa. Y sigue en la cresta de la ola.

Brandi Carlile firma con Columbia en 2004 y publica su primer trabajo en 2005.

Con su segundo trabajo logra acceder a una plataforma musical relevante por aquel entonces: Anatomía De Grey. Tras lanzar "The Story" (2007) logra colar hasta tres temas (de su primer álbum, homónimo, publicado en 2005), "Tragedy", Throw It All Away" y "What Can I Say".

Carlile ha girado con artistas como Chris Isaak, The Fray, Maroon 5 o One Republic y desde los primeros momentos ha tenido a la crítica de su parte.

Ha colado temas entre los 10 primeros del Billboard y ha estado nominada a los Grammys… Carlile no es una principiante.

Lo cierto es que trabajos limpios como éste entran a la primera por los oídos, con una producción intachable y un trabajo de fondo que se ve a la legua. Folk-rock para todos los públicos.

Se trata del sexto trabajo de estudio de la americana. Junto a estos, hay que destacar su directo en Benaroya Hall de 2011 o el álbum de versiones sobre sus temas que se publicó a beneficio de War Child en 2017, con colaboraciones como las de Adele y Pearl Jam.

Música de altura, capturada con sencillas melodías y unos trazos cuasi intangibles que hacen de este disco un gran descubrimiento para el tramo medio del invierno. Pero será un disco para todo el año.

JANIVA MAGNESS - "LOVE IS AN ARMY" (USA - 2018)

Janiva Magness lanzó su primer álbum en 1997, pero le llevó casi dos décadas hasta que obtuvo una nominación al Grammy como "Mejor Álbum de Blues Contemporáneo" en 2016. El reconocimiento fue para "Love Wins Again" (2016), su primer disco para Blue Élan y su quinta colaboración con el productor Dave Darling, con quien tiene una química fácil y natural.

"Love Is An Army" (2018), la continuación de "Love Wins Again", ilustra que, por muy fácil que sea su relación con Darling, no es una vagancia. Al igual que su predecesora, "Love Is An Army" está enraizada en soul-blues del sur, la apertura "Back To Blue" es un fiel regreso al clásico sonido de Stax Records, pero Magness agrega nuevas dimensiones a esta idea.

Hay una notable corriente oculta de la country-music que corre a través del álbum, primero emergiendo en "On And On", un tema con Rusty Young donde destaca el pedal steel, pera reaparecer luego en la canción principal, la frágil "Down Below". 

Cuando se combina el blues con otros géneros, quedan canciones como "Home", un tema que transporta al blues añejo, o "Hammer" que es densamente funky pero encuentra un lugar para Charlie Musselwhite. 

Janiva Magness convierte a "Love Is An Army" en una rica y gratificante aventura que supera a su fino predecesor.

SHAWN COLVIN - "UNCOVERED" (USA - 2015)

Shawn Colvin tiene un pasado histórico. Su carrera comenzó con su traslado inicial a Austin, donde comenzó su carrera como parte de una banda de swing. Luego realizó una incursión en la música folk, se mudó a Nueva York y tocó con Buddy Miller, con quien más tarde desarrollaría una relación musical en curso. Su primera gran oportunidad llegó cuando fue contratada para hacer coros en la canción "Luka" de Suzanne Vega, que la llevó a grabar su álbum debut "Steady On" (1989), un disco que le trajo un Grammy al mejor álbum folk contemporáneo. Su segundo trabajo, "Fat City" (1992), también recibió una nominación al Grammy, mientras que la canción destacada de ese álbum, "I Do Not Know Why", obtuvo una nominación al Grammy a la categoría Mejor Vocal Pop Femenina.

El regreso de Colvin a Austin a mediados de los 90 marcó otro movimiento clave en su trayectoria, generando varias grabaciones significativas, incluyendo un álbum superventas, "A Few Small Reparations" (1996), que también trajo sus Grammys en la categoría de Canción y Grabación Del Año. Sin embargo, a pesar de sus logros, Colvin siempre tuvo tendencia a interpretar las canciones de otros cantantes. "Cover Girl", lanzada en 1994, fue su primer paso significativo en esa dirección.

"Uncovered" (2015) podría considerarse como una mezcla de géneros. Una vez más, Colvin reinterpreta canciones ajenas pero ahora es más aventurera que antes debido, no sólo a la diversidad de sus fuentes, (Bruce Springsteen, Paul Simon, Tom Waits, Stevie Wonder, etc...), sino también a un enfoque musical más simple que la hace compartir protagonismo con la guitarra acústica del productor Steuart Smith.

