Durante dos décadas, la cantante y compositora mexicana Lila Downs ha presentado diferentes estilos musicales dándole un enfoque global a la música que procede de las Américas.
Lila Downs, nacida en Oaxaca y criada en Minnesota, ha pasado su carrera recalcando las diferencias entre las culturas latina y anglosajona, e interpretándolas a través de varios idiomas, (mixteco, inglés, español y zapoteco), y ha tratado con solvencia múltiples estilos musicales que van desde las cumbias y las rancheras hasta el jazz, el folk, el hip-hop incluso el blues. "Al Chile" (2019), se grabó en la Ciudad de México, Brooklyn, Oaxaca y en una granja en Juchitán de Zaragoza. Musicalmente, es un proyecto muy ambicioso y diferente a lo que Lila Downs nos tiene acostumbrados.
Producido por Camilo Lara y mezclado por Mario Caldato, Jr., los sonidos del disco se adentran en el pop latino urbano sin renunciar a las raíces populares. Más de 180 músicos participaron en estas sesiones, incluyendo varias orquestas regionales como La Banda Misteriosa de Oaxaca, especializada en invención rítmica y armónica. Norah Jones y el cantante chileno Gepe también fueron invitados.
"Al Chile" (2019), es una de las grabaciones más aventureras de Lila Downs. Gracias a la selección de Camilo Lara como productor, también es una de las más agradables y polifacéticas. Lo más probable es que, dado su sabor, diversidad y reflejo de los tiempos en que vivimos, resonará con brío y simultáneamente tanto en ambientes rurales como urbanos.
La cantante cubana Aymée Nuviola, presenta su sexta producción musical "A Journey Through Cuban Music" (2019).
Después de obtener un Grammy Latino por su álbum de fusión tropical "Como Anillo Al Dedo" (2017), Nuviola vuelve a las raíces y explora los diferentes ritmos folklóricos de su Cuba natal.
Nuviola debutó con "Corazon Sonero", (2009). Posteriormente, editaría "En La Intimidad" (2014), "First Class To Havana" (2014) y "El Regreso A La Habana", (2016).
Engalanan la producción intérpretes de lujo como Omara Portuondo, Gonzalo Rubalcaba, Chucho Valdés, El Septeto Santiaguero, Alexander Abreu, Alejandro Falcón, Samuel Formell, Pancho Amat, Mayito Rivera, Los Muñequitos De Matanzas o La Conga De Los Hoyos, entre otros.
"A Journey Through Cuban Music", fue grabado entre Matanzas, Santiago de Cuba, Guantánamo, Pinar del Río y, naturalmente, en La Habana.
Un clásico como "Chan Chan", de Compay Segundo, abre el disco. "Consuélate Como Yo", invita a Mayito Rivera en un son cubano a la vieja usanza. De la misma forma, en ambos temas, escuchamos los solos magistrales de Alexander Abreu en la trompeta.
"Dale Tumba" es una guaracha con la participación de Pancho Amat en el solo de tres, instrumento tradicional cubano. "Dónde Estabas Anoche", originalmente un son de Ignacio Piñeiro, anuncia brillantemente al Septeto Santiaguero.
"Tres Palabras" del compositor Osvaldo Farrés, da pie al mágico dúo de Omara Portuondo y la misma Aymée Nuviola. "El Manisero" muestra a Gonzalo Rubalcaba en el solo de piano, así como nuevamente a Alexander Abreu con sutileza y elegancia a la trompeta.
"Ese Atrevimiento" es una rumba fusión con la destacada participación del pianista Chucho Valdes y la legendaria agrupación Los Muñequitos de Matanzas, mientras que la agrupación tradicional La Conga de Los Hoyos, de Santiago De Cuba, es invitada en el tema "La Caminadora", a ritmo de conga.
Si en "Lágrimas Negras" Aymée Nuviola se acerca más a la salsa clásica, (al estilo de Nueva York), en "Somos Cubanos" establece un formidable tándem con Los Van Van de Samuel Formell al estilo songo.
"Taxista" emprende un acercamiento al changüí, acompañada del Conjunto Son Del Guazo.
