Con un tema de Bob Dylan titulando el álbum, Diana Krall versiona aquí parte del cancionero que escuchó en la radio durante su adolescencia y primera juventud. De este modo recupera composiciones de Eagles, Elton John, Paul McCartney, The Mama’s & The Papa’s, Gilbert O’Sullivan o el mencionado Dylan, y lo hace con sus armas habituales: piano y voz grave y sinuosa en primer plano.
Detrás ha optado por recurrir a preciosistas y discretos arreglos orquestales diseñados por David Foster y rodearse de coristas de lujo como Graham Nash, Stephen Stills o Timothy B. Schmit, además de marcarse dúos vocales con Michael Bublé, Blake Mills y Bryan Adams.
Grandes recursos, por tanto, para un disco ambicioso que, pese a su perfección milimétrica, esconde alma y por momentos logra conmover y desarmar al oyente. Pero es que con estas canciones (se tenga de ellas la idea que se quiera), difícil es no ponerse de su parte. Cuando el resultado sonoro es tan delicioso, poco importa que Krall esté cada día más alejada del jazz y busque abiertamente grandes audiencias.
Imelda May cerró una brillante etapa que la convirtió en todo un referente del rockabilly con "Tribal" (2014) y ahora empieza una nueva vida musical con "Life, Love, Flesh, Blood", un álbum en el que explora géneros como el blues, soul, folk y rock con el material más auténtico y personal de su carrera.
Los amantes del rockabilly deben estar defraudados y les costará aceptar este cambio, si es que son capaces de asimilarlo algún día. Pero realmente, en "Tribal" (2014) ya se atisbaba cierto desgaste y a una Imelda May muy encorsetada y atrapada, deseando probar nuevos registros. Seguir por ese camino hubiese sido repetirse, hacer discos mediocres, (porque no todos iban a ser tan buenos como los dos primeros), o terminar versionando los clásicos del género. Y el talento de esta mujer está muy por encima de cualquier limitación impuesta por la pureza del rockabilly.
Uno de los motivos que ha facilitado esta evolución y apertura hacia otros registros, ha sido su ruptura amorosa y profesional con el guitarrista y compositor Darrel Higham, su marido durante trece años y una pieza clave en la carrera de May, de la que ella ya habla en pasado. En "Life, Love, Flesh, Blood", Imelda May ni siquiera parece estar en su zona de confort. Ya no está protegida por su banda o su marido. Se muestra ante el mundo sola y fuerte, a la vez que vulnerable, con una colección de canciones compuestas por ella misma que alcanzan altas cotas de intimismo y reflejan quién es Imelda May verdaderamente.
A eso, tenemos que sumar que ha tenido la suerte de contar con la producción de T. Bone Burnett que ha hecho verdaderas maravillas en otras ocasiones para artistas como Rhiannon Giddens y esta vez vuelve a acertar de pleno consiguiendo mostrarnos a una Imelda May fascinante. Colaboran también nada menos que Jeff Beck y el virtuoso del piano Jools Holland.
Estamos ante el mejor álbum de la carrera de Imelda May. Se trata de una colección de canciones excelentes de producción impecable, nuevos registros vocales que no le conocíamos y que encantan.
"God’s Problem Child", es el reciente álbum de Willie Nelson que contiene colaboraciones junto a Buddy Cannon, Gary Nicholson, Jamey Johnson y Tony Joe White, en lo que se refiere a la composición de canciones, con Leon Russell en la canción "God’s Problem Child", la última aportación de Russell antes de fallecer y el homenaje a Merle Haggard en "He Won’t Ever Be Gone", primer álbum con composiciones originales desde "Band of Brothers" publicado en 2014.
El prolífico Willie Nelson publicó en 2016 "For the Good Times: A Tribute to Ray Price" y "Summertime: Willie Nelson Sings Gershwin", álbumes que fueron tributo a Ray Price, una de las mejores voces del country y al compositor George Gershwin.
Willie Nelson es uno de los grandes forajidos y grandes compositores de la música norteamericana; defensor, activista e instigador de derechos civiles en todo el planeta e icono de la "country music".
Apoyándose siempre de su inseparable guitarra "Trigger", (firmada por multitud de artistas), y con un sonido único e inconfundible, "God's Problem Child" destila un country muy personal con ribetes de rock&roll, blues, folk, western swing y pasajes de jazz.
La reconocida cantautora norteamericana Tori Sparks cambió Nashville, Tennessee (USA) por Barcelona. Su quinto disco, "El Mar" (2014), fue una colaboración con el trío de flamenco fusión, Calamento, y mezcla los géneros de blues, folk, rock y flamenco.
El álbum bilingüe fue un éxito internacional, calificado por la prensa como "valiente, arriesgado" (Rolling Stone), "desafía las comparaciones" (Rockdelux), "un pedazo de disco” (Orpheo) y "arte puro", (Los Conciertos de Radio3, RTVE2).
Tori Sparks da rienda suelta a su pasión por la tradición dura y pura en "El Mar", siendo uno de los mejores discos del 2014.