David Crosby y Marc Cohn hacen colaboraciones, pero es la voz de Colvin la que brinda una calidad melancólica a canciones como "Baker Street", "Tougher Than The Rest" de Springsteen, "I Used To Be A King" de Graham Nash, "Lodi" de Creedence Clearwater Revival's o "Acadian Driftwood" de Robbie Robertson.

Colvin y Smith llevan estas canciones a su esencia. Hay una pureza que podría haber sido insinuada en las canciones originales, pero que aquí se resuelven con una brillante determinación.

THE MAVERICKS - "BRAND NEW DAY" (USA - 2017)

Más de dos décadas de carrera en la que siempre ha evitado el camino predecible, The Mavericks, cuya combinación de tex-mex, rock retro y armonías de influencia cubana los convirtieron en estrellas a mediados de los años noventa, regresan con el nuevo álbum "Brand New Day" (2017).

"Nos van a encantar todos nuestros problemas", canta Raúl Malo en la canción que da título al álbum, cuya sonoridad recuerda a los arreglos de la década de 1960. Acompañan a Raúl Malo tres viejos Mavericks: el baterista Paul Deakin, el guitarrista Eddie Pérez y el teclista Jerry Dale McFadden, además del coproductor Niko Bolas, que ayudó a interpretar canciones como "Rockin' In The Free World" de Neil Young y "The Boys" de Don Henley. 

"Brand New Day" no es sólo una canción de amor. También es un álbum que contiene un mensaje político y que expresa cómo nos sentimos", explica, "como banda, como familia, como nación, como mundo. Ahora más que nunca, vamos a necesitar ser más compasivos y más comprensivos que nunca", concluye Raúl Malo.

Con una colección de 10 pistas, el álbum permitió a The Mavericks la libertad de trabajar sin las restricciones de una gran discográfica y grabaron con sello propio por primera vez.

The Mavericks también han conocido su lado oscuro. A fines de 2014, el co-fundador Robert Reynolds fue despedido del grupo por adicción a las drogas, poniendo fin a su carrera de 17 años. 

Sin embargo, con "Brand New Day", miran hacia adelante a horizontes más brillantes.

CHRIS HILLMAN - BIDIN' MY TIME (USA - 2017)

Durante su larga y notable carrera, el modesto músico de raíces Chris Hillman ha estado en diversos grupos. Su rostro era uno de los tantos que adornaban las portadas de The Notorious Byrd Brothers, The Byrds, The Gilded Palace Of Sin, The Flying Burrito Brothers o Manassas. Hillman se sumó a cada uno de esos proyectos, desempeñando cada vez un papel fundamental, pero rara vez sobresalía.

Incluso, su incursión de los años ochenta en la música country no se hizo a través de su nombre, sino bajo los auspicios de The Desert Rose Band. Dada su naturaleza sobria y trabajadora, su nombre no es muy conocido

"He tenido una vida excelente ", dijo Hillman durante una charla en 2009. "No quería ser Bruce Springsteen. No quería ser el rey de la montaña. Quería hacer música y sucedió. Simplemente se desarrolló y aprendí a medida que avanzaba ".

En "Bidin' My Time" (2017), su primer trabajo en solitario en más de diez años, Hillman aparece por delante en concepto y arte. Sin embargo, fiel a su forma es la composición estelar del álbum, varios titanes del rock y el folk se unen para apoyar a este pionero de la música americana. Esos nombres incluyen a Roger McGuinn y David Crosby de The Byrds, Herb Pedersen de The Desert Rose Band y Tom Petty, que produjo el disco.

"Bidin' My Time" cubre respetuosamente las incursiones de muchos géneros de la carrera de Hillman, así como notables influencias. "Walk Right Back" está en deuda con Everly Brothers, con suaves melodías que recuerdan a Don y Phil en su apogeo. Por otra parte, Hillman ofrece una versión de "Bells Of Rhymney", una canción de Pete Seeger incluida en el LP debut de The Byrds, "Mr. Tambourine Man".

En el álbum destaca una versión de "Wildflowers" de Tom Petty. La original fue el punto culminante de los mejores logros de Petty en mitad de su carrera. La versión de Hillman presenta un tratamiento claro de bluegrass y es optimista a través de la simplicidad.