Nuviola tampoco se olvida de la música guajira. El corte "Yo Soy El Punto Cubano", cierra una grabación digna de Grammy.
"Salón, Lágrimas Y Deseo" (2017), es un álbum apasionado, una confesión de soledad y dolor crudo que sólo el amor y el afecto pueden aliviar. Pero las "mujeres" de Lila Downs se niegan a ser conquistadas por la desolación.
"Peligrosa", es un himno a "Las Adelitas", mujeres revolucionarias que se atreven a vivir como quieren, aceptando el dolor, las lágrimas y las consecuencias que a veces son el costo de la libertad. En este tema, está acompañada por un mariachi que matiza la canción como ranchera-blues.
Le sigue "Tus Pencas", con una banda desenfrenada. Lila Downs cubre dos hermosas canciones de amor de Augustín Lara: "Palabras De Mujer" es una balada agridulce que refleja la atracción incluso cuando no es lo que queremos, y "Piensa En Mí" que pinta el compromiso como algo que sólo las mujeres pueden realmente entender.
"La Mentira", de Álvaro Carillo, la presenta como una balada-jazz por una banda de mariachis. La voz de Lila Downs combina el fraseo de Dinah Washington y Omara Portuondo.
"Ser Paloma", con Carla Morrison de invitada, es un híbrido de ranchera e indie rock agridulce.
"Son Juárez" es una ardiente cumbia-son ejecutada con el grupo Banda Tierra Mojada. Es un homenaje a Benito Pablo Juárez García, un abogado y político mexicano de origen zapoteco, de Oaxaca, que fue el 26º presidente de México.
El gran cantante de flamenco español Diego "El Cigala" se une a la mexicana para el clásico "Un Mundo Raro", de José Alfredo Jiménez, convertido en inmortal por Chavela Vargas.
Con "Salón, Lágrimas Y Deseo", Lila Downs honra tradiciones de México y de toda Latinoamérica sin sucumbir a su peso y se alza a medida que lo hace.
Por último, "Salón, Lágrimas Y Deseo" consiguióganar, merecidamente, un Grammy Latino en la categoría de "Mejor Ábum de Pop Tradicional".
El nuevo álbum de La Santa Cecilia, "Buenaventura", se parece mucho a su portada. La banda se inspiró en el desierto de Joshua Tree para escribir canciones llenas de sueños y deseos. El grupo mexicoestadounidense, ganador del Grammy, habla de sus sueños y la búsqueda de un nuevo comienzo.
La banda convocó a Enrique Bunbury para una versión de "Tragos De Amargo Licor" del mexicano Ramón Ayala. La pieza sigue teniendo ritmos norteños y un ánimo de "cortarte las venas", pero un poquito más rockera, para los aquellos que les gusta echar sus tragos.
Con Fito Páez grabaron la canción original llamada "Vámonos", "Tener a un maestro como él en un disco nuestro y que haya aceptado salir en el disco de nosotros es un sueño muy loco y estamos muy agradecidos", apunta la banda.
El arte corrió a cargo de Humberto Howard y refleja su viaje al desierto con fotografías algo misteriosas y a la vez divertidas. Claudia Brant los apoyó en la composición de algunas canciones.
En cuanto a los instrumentos, agregaron metales como trompetas, saxofones y trombones y completaron el álbum con la participación especial de David Hidalgo y Steve Berlin de Los Lobos.
Dona Onete, cantante, compositora y poetisa brasileña, es conocida como la "diva del carimbó chamegado", un ritmo de su propia creación que combina la música tradicional de Pará, en el norte de Brasil, con un poco de "picante".
Nombre artístico de Ionete da Silveira Gama, durante toda su vida laboral ha ejercido como profesora de Historia y de Cultura y Estudios Amazónicos, Secretaria de Cultura, (de la localidad de Igarapé-Miri) y ha sido fundadora de grupos de danza folclórica y agrupaciones carnavalescas. En la actualidad, Dona concilia los oficios de cantar y enseñar componiendo y cantando en los escenarios, historias, cuentos y leyendas que, durante más de veinticinco años, enseñó en las aulas. Y es que, precisamente, ha tenido que esperar a jubilarse para ser descubierta, casualmente, como expresiva cantante y compositora.