Demasiado country tradicional para el gran público y demasiado country actual para los más puristas del género. Esta sea quizás la mejor forma de catalogar a Moot Davis y su álbum "Man About Town" (2012), que lejos de encasillarse en el estilo fácil de los sonidos country, ha ido un paso más allá y ha mezclado con suficiencia el estilo fronterizo con elegantes melodías y un talento para hacer un material de calidad y respetando el legado de los grandes del género.
Grabado en Nashville con el productor Kenny Vaughan, sus 13 pistas demuestran que Davis todavía está enamorado del honky-tonk de Hank Williams, ya sea el cuento cauteloso de apertura de "Rags To Rhinestones", los ritmos arrastreros de "How Long ", o los violines de "Everybody's Gal" y "Only You ".
Pero también hay varios temas que muestran una línea ligeramente aventurera, ausente en su etapa anterior. "Black & White Picture" es una balada épica de siete minutos cuyos riffs de acero y acústica brillante de estilo mexicano, proporcionan el telón de fondo perfecto para su historia de un marido vengativo. "Queensbury Rules" ve como su temblorosa voz sureña toma una aventura rara pero convincente en el territorio más rocoso de Dwight Yoakam, mientras que "Crazy In Love With You" lo ve formar equipo con la gran eléctrica Elizabeth Cook. Es difícil no quedar encantado por el deleite del "Man About Town" de Moot Davis.
Cris Stapleton lanza "Traveller" (2016), solemne disco debut de este compositor e intérprete treinteañero, triunfador recientemente en los premios de la música Country Country Music Association Award (CMA), y nominado con 4 premios Grammy incluyendo el de álbum del año, de este forastero ex componente y cantante de la banda de bluegrass The SteelDrivers y miembro de The Jompson Brothers, producido por Dave Cobb, quizás el mejor productor de música americana en estos momentos, amigo personal de Shooter Jennings, descubridor de Sturgill Simpson, Jamey Johnson o impulsor de carreras como la de Jason Isbell o Lindi Ortega, además de producir para George Jones, Holly Williams, Chris Cornell o California Breed entre otros.
Chris Stapleton con esa voz y alma redentora conduce "Traveller" hacia esos lados profundos y sentidos, como George Jones, música espontánea e impregnada hasta las huesos de referencias, country bañado en soul, como ese tipo observador que va a cantar a casa después de una pelea en un bar, un maravilloso disco hervido a medio camino entre aquella maravilla de Jason Isbell "Southeastern", publicado hace dos años, y el "Songs" de John Fullbright editado el año pasado.
Chris Stapleton convence con solvencia mostrando galones propios de un veterano en poco más de sesenta gloriosos minutos que dura su nuevo disco "Traveller", una delicia para cualquier aficionado a la música de raíces americanas por su riqueza y variedad, que recuerda a lo mejor del country de los años setenta combinando rock sureño y blues pulido con esa maravillosa voz desgarrada de Chris.
"Traveller", ha batido todos los récords en Norteamérica y ha conseguido unir a los puristas del género, cansados de ritimos poperos y multitud de composiciones chapuceras. Chris Stapleton, natural de Kentucky como Bill Monroe, Ricky Skaggs, Dwight Yoakam, Patty Loveless,o Sturgill Simpson, es uno de los compositores más prolíficos; muchísimas letras suyas han conseguido alcanzar el número uno de las listas más prominentes para intérpretes como Darius Rucker, Kenny Chesney, Josh Turner o Thomas Rhett.
"In My Dreams" (2003) ha cosechado las mejores críticas en la carrera de Rick Trevino por su estupenda voz, las ricas influencias que contiene y el sonido compacto que ofrece. Todavía más satisfactorio para Rick Trevino es que coescribía nueve de las diez canciones incluidas, algo que nunca antes pudo conseguir en un entorno más restrictivo, aunque llevaba años componiendo canciones.
Raúl Malo, solista de The Mavericks, fue crucial en este disco, lo produce y lo enriquece con sus hermosos arreglos, además de colaborar en la autoría de la mayor parte de los temas. El disco oscila entre el country de "Overnight Success", en el que se desnuda de glamour la vida en la carretera que tan bien conoce Trevino y sonidos latinos, (que tampoco le son nada extraños), como la versión bilingüe de "Have You Ever Really Loved A Woman", el que fuera gran éxito de Bryan Adams.
La canción que da título al disco, "In My Dreams", es un tema triste en el que destacan los coros de Raúl Malo al estilo Roy Orbison. El álbum significó el renacimiento de Trevino como solista, mostrándole como un pulido seguidor del country tradicional de Marty Robbins o Buck Owens, mezclado con la nitidez de sonidos del country contemporáneo, al que se le añaden aromas latinos.
Con una voz que con los años ha ganado una elegancia y madurez espectacular, en este disco Rick Trevino consigue redondear magistrales interpretaciones. Posiblemente, "In My Dreams" es uno de sus mejores trabajos hasta la fecha.