Hillman sigue basándose en canciones inspiradas en The Byrds, como sucede en  "She Don't Care About Time" o "Here She Comes Again". En conjunto, "Bidin' My Time" carece de cohesión. A menudo, se percibe que Hillman está girando una rueda para ver a qué subgénero debe dirigirse. Este enfoque puede ser algo desalentador en la práctica ya que el oyente anhela una declaración singular y concreta.

No obstante, "Bidin' My Time" descubre a este afable jugador de equipo demostrando que merece ser conocido por más que piezas sueltas. El talento de Hillman se mantiene a niveles altos, aún cuando todavía carece del crédito generalizado que tan correcta y justamente merece.

LUKAS NELSON & PROMISE OF THE REAL (USA - 2017)

Lukas Nelson & The Promise Of The Real empezaron influenciados bajo el manto de leyendas como Neil Young, quien contrató al grupo como teloneros para su LP  "The Monsanto Years" (2015), y el padre de Lukas, Willie Nelson, quien ha llevado a su hijo a la carretera en más de una ocasión.

Todo esto significa que Lukas Nelson & The Promise Of The Real, marca la primera oportunidad para que el público pueda evaluar adecuadamente a la banda en sus propios términos. Lukas Nelson & The Promise Of The Real muestra un poco de todo lo que pueden hacer en este elegante álbum de 12 pistas.

En ocasiones, Lukas Nelson & The Promise Of The Real no pueden dejar de recordar a Willie Nelson, y no sólo porque Willie toca la guitarra en "Just Outside Of Austin", un tema acústico suavemente ondulado. Lukas Nelson & The Promise Of The Real también acomoda los lugares donde el country, el folk, el rock y el blues se cruzan, a la vez que se dan cuenta de que es necesario encontrar una voz particular a través de elementos familiares.

Eso es precisamente lo que hacen aquí, dando a los rockeros su camino, reservando espacio a los ritmos del R&B, a las canciones vaqueras iluminadas por las estrellas, a las canciones alegres y a los lamentos personales. Es un disco donde uno se siente como en casa, porque este es un álbum que invita a cualquier persona siempre que comparta el mismo ambiente.

Y, como oyente, si compartes ese ambiente, Lukas Nelson & The Promise Of The Real es un puro placer.

KAREN LOVELY - "FISH OUTTA WATER" (USA - 2017)

La portada es seductora, los ojos enjoyados de Karen Lovely invitan a escuchar la docena de pistas que dicen, una vez más, que Karen nunca es un pez fuera del agua cuando canta el blues con gran emoción. 

En el corazón del álbum está la voz seductora de Karen; los tonos y las texturas rebotan de los músicos con los que se ha rodeado para "Fish Outta Water". Dos guitarristas, Rick Holmstrom y Doug Pettibone, el bajista Taras Prodaniuk y el baterista-percusionista Matt Tecu, marcan los ritmos en la conducción del álbum. Otros instrumentos fueron utilizados como puntuación colorista.

Karen aporta una fluidez al álbum que hace que ninguna pista esté fuera de sitio. 

"Fish Outta Water" es un álbum que debe estar en casa de cualquier amante de blues moderno, donde cada canción cuenta una historia que deseas oír. 

"Fish Outta Water" es un estupendo álbum de blues que exige escuchar con detalle. Un disco a explorar porque está lleno de melodías profundas donde ningún texto será capaz de transmitir.

IMELDA MAY - "LIFE, LOVE, FLESH, BLOOD" (IRLANDA - 2017)

Imelda May cerró una brillante etapa que la convirtió en todo un referente del rockabilly con "Tribal" (2014) y ahora empieza una nueva vida musical con "Life, Love, Flesh, Blood", un álbum en el que explora géneros como el blues, soul, folk y rock con el material más auténtico y personal de su carrera.

Los amantes del rockabilly deben estar defraudados y les costará aceptar este cambio, si es que son capaces de asimilarlo algún día. Pero realmente, en "Tribal" (2014) ya se atisbaba cierto desgaste y a una Imelda May muy encorsetada y atrapada, deseando probar nuevos registros. Seguir por ese camino hubiese sido repetirse, hacer discos mediocres, (porque no todos iban a ser tan buenos como los dos primeros), o terminar versionando los clásicos del género. Y el talento de esta mujer está muy por encima de cualquier limitación impuesta por la pureza del rockabilly.