Por su trabajo, conoció diversos pueblos del interior de Pará, lo que le permitió conocer múltiples historias y anécdotas de las tradiciones negras e indígenas, muchas de las cuales están reflejadas en sus más de trescientas composiciones, acompañadas por los ritmos característicos de la tradición musical del norte de Brasil.
Suerte de Cesária Évora y Omara Portuondo, con 73 años ha grabado su primer disco, "FeitiçoCaboclo" (2012), que funciona como un caleidoscopio que trae carimbó, forró, choro, samba, bolero, cumbia y lambada, además de ser considerado un álbum que no teme probar con sonidos ajenos a la región que lo vio nacer.
La agrupación parisina Cumbia Ya! ejecuta la cumbia y el porro como la tradición manda. Con una big band conformada por músicos europeos y latinos, acaban de publicar "La Mecanica Del Porro", su tercer álbum. Gaitas, cumbias, porros y merecumbés, el nuevo álbum rinde un tributo a la música compuesta por grandes leyendas del genero como Lucho Bermúdez, Pacho Galán o Lisandro Meza.
Creada en París por la clarinetista argentina Soledad Romero y el trombonista Augusto Ramos, Cumbia Ya! debutó con la grabación "La Amenaza Tropical" (2004). Posteriormente, apareció "No Me Busques" (2009) y "La Mecánica Del Porro" (2014).
Trece cortes hacen parte del álbum, el cual contó con la dirección de Izidor Leitinger en los estudios. Todos son cortes clásicos del cancioneero de cumbias y porros colombiano, a excepción de "Despierta Eli", tema inédito compuesto entre Soledad Romero, Augusto Ramos y Julien Matrot.
Asimismo está incluido una bella versión de "Danza Negra", pieza escrita por el gran Lucho Bermúdez durante su estancia en Buenos Aires en honor a su tierra natal Colombia, y aquí vocalizada magistralmente por Soledad Romero. Otro de los cortes destacados es "La Buchaca", autoría de Pedro Salcedo -compositor de "La Pollera Colorá"- , y con la destacada actuación de Augusto Ramos en las voces.
La novel agrupación Los Hacheros, afincada en Nueva York, presenta su ópera prima "Pilón", (2012). El conguero y cantante Héctor "Papote" Jiménez, aparece como la figura artística de mayor referencia de este grupo, debido a su participación en las producciones de Gilberto "Pulpo" Colón, Aurora Flores & Son Del Barrio, entre otras.
Las canciones incluidas del repertorio popular cubano presentan, en las versiones aquí propuestas, abordajes impredecibles, -práctica fundamental de la auténtica interpretación salsera-, con los cuales se beneficia el carácter singular y libertario de las interpretaciones.
"Pilón" ofrece un recorrido panorámico por el bolero ("Desastre" de Luis Marquetti y "Convergencia" de Marcelino Guerra), la guajira ("Choco’s Guajira", rebautizada aquí como "Papote’s Guajira"), el son montuno ("Tintorera" y "Mami Me Gustó" de Arsenio Rodríguez y Lili Martínez, respectivamente), la rumba ("Rumberos De Ayer", de Beny Moré, rebautizada aquí como "Chano") y el cha cha chá (Cha Cha Herzilia, instrumental).
La sonoridad estructurada con base en la combinación inusual de flauta, violín, trombón y tres, es sin duda inteligente y refrescante ante la uniformidad imperante. La utilización del tres amplificado recuerda de manera inevitable al genial Arsenio Rodríguez.
La trompeta de Maite Hontelé es un puente brillante y sólido por el que esta holandesa cruzó el Atlántico y se instaló en en la energética Medellín, Colombia.
"La Mujer Sonora", apodo por el que se conoce a Maite, lanza su primer álbum completo como solista, -ya había grabado dos EP’s, "Llego LaMona" (2009) y "Mujer Sonora" (2010)- con Óscar D’León como invitado especial. "Déjame Así" consta de ocho canciones cuidadosamente seleccionadas, compuestas y arregladas en su totalidad por el virtuoso músico y pianista Juancho Valencia, (Puerto Candelaria), a excepción de dos de ellos; "Perdón" (Pedro Flores) y "Juana Bonita" (Pietro Redamo). La grabación es una muestra de los géneros musicales que Maite ha explorado a lo largo de su carrera musical. Nacida en Utrecht, (Holanda), se vio rodeada desde muy temprana edad por el son cubano y la música caribeña. Sus padres poseían una gran colección discográfica de estos ritmos. Posteriormente, cursó estudios en el reconocido Conservatorio de Rotterdam. Presentaciones con luminarias de la talla de Buena Vista Social Club, Conjunto Chapottín en la Feria de Cali del 2009, Rubén Blades, Yuri Buenaventura, Issac Delgado, Diego Galé , Juan Carlos Coronel, Óscar D’León, demuestran con suficiencia las credenciales que "La Mona" Maite tiene para ofrecer. En Holanda también hace parte del colectivo Bongomatik, Cubop City Big Band y de Rumbatá Big Band.
La salsa en sus diferentes vertientes y colores es interpretada por Maite en el disco. La salsa colombiana es una de sus preferidas y esto se hace evidente en la canción "Yo No Sé" interpretada en formato de sonora, siendo una de las elegidas de Maite. Un tributo al sonido que ha marcado a varias generaciones de salseros colombianos, trompeta cortantes y tempo rápido para el bailador son la característica. El son montuno "Qué Bonito", con el gran músico cubano Alain Pérez, (ex Isaac Delgado), vocalizando y también tocando el bajo, es uno de los cortes estrella.
A los largo del álbum también podemos intuir los sonidos y agrupaciones que han influido en la sonoridad de Maite: Grupo Gale ("Yo No Sé"), Los Van Van ("Mañana"), Truco Y Zaperoco ("Tu Rumberito Llegó"), La Sonora Ponceña ("Dejame Así"). Del mismo modo, los porros de Lucho Bermúdez y Pacho Galán ("María Bonita") son tratados por su agrupación con mucho respeto y fidelidad. Mención especial merece el clásico de Pedro Flores "Perdón", en la voz del gran Óscar D”Leon en tiempo de bolero-son con una fabulosa instrumentación apoyada en violines, viola, cello y acordeón, este último interpretado por Juancho Valencia. La canción desemboca en un "solo" de trompeta muy personal de Maite.
"Nadie sabe de amor", dice en una de sus canciones un Raúl Paz romántico, enamorado y cercano que seduce con su décimo disco titulado "Ven Ven".
Aunque la prensa europea insiste en que su nuevo fonograma trae un sonido mestizo e intentan situarlo en una intercepción media de la recta que es la música cubana, conviene insertar a "Ven Ven" en esa arista contemporánea y diversa que se edifica en el pentagrama nacional.
Paz es parte de un movimiento pujante en la escena musical actual y que muchas veces se engloba dentro de lo alternativo, aunque esto no es del todo cierto porque dicha corriente está marcada por las claras influencias de una estética artística que ya va en los genes de los nacidos en Cuba, y que tiene como paradigmas a Benny Moré, Miguel Matamoros y el recientemente fallecido Juan Formell.
De ahí que en el nuevo álbum de Raúl Paz se revisitan discursos cotidianos ya abordadas por otros compositores de antaño, pero que se enriquecen con una visión armónica que, sin duda, se nutre de géneros foráneos como el pop, el reggae, el funk y el soul e inevitablemente también lleva esa marca del son y las tradiciones caribeñas.
Una inmensidad de sonidos se disfrutan en "Ven Ven", un álbum donde Paz asume la rapidez del swing y el jazz en general, con solos de trompetas de una riqueza impresionante. Para lograr una coherencia armónica disfrutable, Paz sumó a sus orquestaciones las de los pianistas Andy Rubal y Jorge Aragón, así como las del maestro Joaquín Betancourt. A su vez, el cantante contó para la mezcla del disco con el francés Florent Livet.