Uno de los motivos que ha facilitado esta evolución y apertura hacia otros registros, ha sido su ruptura amorosa y profesional con el guitarrista y compositor Darrel Higham, su marido durante trece años y una pieza clave en la carrera de May, de la que ella ya habla en pasado.
En "Life, Love, Flesh, Blood", Imelda May ni siquiera parece estar en su zona de confort. Ya no está protegida por su banda o su marido. Se muestra ante el mundo sola y fuerte, a la vez que vulnerable, con una colección de canciones compuestas por ella misma que alcanzan altas cotas de intimismo y reflejan quién es Imelda May verdaderamente. 

A eso, tenemos que sumar que ha tenido la suerte de contar con la producción de T. Bone Burnett que ha hecho verdaderas maravillas en otras ocasiones para artistas como Rhiannon Giddens y esta vez vuelve a acertar de pleno consiguiendo mostrarnos a una Imelda May fascinante. Colaboran también nada menos que Jeff Beck y el virtuoso del piano Jools Holland.

Estamos ante el mejor álbum de la carrera de Imelda May. Se trata de una colección de canciones excelentes de producción impecable, nuevos registros vocales que no le conocíamos y que encantan. 

TORI SPARKS - "EL MAR" (USA/ESPAÑA - 2014)

La reconocida cantautora norteamericana Tori Sparks cambió Nashville, Tennessee (USA) por Barcelona. Su quinto disco, "El Mar" (2014), fue una colaboración con el trío de flamenco fusión, Calamento, y mezcla los géneros de blues, folk, rock y flamenco.

El álbum bilingüe fue un éxito internacional, calificado por la prensa como "valiente, arriesgado" (Rolling Stone), "desafía las comparaciones" (Rockdelux), "un pedazo de disco” (Orpheo) y "arte puro", (Los Conciertos de Radio3, RTVE2). 

Tori Sparks da rienda suelta a su pasión por la tradición dura y pura en "El Mar", siendo uno de los mejores discos del 2014.

MOOT DAVIS - "MAN ABOUT TOWN" (USA - 2012)

Demasiado country tradicional para el gran público y demasiado country actual para los más puristas del género. Esta sea quizás la mejor forma de catalogar a Moot Davis y su álbum "Man About Town" (2012), que lejos de encasillarse en el estilo fácil de los sonidos country, ha ido un paso más allá y ha mezclado con suficiencia el estilo fronterizo con elegantes melodías y un talento para hacer un material de calidad y respetando el legado de los grandes del género.

Grabado en Nashville con el productor Kenny Vaughan, sus 13 pistas demuestran que Davis todavía está enamorado del honky-tonk de Hank Williams, ya sea el cuento cauteloso de apertura de "Rags To Rhinestones", los ritmos arrastreros de "How Long ", o los violines de "Everybody's Gal" y "Only You ". 

Pero también hay varios temas que muestran una línea ligeramente aventurera, ausente en su etapa anterior. "Black & White Picture" es una balada épica de siete minutos cuyos riffs de acero y acústica brillante de estilo mexicano, proporcionan el telón de fondo perfecto para su historia de un marido vengativo. "Queensbury Rules" ve como su temblorosa voz sureña toma una aventura rara pero convincente en el territorio más rocoso de Dwight Yoakam, mientras que "Crazy In Love With You" lo ve formar equipo con la gran eléctrica Elizabeth Cook. Es difícil no quedar encantado por el deleite del "Man About Town" de Moot Davis.

CHRIS STAPLETON - "TRAVELLER" (USA - 2016)

Cris Stapleton lanza "Traveller" (2016), solemne disco debut de este compositor e intérprete treinteañero, triunfador recientemente en los premios de la música Country Country Music Association Award (CMA), y nominado con 4 premios Grammy incluyendo el de álbum del año, de este forastero ex componente y cantante de la banda de bluegrass The SteelDrivers y miembro de The Jompson Brothers, producido por Dave Cobb, quizás el mejor productor de música americana en estos momentos, amigo personal de Shooter Jennings, descubridor de Sturgill Simpson, Jamey Johnson o impulsor de carreras como la de Jason Isbell o Lindi Ortega, además de producir para George Jones, Holly Williams, Chris Cornell o California Breed entre otros.