Pasiones, sueños y verdades sellan esa poesía moderna con que Raúl trata el más sublime de los sentimientos. Su discurso, directo y con metáforas sencillas e inteligentes, está hecho para enamorar al instante.
Raúl Paz termina con una certeza cuando asegura que "cada cual debe hacer la música de su momento histórico". Este álbum está marcado definitivamente por su tiempo.
No es exagerado definir "Tranquilo Que Yo Controlo" como uno de los mejores discos del afamado compositor y pianista cubano César Pedroso, ("Pupy"), y su banda Los Que Son Son. Pedroso es el hombre que ayudó a inventarel sonidode la banda Los VanVan, de la cualse separóen 2001para formarsu propio grupo.
Es destacable el espectro de sonidosdePupy y Los Que Son Son, la mezcla decharanga/timba, lasarmoníascomplejas, la intensidad yelritmo contagioso. Pedroso tienesupropio sonido, una banda queesidentificablea 1000 kilómetros.
Juan Formell dijo en la presentación para la prensa de "Tranquilo Que Yo Controlo", que no era necesario escucharlo para saber que era "de pegada".
El líder de Los Van Van afirmó que "César Pedroso, "Pupy", es un gran compositor, de los que se dan poco", y que figura entre los mejores autores con que contó su agrupación, con temas antológicos para el grupo como "Seis Semanas", "Tranquilo, Mota" o "Azúcar".
El álbum de Pedroso recoge composiciones propias y de Ángel Bonne, Leonardo Teruel y Gustavo Cabañas. Resulta significativo que junto a títulos inéditos, conforman el disco otros que evidencian la conexión de Los Que Son Son con lo mejor de la música cubana. Así emerge "Vecina, Présteme El cubo", de Arsenio Rodríguez, donde colabora especialmente Omara Portuondo.
Máximo Francisco Repilado Muñoz. (Siboney, 18 de noviembre de 1907 - La Habana, 14 de julio de 2003). Fue músico y compositor cubano de amplia trayectoria mundial.
Llegó a ser un popular compositor e intérprete, muy conocido entre los amantes de la música tradicional cubana. Comenzó tocando la guitarra, el clarinete, el bongó y también la tumbadora. Fue el inventor del "armónico", instrumento de siete cuerdas, un híbrido entre la guitarra española y el tres cubano.
Comenzó su carrera musical muy joven cuando compuso sus primeras canciones y tocaba en grupos de Santiago con su conocido armónico. Pero su fama internacional le llegó en 1997 con su participación en el disco "Buena Vista Social Club", el cual ganó varios premios "Grammy". Compay Segundo apareció también en la película del mismo nombre realizada, posteriormente, por Wim Wenders.
En los últimos años actuó ante millones de espectadores y grabó nueve discos. No pudo cumplir su sueño de llegar a la edad de 116 años, en la cual murió su abuela. Falleció en La Habana debido a una insuficiencia renal con 95 años.
En "Calle Salud" está una de las canciones más importantes y emblemáticas de Compay Segundo: "Chan Chan".
El hip-hop, el son, la salsa y la música latina, se fusionan para darle forma a "Arepa, Guarapo Y Flow", la primera producción discográfica de la agrupación Compay Son, formada por dos de los ex integrantes de la disuelta banda "Underflow", quienes vuelven a la escena musical con un nuevo integrante para así conformar este trío que expone un género el cual ellos denominan "salso-hip-hop". "Papita, Maní Y Tostón" es su primer sencillo, el cual será el abrebocas de un grupo que contiene buen sabor tradicional venezolano.
Compay Son nace a raíz de la unión de "Koma", "BobCat" y "Memo". Con su "flow" natural y versatilidad le dan vida a esta banda que, gracias a la mezcla de sus distintas personalidades y a su experiencia en la música, vienen a ofrecer con sus letras y ritmo tropical, la cotidianidad del venezolano enfocada siempre de una manera positiva y reflexiva.