Chris Stapleton con esa voz y alma redentora conduce "Traveller" hacia esos lados profundos y sentidos, como George Jones, música espontánea e impregnada hasta las huesos de referencias, country bañado en soul, como ese tipo observador que va a cantar a casa después de una pelea en un bar, un maravilloso disco hervido a medio camino entre aquella maravilla de Jason Isbell "Southeastern", publicado hace dos años, y el "Songs" de John Fullbright editado el año pasado.

Chris Stapleton convence con solvencia mostrando galones propios de un veterano en poco más de sesenta gloriosos minutos que dura su nuevo disco "Traveller", una delicia para cualquier aficionado a la música de raíces americanas por su riqueza y variedad, que recuerda a lo mejor del country de los años setenta combinando rock sureño y blues pulido con esa maravillosa voz desgarrada de Chris.

"Traveller", ha batido todos los récords en Norteamérica y ha conseguido unir a los puristas del género, cansados de ritimos poperos y multitud de composiciones chapuceras. Chris Stapleton, natural de Kentucky como Bill Monroe, Ricky Skaggs, Dwight Yoakam, Patty Loveless,o Sturgill Simpson, es uno de los compositores más prolíficos; muchísimas letras suyas han conseguido alcanzar el número uno de las listas más prominentes para intérpretes como Darius Rucker, Kenny Chesney, Josh Turner o Thomas Rhett.

THE CACTUS BLOSSOMS - "YOU 'RE DREAMING" (USA - 2016)

El sonido de The Cactus Blossoms es una armonía misteriosa que recuerda a los años americanos de los '40 o '50. Hay una buena razón para ello.

Page Burkum y Jack Torrey, (guitarristas y solistas), son hermanos y sus voces encajan perfectamente entre sí de una manera que sugieren una aproximación moderna a lo que fueron los Everly Brothers o los hermanos Louvin.

Nacidos y criados en Minneapolis (Minnesota), Burkum y Torrey crecieron al hilo musical de la radio escuchando a los Beatles y los clásicos álbumes pop . Pero los hermanos compartían el gusto por las melodías folk de época y en 2010 comenzaron a probar como dúo.

The Cactus Blossoms son una una mezcla elaborada de clásicos folk de la vieja escuela y originales con un espíritu fresco.

El dúo lanzó un álbum de debut homónimo y autoeditado en 2011 y pronto consiguió un hueco en el Turf Club de St. Paul.  A medida que el álbum fue consiguiendo adeptos, los hermanos fueron ampliando su calendario de gira, tocando en clubes como cabezas de cartel y compartiendo escenario con otros cantantes como Kacey Musgraves.

BETH HART - "FIRE ON THE FLOOR" (USA - 2016)

Beth Hart está en llamas. En este momento la cantante y compositora, nominada al Grammy, está subida en una ola creativa, lanzando álbumes aclamados y conectando con los grandes nombres de la música. La noticia de cabecera en 2016 es lo último de Beth Hart, "Fire On The Floor". Un álbum en el que la artista, muy autocrítica con sus trabajos, describe ferozmente como "jodidamente bueno".

"Fire On The Floor" es un impulso de vértigo. Beth explica que este último disco le dio una liberación emocional después de las sesiones agridulces de "Better Than Home" (2015). Si hay algo que se percibe en este álbum es una sensación de "escapismo". Agrega Beth que "estábamos todavía en la etapa de mezclas de "Better Than Home" y ya sabía que tenía que alcanzar otro registro. Grabar "Better Than Home"  fue muy doloroso porque uno de los productores, Michael Stevens, estaba muriendo de cáncer. Fue una episodio muy emocional e idóneo para escribir y grabar. Quería que las canciones de "Fire On The Floor" nacieran muy rápido para ello".

Da una vuelta por "Fire On The Floor" y verás exactamente por qué. Estas doce nuevas canciones cubren toda la gama del género blues. Como un reflejo de influencias eclécticas adolescentes de Beth, aquí se nutre de todo: desde el gospel, pasando por el R&B llegando hasta el soul.

Beth Hart reconoce que se siente muy agobiada cuando trata de componer en un estilo impuesto o predeterminado. "Casi no sé hacer eso", esgrime. "Nací y me crié en un lugar complejo amante de muchos géneros diferentes".

"Fire On The Floor" es el álbum que Beth Hart necesitaba hacer. Asimismo, es un disco que tienes que escuchar.