Después de la desintegración de la agrupación "Underflow", surge un proyecto mucho más ambicioso y profesional, por lo cual, "Koma" y "BobCat", deciden unirse nuevamente pero ahora junto a un nuevo integrante, ("Memo"), para conformar Compay Son, un proyecto de música latina urbana, que viene dispuesto a apoderarse de la escena local venezolana, para así brindarle a su público música de calidad, mucha energía y, por supuesto, puro "flow", perfilándose como antesala de lo que promete ser una de las producciones más contundentes del año en el panorama musical venezolano.
Monterrey, México. La música de este señor avecindado en el Cerro de la Campana en Monterrey, Nuevo León, hace bailar hasta a los muertos. Han sido 25 años de historia desde el lanzamiento del ya legendario disco "Ronda Bogotá", hasta lograr hace poco tiempo que el mismísimo Gabriel García Márquez baile uno de los vallenatos del llamado "Rebelde del Acordeón".
Celso Piña se ha convertido en un fenómeno de masas, y su música en un objeto de culto. Su cumbia ha contagiado cual plaga, sin distinguir sexo o condición social. Y da gusto saber que no hay vacuna… Los medios se han ocupado de él con fervor y los líderes de opinión, como Carlos Monsiváis, han emitido veredictos implacables que ya son marca registrada: "Celso Piña es un fenómeno social, como bien afirman, y un fenómeno musical, como bien se oye".
Y es que en cuanto Celso y su potentísima Ronda Bogotá arremeten con un tema, la tierra se estremece y el público entra en un trance que no parará hasta que el también apodado "Embajador del Cerro de la Campana" abandone el escenario.
Celso Piña es un fenómeno de espacio y tiempo, y casi sin querer, es lo que podríamos llamar un "moderno". A ritmo de cumbia y vallenato como naves insignia, ha tenido la habilidad para retozar con grandes del pop, del rock, del rap, la balada, la ranchera y del popular "sonidero".
De alguna forma se puede decir que puso en valor a la tan popular cumbia y el cadencioso vallenato, y que tendió puentes entre una diversidad de géneros.
Si usted pregunta cuál es la música cubana más reconocida y tradicional, indiscutiblemente la respuesta sería "el son". El son, con fuertes raíces afro-cubanas, afro-francesas, andaluzas y canarias, se origina al principio del siglo XX en la provincia de Oriente.
Tocado por diferentes agrupaciones, (mayormente sextetos y septetos), los instrumentos principales eran el tres, (una guitarra cubana de tres cuerdas dobles), una guitarra de seis cuerdas, un bongó, instrumentos de percusión menor, (clave, botija, güiro y maracas), y cuando el ritmo llegó al Occidente, se le agregó el sonido de una solitaria trompeta. Sus líricas reflejaban el amor, el romance o el sentimiento público sobre asuntos sociales o políticos.
Cuando el son se populariza nacional e internacionalmente, se formaron en el país muchas agrupaciones. Así fue que en 1926, en la ciudad de Cienfuegos, en la parte central de Cuba, nacieron Los Naranjos.
Hoy, 71 años más tarde, se puede asegurar que los Naranjos han mantenido, vocal e instrumentalmente, las mismas características musicales que llevaron a unirse por primera vez, y que han mantenido en vivo la historia de este género musical y el sonido tradicional de esa pasada época.
Al ojear la historia de la música cubana, debemos detenernos ante el surgimiento en abril de 1926 de un conjunto que constituyó una extraordinaria novedad para todos los cubanos.
Los Naranjos, orgullo de todos los cienfuegueros, durante toda su larga y perdurable vida artística, han cultivado el tradicional son cubano. En su repertorio encontramos piezas de grandes compositores de la música cubana como Marcelino Guerra, Ernesto Lecuona, Sindo Garay, Rodrigo Prats, Lili Martínez, Rafael Ortíz e Isolina Carrillo.
Sones de exquisita fluidez y sabor criollo, de ritmo atrevido y cadencioso, cargados de caprichos melódicos y armónicos que no hacen más que acentuar el sello personal y distintivo de esta agrupación.
Fecundos creadores e innovadores en el trabajo vocal, por lo que no es difícil dejarse seducir por el encanto que se desprende de sus más de 300 composiciones, escritas diestramente, una gran parte de ellas para cuatro voces.
Los Naranjos han mostrado por 70 años el valor y la perpetuidad del son cubano, su brillo y espontaneidad, siempre serán la fuente de inspiración para el surgimiento y desarrollo de nuevos géneros musicales.
El renovado interés que vivimos por la música cubana nos trae regalos como éste. No hace mucho que podemos disfrutar de tales maravillas, puesto que antes no se publicaban en nuestro país y resultaban difíciles de encontrar.
Porque la novedad es ésta, no la música que se mantiene pura a través del siglo y tampoco el artista. Eliades Ochoa lleva más de treinta años cantando y tocando guarachas, sones y boleros y más de veinte al frente del Cuarteto Patria.
En esta "Sublime Ilusión", grabada en Los Ángeles, la sabiduría y sensibilidad campesina del guajiro Eliades quedan plasmadas como nunca. Su voz seductora y su guitarra-tres recorren temas imperecederos, (de Méndez Carlos, Miguel Matamoros o Francisco Repilado), los crean nuevos y llevan a su terreno un tango de Gardel, "Volver".
El disco cuenta con insignes colaboraciones: Ry Cooder, responsable de aquel hito llamado "Buena Vista Social Club", Charlie Musselwhite y su armónica y David Hidalgo, (Los Lobos). Todos se ponen al servicio de los cubanos. El lanzamiento internacional de este tremendo artista le abre un gran futuro. Absolutamente recomendable.
Desde hace ya cuatros años, la salsa colombiana ha cambiado de una forma radical. Todo esto debido a la aparición de nuevas orquesta integradas por jóvenes de barrio que aún no han perdido la esencia que este género encierra.
Una de aquellas agrupaciones es Calambuco, que hace dos años atrás nos demostró que la salsa se debía hacer "Como En El Barrio", porque en él se encuentran los mejores seguidores de este género y además ya era tiempo de rescatar la esencia rumbera.
La segunda producción de Calambuco, titulada "Rompiendo El Cuero", es una muestra más de calidad musical, canciones como "No Estás En Ná", "Rompiendo El Cuero" o "Don Marcelino" nos enfrascan desde el comienzo del álbum para llevarnos luego a una descarga instrumental en "Ok, Lo Que Sea", seguido de un bolero que termina con toques de son montuno sin dejar el ritmo cha-cha-cha "Sabroso". Cada tema juega un papel importante en esta producción.
Esta es sin duda una de las mejores producciones de salsa dura colombiana en la ultima década. La filosofía es "calle, barrio, lo cotidiano, las
historias comunes". Así resume el cantante Einar Rentería el tipo de salsa de
Calambuco.
A la hora de sacar su segundo álbum, también como
independiente, el grupo cuenta varios logros que son verdaderas victorias para
una banda que se produce y se promociona sola. Son victorias relacionadas con el
respeto hacia su música: el haber sido llamados para hacer la banda sonora de una
serie de televisión, ("La Sucursal Del Cielo"), el haber ido en representación de
Colombia al "Festival Cubadisco" y el estar invitados, de nuevo por
Colombia, a hacer el show central en el Festival de Salsa de Varsovia.
Calambuco es un grupo salsero que se conforma a mediados de 2005 con el propósito de rescatar el sonido, el carácter y el sentimiento de la salsa de los '70 que hace vibrar a viejas y nuevas generaciones. Así, Calambuco hace sus primeras pariciones públicas, desde finales del año 2005, interpretando los grandes clásicos de la salsa pesada en las principales salas de Bogotá.
En el primer semestre de 2006, la agrupación empieza a interpretar sus propias canciones compuestas por el pianista Andrés Felipe Succar, iniciando así un nuevo proceso que se traduciría en la grabación y exitoso lanzamiento de su primer trabajo discográfico titulado "Como En El Barrio", producido por el cantante y trombonista Mauricio Castillo, con la colaboración de José Aguirre en las trompetas y del pianista Jaime Henao como músico invitado.
El primer trabajo discográfico de Calambuco "Como En El Barrio" fue seleccionado para hacer parte de la banda sonora de la más reciente producción de Caracol Televisión "La Sucursal del Cielo", una serie cuya historia se desarrolla en la ciudad de Cali en del año '71.
"Como En El Barrio" ha sido un éxito de ventas en Colombia, Europa y Estados Unidos al reportar más de cuatro mil copias vendidas en los primeros meses desde su aparición en el mercado el 14 de diciembre del 2006. A su vez, la crítica lo ha catalogado como uno de los mejores trabajos de salsa colombiana del momento y como candidato a los mejores trabajos del género en el 2007, pues "cada track es una joya". De igual forma, "Como En El Barrio" fue reconocido por el público especializado como la mejor producción de salsa bogotana.
Sin duda, lo mejor de Calambuco son sus presentaciones en vivo, llenas de energía y con los mejores músicos; las apariciones de la banda se caracterizan por una gran interpretación musical y un derroche de carisma que se gana el afecto del público que siempre quiere volver a disfrutar de la salsa brava de Calambuco.
Ondatrópica es un proyecto del músico colombiano Mario Galeano, (Frente Cumbiero), y el productor inglés Will "Quantic" Holland en el que se reúnen a músicos de primera línea que representan la vieja y la nueva guardia de la música colombiana. Además de cumbia, Ondatrópica apela a los sabores tradicionales del porro, el merengue, la gaita y la champeta, y los combina con funk, hip-hop y hasta con vuelos electrónicos del dub.
Después de diversos años de trabajar en torno a la música tropical colombiana, Mario Galeano y Will Quantic, (con apoyo del British Council), lograron hacer real su proyecto: reinterpretar la herencia musical tropical de Colombia con nuevos enfoques en composición, arreglos y producción. Para ello, a principios de 2012, en el legendario estudio de Discos Fuentes de Medellín, (con más de 75 años de historia), llamaron a los integrantes de sus respectivos conjuntos, (el Frente Cumbiero y el Combo Bárbaro), "Fruko", (alma y vida de Los Tesos) y Jorge Gaviria, Aníbal Velázquez, Pedro Ramayá, Alfredito Linares, Juancho Vargas, Michi Sarmiento, Markitos Mikolta, Wilson Viveros y Armando Hernández, se sumaron a artistas jóvenes como Nidia Góngora, Freddy Colorado, Eblis Álvarez, Anita Tijoux, José Miguel Vega "El Profe", Carlos Puello "Chongo", Esteban Copete, Pedro Ojeda, Marco Fajardo, Wilfredo Peña y Fernando "Ovejo" Silva, en un proyecto sin precedentes en la historia reciente de la música colombiana, un regreso a los estándares de sonido y calidad musical que en décadas fue de los más influyentes del continente.
La exploración con estos músicos pioneros y visionarios de los años '60, '70 y '80 del siglo XX no busca una aproximación nostálgica a su sonido, la idea es reafirmar la validez y contemporaneidad del mismo. Para ello se aproximaron a los estándares clásicos de producción por medio de equipos y técnicas propias del sonido análogo, usando consolas y micrófonos de época, y aprovechando la experiencia de figuras claves del sonido como el legendario ingeniero y productor Mario Rincón, uno de los responsables de las mejores grabaciones de los años '70 en el país.
El resultado: que lo más contundente y relevante de la música colombiana está aquí para redescubrirse.
Según el propio Caetano, un viejo proyecto que empezó siendo grabado como si nada y terminó siendo uno de sus discos más vendidos y tres enormes giras de presentación en toda América, con éxito de público y crítica.
Este disco de Caetano fue realmente la "bisagra" en su carrera, tanto estilísticamente como en su repertorio, que aquí se deriva a las canciones latinoamericanas que su madre escuchaba en la radio cuando Caetano era un niño, y otras que él mismo dice admirar a partir de escucharlas contemporáneamente.
Hay tango, bolero, música de Paraguay, Perú, Venezuela, Cuba, Argentina, Puerto Rico, México… todo armonizado y ensamblado en la maravillosa voz del bahiano. Los arreglos son fabulosos: al punto que, por ejemplo Fito Páez - autor de "Un Vestido Y Un Amor"- jamás volvió a interpretar esta canción en su versión original, sino con el arreglo que tiene en este álbum.
